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Selección de videoarte de PArC 2013

Los mismos organizadores de la exitosa LimaPhoto preparon una feria mucho más ambiciosa en el Museo de Arte Contemporáneo de Barranco. Participaron 30 galerías extranjeras y 10 peruanas.

La selección de videoarte estuvo a cargo de ATA, bajo la curaduría de José-Carlos Mariátegui. La selección estuvo conformada por cuatro programas, dos programas dedicados a dos reconocidos realizadores latinoamericanos, Gabriela Golder y Miguel Alverar y los otros dos fueron cada uno una muestra del videoarte latinoamericano contemporáneo visto desde distintas perspectivas.

Programa de videoarte PArC 2013:

Gabriela Golder
Gabriela Golder es una de las más reconocidas creadora de video experimental de América Latina.  Sus obras recibieron diversos premios, entre otros el “Sigwart Blum” de la Asociación de Críticos de Arte de Argentina, el Media Art Award del Zentrum für Kunst und Medietechnologie, Alemania, el primer Premio en el Salón Nacional de Artes Visuales, el primer premio en Videobrasil, el gran premio en el Festival Videoformes, Francia y el Tokio Video Award, Japón. Es además curadora independiente, profesora en diversas universidades de la Argentina y el exterior y  co-directora de CONTINENTE, Centro de Investigación en Artes Audiovisuales, de la Universidad Nacional Tres de Febrero, en Argentina, así como Directora de la Bienal de Imagen en Movimiento (BIM).  Es la primera vez que viene presenta una selección antológica en el Perú.

Bestias (Video) 13min, 2004
Gestos de desesperación. Algunas imágenes vuelven insistentemente y quedan impregnadas en la memoria. Y como flujos del inconsciente, como chorros de color, en movimientos casi fisiológicos, se revelan.
Imágenes y sonidos registrados durante las manifestaciones de los días 19 y 20 de diciembre de 2001 en Buenos Aires.

Desamparo (Video+super8) 2min, 2012
Un instante, una imagen como un suspiro. El acto de mirar, ver y no. Una posible partida.

Loucos de Amor (Video) 14min, 2009
El video muestra una puesta en escena en la que dos niñas leen, en voz alta, fragmentos de una adaptación de la pieza de teatro de Sam Shepard “FOOL FOR LOVE”. Las dudas, la extrañeza ante la lectura del texto, los comentarios espontáneos en relación con el texto, algunas veces refuerzan, otras contrastan con la noción de amor desgarrado, casi imposible.

Vacas (Video) 4min, 2002
25 de marzo de 2002. Rosario. Argentina. Alrededor de 400 vecinos del barrio Las Flores carnean vacas vivas que minutos antes se habían desparramado sobre el asfalto al volcar el camión que las transportaba.

La lógica de la supervivencia (Video) 6min, 2008
Sólo tres escenas conforman este video. 1. El gesto de la masa: una multitud se abalanza sobre comida. Es tiempo de saqueos. 2. Un joven es brutalmente reprimido. La policía lo arrastra y el joven intenta escapar. 3. El poder invisible que se transfiere por un rato a las manos de algunos elegidos. Grotesca distribución de la riqueza: Algunos arrojan bolsas con comida desde camiones. Son otros pero son los mismos.
El epílogo es muy corto, la historia es circular.

Posible (Video) 13min, 2002
–       Vas a irte enseguida?
–       Te dije eso?
Un intento de desplazamiento posible. Una mujer que se va. Se reitera: continuar, sin detenerse. Ella recorre un nuevo territorio Nadie grita. La indicación es de orden interior. Un momento en donde todo se transforma, y después la cosas no cambian más.

En memoria de los pájaros (Video) 17min, 2000
Llorar aun sin quererlo. No llorar, aunque quisiéramos. No poder detenerse en la búsqueda frenética por la identidad. Algunas imágenes lejanas, una lucha sórdida, una perdida total del sentido. Año 1976, la dictadura militar se instaura en Argentina y con ella el terrorismo de estado. Yo tenía 5 años.
Intento recomponer minuciosamente algunas piezas del pasado. Es una cuestión de tiempo estoy sin identidad.

 

Miguel Alvear
Miguel Alvear es un artista visual ecuatoriano que trabaja imágenes en movimiento, es decir video y cine. Alvear estudió cine, televisión y radio en el Institute de Arts de Diffussion, en Bélgica, y posteriormente obtuvo un MBA en la San Francisco Art Institute. Actualmente vive y trabaja en Quito y Guayaquil la producción de películas, vídeos, proyectos de arte público en los nuevos medios, y más recientemente proyectos fotográficos. Alvear es también uno de los más importantes investigadores sobre cine y video en el Ecuador y publicó recientemente “Ecuador Bajo Tierra”, publicación que aborda la producción audiovisual de autodidactas y aficionados en Ecuador.

Blak Mama, 95 min, 2009
Blak Mama es una ambiciosa realización experimental ecuatoriana dirigida por Miguel Alvear, que por primera vez se presenta en el Perú.  La película de corte neo-surrealista narra la historia de tres recicladores de papeles que deciden ir a rendir tributo a Virgin Wolf, una misteriosa deidad andina, junto a varios personajes fantásticos. La cinta obtuvo el premio Augusto San Miguel de cine ecuatoriano y es considerado por la crítica como el “Cremaster” latinoamericano.

 

Abstractos y Animados

Los medios digitales han generado un conjunto de habilidades cognitivas requeridas para llevar a cabo acciones de alta sofisticación, llevando así a la proliferación de nuevas formaciones simbólicas y culturales de la imagen.  Pero la imagen electrónica no sólo significaba una necesidad de abstracción mental, sino también el desarrollo de nuevas habilidades cognitivas para navegar y manipular los códigos visuales. “Abstractos y Animados” presenta obras que implican entre la animación, la imagen sintética, el cuadro por cuadro y otros constructos que cobran vida desde la inmaterialidad.

City (José Luis Martinat, 6min, Perú 2008)
“City” ha sido realizada con material de conocidas series animadas. El material es apropiado y alterado mediante la eliminación digital de los personajes protagónicos, así como del audio. Al eliminar estos elementos, la narrativa desaparece y el protagonismo lo toma los -casi siempre desapercibidos- backgrounds. De esta manera, el nuevo estado de las series “animadas” –desprovistas de animación- trae consigo la posibilidad de nuevas lecturas y asociaciones.

0720 (Marcellvs L., 9min, Brasil 2012)
0720 captura la nieve que cae por la noche bajo la luz de una farola. 0720 también puede ser visto como una metáfora de la indiferencia, lo que representa una tentativa de luz que da forma a la oscuridad. A pesar del movimiento del viento y su aburrida presencia por el sonido – paradójicamente reproducido en volumen alto -, las imágenes producidas y capturadas son casi estáticas y hacen que toda la instalación esté fuera de tiempo, una pieza abstracta que no se puede situar en la realidad, lo que nos devuelve a nuestra propia percepción del tiempo. Al igual que con Rizoma de Deleuze y Guattari, VideoRhizome de Marcellvs no tiene “principio ni fin, stá siempre en el medio, entre las cosas, interser, intermezzo”, resistiendo la progresión y la cronología.

Fe (Juan Pablo Villegas, 2min, México 2012)
Fe -un video que toma su nombre de símbolo químico del fierro, sin excluir su obvia connotación religiosa- es una obra que busca hacer visible lo invisible por medio de la observación de el efecto que tiene el electromagnetismo sobre la limadura de hierro. Utiliza el conocimiento científico para atrapar lo impalpable: la energía misma. Es una búsqueda de darle vida a lo inerte, con los ecos metafísicos del tributo a un Dios creador.

SiSiSiSiSiSiSiSiSiSiSi (Juan Camilo González, 5min, Colombia 2011)
La repetición incesante de gestos corteses. Un micro-universo se crea en 4 series de 11 piezas de papel en ciclos animados dibujados a mano.

Refundación (Eliana Otta, 5min, Perú 2011)
Desde dentro del emblemático Cerro San Cristóbal, en la ciudad de Lima, dos tigres emergen y se dirigen hacia Palacio de Gobierno. Como jugando, lo destruyen y lo dejan hechos escombros, de los que crecen flores y surgen mujeres que cantando y bailando celebran el inicio de un tiempo nuevo.
Animación en stop motion hecha con frazadas recortadas y estructuras de alambre para permitir su articulación.

FL studio Stop Motion (frutilupo 2) (Francisco Munguía Villalta (DJ Pulp), 1min, Costa Rica 2011)
FL studio es un programa para hacer música, ¿pero que pasaría si lo uso con fines gráficos para hacer una Animación en stop motion?, aquí el resultado del experimento (música creada con el mismo programa). Incluye parodias animadas en piano roll de Mario Bros, Pac Man, Break Out y Space invaders.

La Actualidad En Monos (Daniel Chonillo, 3min, Ecuador 2010)
Hace aproximadamente 80 años, el artista Virgilio Jaime Salinas publicaba sus caricaturas políticas en la sección “La actualidad en monos”, de la revista ilustrada Semana Gráfica. Hoy, las mismas caricaturas son presentadas entre la cotidianidad de la sociedad ecuatoriana. Poco ha cambiado en el tiempo transcurrido.

This is you (Diego Arias, 49s, Costa Rica 2011)
Apertura para un programa de televisión sobre esta persona que en realidad es usted.

Las Parcas – Láquesis (Nereida Apaza, 1min, Perú 2009)
Las Parcas, es un conjunto de tres animaciones que fueron creadas para exponerse en la Galería Virtual Celda en el mes de diciembre del 2009.
Láquesis es la segunda parca, ella decide el largo del hilo de cada una de las vidas, ella decide el tiempo de nuestras existencias. Usando la técnica de stop motion, con pocos recursos técnicos y un guión inspirado en el mito griego, la artista nos presenta su versión del mismo.

 

Video Arte Peruano Contemporáneo

La aparición de video arte peruano tuvo una etapa de apogeo inicial a finales de los años 90.  Sin embargo, en los últimos años este se ha venido expandiendo, y muchos de los artistas que producen hoy video no provienen únicamente del campo del arte visuales, sino desde otras prácticas.  Esto confirma el carácter innovador y abierto del video, que permite que creadores multidisciplinarios  se introduzcan en una exploración flexible.  Esta selección presenta algunos de los trabajos más recientes.

Machinery – Video No 1 (Luis Soldevilla, 3min, 2011)
Este video explora – de manera abstracta – el movimiento generado por las máquinas que “transportan” a los ciudadanos, y cómo estas máquinas transportan al mismo tiempo la energía necesaria para mantener el flujo vital de la ciudad. Por medio de la combinación del movimiento intrínseco de estos mecanismos (escaleras, ascensores y trenes) con el de un movimiento externo (movimientos de cámara), estas ideas de movilidad, energía y transporte adquieren un nuevo significado, generando una especie de vértigo y la idea que no tenemos norte o dirección.

Pulsar PG-520 (David Zink Yi, 12min, 2012)
Utilizando un estabilizador de cámara y en una sola toma, el artista camina entre los árboles rodeando algunos de ellos. El video se encuentra desenfocado, como si se tratase de una caminata entre sueños. Cada vez que la imagen encuentra el foco en la textura de un arbol, se escuchan fragmentos del segundo capítulo del cuento El Inmortal de Jorge Luis Borges. Hay un efecto extraño que se genera de la combinación de estos trabajos. Por un lado la referencia a un espacio urbano pero que desafía toda lógica propia de lo moderno y un espacio natural que se demuestra artificioso, equidistante, construido en perfecta simetría. Además del cuento mismo, que nos narra una ciudad de factura antiquísima que contradecía toda lógica evidente: una ciudad interminable, atroz y atemporal a la que se llega después de cruzar un un laberinto de túneles oscuros, el lugar de lo “complejamente insensato”.

The Act (Diego Lama, 3min, 2011)
La obra filmada en el congreso del Perú es conceptualizada como un cuestionamiento a la política económica del gobierno, y su compleja relación con el narcotráfico. En una coyuntura en la que el Perú ha dejado de ser un país del tercer mundo para regresar a ser el mayor productor mundial de cocaína, esta es utilizada para ironizar acerca de la hipocresía del chauvinismo en el Perú.

Intersticio (Elena Damiani, 5 min, 2012)
Intersticio traza la topografía de un lugar no específico – una zona intermedia entre dos puntos, pero particularmente un lugar mental de limites fracturados y de mayor amplitud a la de cualquier locación física. El video presenta, de lo general a lo especifico, una visión panorámica de un terreno de carácter cambiante y sin resolver formado por eventos segmentados que aparecen como vagas intermitencias dentro del paisaje.

La barra [cerca / lejos] (Luz María Bedoya, 8min, 2011)
La barra intenta señalar el eje inclinado que separaría las palabras “cerca” / “lejos”. Esa barra que, como frontera, es una tierra de nadie, bisagra en la que se producen las fluctuaciones en los apegos, las contradicciones, la elasticidad de las historias. Como un espacio que admite opacidades; siendo un corte, es al mismo tiempo contenedor de ambivalencias, desde donde se pueden proyectar condiciones distintas, incluso opuestas. En el video hay un cuerpo que se desplaza en un paisaje desértico, una imagen que desaparece como el espejismo al entrar o salir del encuadre. La ausencia, la presencia, lo imprevisto, la falta de ubicuidad y un desierto común.

and/or (Gabriel Acevedo, 8min, 2012)
La idea del video fue hacer un espacio híbrido entre museo de historia natural y aeropuerto. La pieza está inscrita en una serie de trabajos que vengo haciendo hace un par de años, que se enfoca en comparar el objeto de arte con instancias en las que se materializa la relación entre individuo e institución. En el caso de and/or, tiene sentido para mí visualizar la “aeropuertización” del mundo como una seductora amenaza. –G.A.V.

El Péndulo (Maya Watanabe, 15min, Perú 2012)
Tres cámaras orbitan alrededor de tres actores mientras éstos proclaman fragmentos de cada libro sagrado en su idioma original –o más representativo-: hebreo, latín y árabe. El guión se enfoca en las similitudes formales de los textos, encontrando puntos de convergencia, palabras o nombres, que emanan de la polifonía para sonar al unísono. El texto enunciado es intercalado con manifestaciones rítmicas tradicionales de cada culto religioso: cánticos de la Torá, cantos gregorianos y tilawats del Corán. Así, la progresión musical se dirige a desmantelar el sentido del texto hasta llegar a un “agotamiento” fonético de las palabras y, aunque manteniendo una lógica discursiva, los sonidos quedan reducidos a un espacio entre lo léxico y lo musical.

Play dead (Katherinne Fiedler, 1min, Perú 2012)
En una piscina flota  una niña de manera inerte. Dejándose llevar por el movimiento del agua, sustrayéndose de todo el entorno. La niña flota y se zambulle en el agua, primeros planos la siguen, hasta que al final aparece flotando boca abajo remitiéndonos a una muerte física. Play dead o jugar a estar muerta, es un acercamiento a la muerte y a nuestra naturaleza, a través de un acto simple pero contundente como es el juego de cerrar los ojos y sólo flotar abstrayendonos, acercándonos a nuestra naturaleza efímera de una manera  dócil , y entregada, con una innegable atracción y miedo a ella siendo conscientes de nuestra propia fragilidad. Conceptos como vida/muerte/naturaleza y mortalidad aparecen y se mezclan entre ellos. 

 

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Gabriela Golder en Casa Mariátegui

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Conversation Piece, obra de la reconocida videasta internacional Gabriela Golder se exhibe en Lima, este martes 23 de abril en la Casa Museo José Carlos Mariátegui.  La artista describe así la obra: “Dos niñas leen el Manifiesto Comunista junto a su abuela. Preguntan. Hay muchos conceptos que no entienden. Leyendo y preguntando, las niñas buscan comprender. Trazan recorridos, posibilidades. Cada palabra y su significado.”

Aprender a leer es una etapa muy significativa, y es en esa etapa donde nuestra capacidad para descubrir cosas nuevas se encuentra en su mayor auge, cada frase es un mundo entero de sorpresas y de nuevas ideas. Y es esto a lo que Gabriela Golder nos enfrenta con su obra Conversation Piece, compuesta a modo de un retrato grupal, donde las voces de la abuela y de las niñas nos guían hacia el momento en el que comenzamos a entender el entender.

 
Conversation Piece se proyectará del 23 de abril al 18 de mayo, en la sala de exposiciones de la Casa Museo José Carlos Mariátegui, de lunes a viernes de 8:30am a 1pm y de 2pm a 5:30pm. La inauguración se llevará a cabo en presencia de la artista, el día martes 23 de abril a las 6:30pm. Conversation Piece se presenta como parte de las actividades paralelas de la Feria PArC Perú Arte Contemporáneo 2013.

Gabriela Golder es una de las más reconocidas creadoras de video experimental de América Latina. Sus obras recibieron diversos premios, entre otros el “Sigwart Blum” de la Asociación de Críticos de Arte de Argentina, el Media Art Award del Zentrum für Kunst und Medietechnologie, Alemania, el primer Premio en el Salón Nacional de Artes Visuales, el primer premio en Videobrasil, el gran premio en el Festival Videoformes, Francia y el Tokio Video Award, Japón. Es además curadora independiente, profesora en diversas universidades de la Argentina y el exterior y co-directora de CONTINENTE, Centro de Investigación en Artes Audiovisuales, de la Universidad Nacional Tres de Febrero, en Argentina, así como Directora de la Bienal de Imagen en Movimiento (BIM). Es la primera vez que presenta una selección antológica en el Perú.

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Nota de prensa aquí

Este proyecto fue posible gracias al apoyo de   FfAI-logo-web

Pantallas del Video Arte Peruano

TRES PANTALLAS – CFT
A la memoria de Miguel Zegarra

Resumen
Esta selección resume tres etapas claramente distintivas de la historia del video arte y el video experimental en el Perú.  La primer comprende sus inicios, los primeros festivales de video de los años 70 y su esporádico uso artístico en los años 80.  La segunda etapa se inicia en la década del 90 y llega a su difusión mayor con el Festival Internacional de Video Arte que promovió la aparición de un nuevo grupo de artistas audiovisuales.  La tercera etapa se inicia en la primera década del siglo XXI, está concentrada en la consolidación del video como parte de las exhibiciones de arte contemporáneo y la reconfiguración del consumo medial generado por el Internet.

Los Primeros Años
En el Perú, la televisión llegó alrededor de 1959 y el video tape en 1963, las primeras experimentaciones locales con video y soportes electróicos corresponden a la década posterior.  Pero ya en 1967, Rafael Hastings se encontraba en Francia y se interesa por experimentar en video; le siguieron Mario Acha en video documental y Teresa Burga con proyectos de instalaciones también iniciaron su exploración en el medio. Los primeros eventos dedicados a video arte aparecen a fines de la década del 70.  En 1976 el Museo de Arte Italiano en Lima (Galería del Instituto Nacional de Cultura) presenta “Video Art USA”, curada por Suzanne Delehanty y Jack Boulton donde participan 32 artistas internacionales.  En 1977 Alfonso Castrillón, y Jorge Glusberg organizan el VIII Festival Internacional de Video Arte en la Sala de Exposiciones del Banco Continental, donde participan: Nam June Paik, Valie Export, Wolf Vostell, Hervé Fischer, Martha Rosler, Marta Minujín, Vítor Grippo y Rafael Hastings.  En la década de los 80’s se detuvo casi por completo su uso, aunque predominó el trabajo en video como registro de acciones y algunas producciones alternativas como las de Juan Javier Salazar y algunos colectivos locales.

La explosión del Video
Una promisoria segunda etapa se inició a mediados de los años 90 gracias a una serie de eventos aislados pero que con cierta persistencia dan lugar a una nueva generación de artistas locales comprometidos con el medio electrónico. A inicios de los años 90 Arias & Aragón empiezan a explorar el medio. Eduardo Villanes, en 1995, presenta “Gloria Evaporada” en la Galería de Arte de la Facultad de Letras y Ciencias Humanas de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos.  El 2do Festival Internacional de Video Arte es organizado por ATA y la Galería de Artes Visuales de la Universidad Ricardo Palma.  Así es como aparece un nuevo grupo de artistas peruanos como: Roger Atasi, Rafael Besaccia, Iván Esquivel, Angie Bonino, Diego Lama y Álvaro Zavala, artistas jóvenes y que fueron incorporándose en el campo de arte.  Este grupo fue también activo internacionalmente, mediante participaciones en festivales y exhibiciones, principalmente en Europa. 

Primera década del siglo XXI: consolidación global
A mediados del siglo XXI, como parte de un proceso global, el video peruano se desplazó de un circuito alternativo a configurarse como parte de las exhibiciones de arte contemporáneo.  Es notable el número de trabajos en video en exhibiciones y bienales internacionales.  Carlos Runcie-Tanaka, presenta video instalaciones en la 8a. Bienal de Cuenca donde logra Mención Honrosa y en la 26a. Bienal de Sao Paulo.  La obra “Muro” de Luz María Bedoya, conformado de un libro de fotografías y un video es el envío peruano a la 51a. Bienal de Venecia bajo la curaduría de Jorge Villacorta.  “Vía Satélite”, muestra curada por Miguel Zegarra y José-Carlos Mariátegui itineró por 5 países de América Latina presentando de 14 artistas de video. A fines de la primera década del siglo XXI algunos artistas peruanos radicados en el extranjero han producido obras de nivel internacional como David Zink Yi en video, instalación y sonido; Gabriel Acevedo en video y animación; y, Antonio Gonzáles Paucar en performance y video.  Estos artistas participan del competitivo mercado internacional, donde la nacionalidad no existe más.  Hoy se hace difícil hablar de artistas en video; el Internet ha reconfigurado nuestro consumo del medio.  Es así que “Atipanakuy” de Álvaro Zavala se vuelve la obra de video arte peruano más vista en el mundo, gracias a YouTube, con más de 51,500 vistas; aunque aun dista del video “Nuevo atardecer” de la Tigresa del Oriente con cerca de 2 millones de vistas. 

Touring Programme_2006

PG 01, “VIDEOBRASIL TOURING PROGRAMME_2006”, selección de videoarte (exhibida por primera vez) hecha por Solange Farkas, Directora y Curadora de la Asociación Cultural Videobrasil, y una de las agentes más activas en la producción de arte electrónico del hemisferio sur.

El segundo Programa de PG 01 reúne obras de los destacados latinoamericanos Andrés Denegri (Argentina) y Marcellvs (Brasil), así como videos de autores provenientes de China, Africa, Francia, Costa Rica, EEUU, Líbano y México.

Perú Remix. Sztuka wideo z Peru – Polonia

Presentación del estreno de un programa de trabajos poco conocidos en el campo del videoarte creado por artistas de América del Sur, sobre todo Perú. La presentación y comentario estarán a cargo del antropólogo cultural Marek Wolodzko.

Programa elaborado por Alta Tecnología Andina.

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V I D E O G R A F I A S I N ( V I S I B L E S )

Una selección de video arte reciente de América Latina (2000 – 2005)

VIDEOGRAFÍAS INVISIBLES es una iniciativa conjunta de la ONG Alta Tecnología Andina, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Centro Atlántico de Arte Moderno y la Agencia Española de Cooperación Internacional. Pretende contribuir a la visibilidad de un conjunto significativo de obras producidas por artistas de América Latina en los últimos cinco años.

Las incontables dificultades que encuentran los creadores para dar a conocer su trabajo se multiplican en lugares que atraviesan una situación de aislamiento endémica, condicionada por la inexistencia de apoyos institucionales, cauces de difusión y un mercado artístico capaces de dinamizar el intercambio en un territorio tan extenso como América Latina. Pese a ello, el videoarte de la región vive un momento de extraordinaria vitalidad, que se hace patente tanto en la consolidación de una red de festivales y foros dedicados al medio, como en el volumen de obras que franquean el umbral de lo invisible en los circuitos locales y cuya presencia en el medio internacional ya no es del todo invisible.

Los 41 trabajos de más de 40 artistas reunidos en la selección permiten entrever la heterogénea complejidad y las contradicciones del tejido contextual donde lo artístico y sus prácticas se despliegan, además de intuir mecanismos periféricos de asimilación de lo foráneo y modos de resistencia que en diversas formas de hibridación sirven para resignificar códigos y referencias propias y ajenas. La versatilidad del video desvela gestos y comportamientos de la vida cotidiana y se convierte en herramienta para tomar el pulso colectivo a las grandes urbes y a las fricciones de la realidad social.

El programa invita a lecturas cruzadas que entrelazan las propuestas de los cinco bloques temáticos en los que se articula la selección. Un grupo de trabajos incorpora los patrones del videoclip musical y de la publicidad, que los artistas reinterpretan desde la mirada local a la cultura popular. La memoria herida, atormentada pero también reparadora, filtra los fantasmas del pasado en un cúmulo de narrativas del presente. El cine es un referente para explorar el potencial experimental de la narratividad, un lenguaje fértil en imágenes de gran intensidad y asociaciones libres, que aborda el simulacro y la representación de la realidad mediante el relato y el falso docudrama. No faltan alusiones críticas al hábitat mediático y al poder de ese espacio capaz de saturar y dislocar cualquier campo visual con señales y estímulos de reproducción masiva. Los artistas utilizan la cualidad especular del medio para activar parodias con las que cuestionar estereotipos, atisbar identidades y redefinir irónicamente imaginarios regionales.

Las búsquedas arriesgadas, el uso doméstico de tecnología que incorpora con frescura los últimos avances, la conciencia del presente, la experiencia sincrética, la exigencia del lugar, los desplazamientos, el  desencanto, el ingenio, y tantas otras condiciones y pericias compartidas son empleadas por los artistas para traducir en gestos y metanarrativas sus planteamientos plásticos. En su conjunto, el programa constituye una necesaria puesta al día que ofrece un singular repertorio visual para acercarnos a las peculiaridades de la producción actual de América Latina y a la vida misma.

El trabajo involucró un visionado de más de 200 trabajos para llegar a esta selección así como 2 años de investigación.

Sitio oficial

2do. Concurso peruano de video y artes electrónicas

En el marco del 8vo Festival Video/Arte/Electrónica, organizado por Realidad Visual, se realizó la Segunda Edición del Concurso de video y artes electrónicas.

 

Videos:

Attack (parte I) 4’ 25’’ (2004)
Javier Hernán Vargas Sotomayor
Busca debatir acerca de los mecanismos de exclusión que sufren las formas de vida no-hegemónicas en los espacios públicos.

Under 1’ (2004)
Francisco Sánchez Monzón
La necesidad de alejarse de todo y de estar bien con uno mismo. Under plantea la pausa el respiro, el alejamiento.

T.V. 9’ (2004)
Juan Diego Vergara Ormeño
Narra las actividades diarias de un ser de anatomía especial que nos transmite el mensaje de cómo el hombre se ha compenetrado tanto con la T.V. que se ha transformado en ella.

S/t 4’ 21’’ (2004) (Mención Honrosa)
BrunoVillavisencio Vallejos
Presenta el cuerpo y la sexualidad como elementos liberadores mientras la cámara recorre la textura de la pared hasta llegar al techo.

Reciclado 21’ (2004)
César Gabriel Castillo Agüero
Aborda un mundo marginal, el contraste de lo y excluido y lo socialmente normalizado se pierde en una sociedad caótica.

Laciar 6’42’’ (2004)
Carla Lourdes Tapia Delgado
Imágenes biológicas y artificiales se descomponen en formas ondulantes y geométricas, que configuran un lenguaje visual cercano a lo maquinal, separado de lo humano.

Girl 1’37’’ (2004) (Premio Producción)
Elena Damiani Rodríguez
Basado en los films de Tarkowski para quien la búsqueda de la fe y la necesidad humana de creer en algo es el eje principal de sus trabajos.

Perú Park 2’ 21’’ (2004)
Luz Karina Lazo Lazo
Basado en la estética del programa de T.V South Park realiza una sátira de los hechos protagonizados por Alfredo Gonzales congresista del Perú.

Revelaciones 38’’ (2004)
Favrizzio Suito Rizo Patrón
Un sueño que ocurre después de leer El Apocalipsis, refleja el mundo tétrico, psicodélico y el estado de soledad de los hombres al que se refiere este libro de la Biblia.

Hartowawa 4’8’’ (2004)
Marko Franco Domenak Moreno
Un registro íntimo y personal sobre la experiencia del autor con imágenes en movimiento.

Nocturno 3’40’’ (2004)
José Ignacio Lora Iturburu
Tomas de la ciudad hechas de noche, desde un automóvil.

Sin rastro de nosotros 10’ (2004)
Néstor Omar Córdova Marthans
Comenzamos en un todo (nosotros) que luego se separa en dos personajes, atrapados entre líneas, que van aumentando hasta convertirse en un todo y desaparecer.

Der Zyklus (2004)
Roberto Torres Sovero
La idea de lo abstracto del ciclo es explotada desde un punto de vista matemático en el que funciones cíclicas y procedimientos recursivos manejan los elementos de la animación.

Mi_ruta… 2’ (2004)
Miguel Angel Alfaro Villanueva
Los lugares por donde transitamos diariamente se transforman en una serie de historias extensas o breves que reflejan nuestra surrealidad.

Conectividad o el sueño de la conexión consciente 1’ 45’’ (2004)
Carlo Corvacho
Un escape a través de la conexión conciente con la computadora, herramienta de expresion que nos traslada a un estado mental de desarrollo y exploracion de las capacidades y conceptos personales.

Video escultura 2’ 38’’ (2004)
Jorge Luis Chamorro
Critica los mensajes emitidos por la televisión y la radio, a través de una mujer que nos dice que nunca debemos creerle a los medios.

500 mililitros de perfume 5’ 17’’ (2001)
Tatiana Ganoza Iparraguirre
Un video-poema que representa un trecho del viaje por la adolescencia.

Bienvenidos al sexto grado 5’30’’ (2004)
Efraín Agüero Solorzano
Dos salones con alumnos que cursan el 6to grado en dos colegios distintos, uno en Lima y otro en la provincia de Huancavelica, permiten contrastar distintas realidades sociales plano por plano.

Cessatore II 1’ (2004)
Giancarlo Scaglia
Mirada trash que genera nuevas lecturas sobre la funcionalidad de un artefacto doméstico, bajo el disfraz de un icono mediático local que recomienda el producto bajo el cliché de un jingle.

Azul parejo 7″ (2004)
Colectivo Angel Demonio
Intervención urbana que combina el espacio publico, la plástica, y la ejecución del actor y la estructura que el lugar intervenido propone, para expresar una metáfora sobre la formación de las identidades.

Proyectos

So(und)venirs libre (2004)
Christian Galarreta Pando
Texturas sonoras y riffs populares a manera de ringtones.
Click here to download / Haz click aqui para descargar
+ información
Por el precio de tu amor en proyecto
Giuliana Migliori Figueroa
Abstracción de los mecanismos de manipulación romántica utilizados en las novelas, reality shows, noticieros etc.

Duración: 2 horas con 20

 

 

 

ROGER ATASI / FRANCISCO MARIOTTI dos generaciones / una historia breve

ROGER ATASI / FRANCISCO MARIOTTI
dos generaciones / una historia breve

Centro Cultural de la Universidad de San Marcos (Casona), Lima
Inauguración: Viernes 7 de Mayo

La historia apela a contextos, épocas y relaciones. Es en este sentido que
resulta interesante jugar con relaciones en el tiempo para vincular dos
contextos históricos de la breve historia de las artes mediales en el Perú.
Acudo a los trabajos de Francisco Mariotti y de Roger Atasi para revelar
estas dos capas históricas.

La primera historia del arte electrónico en el Perú podría reducirse a la
sola obra de Francisco Mariotti [1], un artista que ha venido trabajando en
nuestro país y en Europa desde los años sesenta.  Sin embargo, su trabajo
siempre estuvo influido por el contexto local peruano. Su acercamiento
metafórico a la naturaleza, utilizando elementos tecnológicos, define su
trabajo de una manera mediática y simbólica.  La práctica de lo que ahora
llamamos media art y “arte interactivo” en las primeras producciones de
Mariotti se asienta sobre un uso correcto de la tecnología ligado a un
conocimiento claro de las propuestas científicas y de conceptos tales como
la vida artificial, muy asociada hoy en día a las manifestaciones artísticas
de vanguardia.

La segunda historia comienza quizás alrededor de 1997. Desde entonces uno de
los artistas más “viejos” y constantes ha sido Roger Atasi. Sus primeros
trabajos eran absolutamente paradigmáticos de una nueva generación de
jóvenes artistas que deseaban utilizar formas creativas y alternativas para
comunicar sus ideas. Atasi fue uno de los primeros en utilizar la
tecnología, y particularmente el video, sin miedo: él no se preocupaba por
buscar una imagen perfecta o si el monitor que utilizaba era viejo, siempre
que sus ideas y los espacios que construyese se relacionaran bien.  Su
manera particular de observar el panorama urbano en su relación con el
ambiente humano se traduce en videos donde existe una tentativa de compartir
la experiencia solitaria en situaciones cotidianas ligadas a basurales
ubicuos, viejas casas, el “gaste” y desgaste de edificios y el caos urbano.

Tomar elementos primarios de las cosas que las personas piensan que son
inútiles, para luego hacerlas útiles en un nuevo contexto (mediático) es un
método común entre los trabajos de Mariotti y de Atasi: ambos han utilizado
elementos reciclados.   Atasi trabajó con viejos televisores y
electrodomésticos para crear video instalaciones que juegan como paisajes
mediáticos locales, mientras que las botellas plásticas de Mariotti sirven
para crear luminosos jardines artificiales.

¿Será una coincidencia o no que Francisco Mariotti y Roger Atasi vivan ahora
en la diáspora?  Paradójicamente, si bien viven y trabajan en Europa,
representan en síntesis la historia corta pero intensa de las artes mediales
en el Perú.  Su participación en diversas muestras internacionales desde que
eran muy jóvenes es también un ejemplo de lo que sucede hoy en el Perú en
referencia al arte electrónico: se ha difundido mundialmente.

Creemos fuertemente que los tempranos años setenta, así como los últimos
años noventa, son momentos representativos para el desarrollo de las artes
visuales en el Perú.  La obra de Mariotti y Atasi representa este período de
una manera mediática e innovadora.

[1] Aunque hubo otras intervenciones esporádicas es importante mencionar el
trabajo en video de Rafael Hastings durante gran parte de los años setenta.

**Apostilla a la historia del video arte peruano: Como dato curioso de la
historia mundial del video arte, la VideoPoemOpera Planetopolis de Gianni
Toti incluye la toma de una pequeña figurilla de Marx producida por
Francisco Mariotti y el periodista Gerardo Zanetti titulada Carlos Marx
canta y baila para usted la Internacional (1984).  De una manera profética,
podemos pensar en la figurilla mediatizada de Marx en Planetopolis como el
primer rastro peruano en el trabajo de Toti que desembocará después en el
latinoamericanísimo Proyecto Túpac Amauta (original asociación verbal entre
el nombre de Túpac Amaru y el epónimo quechua de José Carlos Mariátegui).

FRANCISCO MARIOTTI
“Lo único que te puedo ofrecer es sangre”

Esta frase la filmé en video en el año 1996 en el Km. 53 de la Panamericana
Sur, detrás del cerro donde se encuentra la ‘Sarita Colonia’ que hicimos con
Huayco (1980). El texto, junto a la imagen de un soldado con metralleta
estaba dibujada en los cerros adyacentes en un campo de entrenamiento
militar.  El sampling de estas imágenes con las de video juegos del tipo
‘EGO-Shooter’ (Unreal Tournament, Unreal II, Battlefield) son proyectadas en
un contexto que busca la inmersión del espectador en un paisaje artificial.

ROGER ATASI
“Prohibido de hacer”

Apropiación de la imagen, construcción de una nueva a partir de un archivo o
en otro caso creación de un falso archivo. Selecciono la escena del film
“Brooklyn Boogie”, al  estar prohibido el modificar el film, me rijo en un
tiempo estimado de 48 segundos para no exceder lo aceptado por las leyes
francesas con respecto al derecho de autor. Contra el Copyright, existe
también su contraparte, el Copyleft.  El otro es una construcción de un
falso reportaje de TV, en el que pongo a las dos más importantes
presentadoras de TV en un solo reportaje trabajando juntas.”

Curaduría: José-Carlos Mariátegui, Alta Tecnología Andina (ATA)

Esta muestra estará abierta del 7 al 22 de mayo, 2004
Presentada inicialmente en VIDEOFORMES – 18th INTERNATIONAL VIDEO and
MULTIMEDIA ARTS FESTIVAL, Clermont-Ferrand, Francia, 18 a 22 de marzo, 2003.

VideoZone2 – TelAviv

The other and the same – Young media Art from Latin America

Un aspecto central de las ciudades densamente pobladas de la actualidad de América Latina es el deseo de un estilo de vida occidental, llevando su imitación con la esperanza de pasar de la condición de “otros” a la de la “iguales” en un equilibrio inestable de sometimiento total. Durante la última década, una nueva generación de artistas de medios ha surgido en América Latina con nuevas propuestas en relación con el medio tecnológico. El uso de una marca global y los elementos de comunicación hace que sea imposible clasificar sus obras como “latinoamericanas”, ya que son omnipresentes en el mundo del arte actual. De este modo asistimos a la transformación de la cultura en un espectáculo global, donde el video es parte de una tendencia homogenizadora, de “hacer que uno se sienta igual”.

Afortunadamente, existen distancias culturales, así como la interacción regional en América Latina es bastante complejo. Desde una perspectiva globalista, esas distancias plantean un problema a la normalización y ofrecen una herramienta analítica para evaluar las situaciones reales que varían entre las ciudades, pueblos y hogares, y prevalecen incluso en la “diáspora”.

Estas diferencias, por las cuales se transmiten identidades, se reflejan en el uso ambivalente actual del arte de medios, desde la producción y la participación en una “cultura popular global” para la construcción de las actitudes locales. En consecuencia, hay ciertas diferencias dentro de la creación de nuevos medios de comunicación en América Latina, como se indica por algunas tendencias recientes en las obras.

Algunos de los artistas más “mainstream” y orientados a los medios de comunicación, ya sea con producciones complejas, o con un mínimo de recursos y sus medios de comunicación de referencia primarios son el cine y la televisión. El arte se ha apropiado del lenguaje postmoderno de la situación del cine, y su universo retrata las ideas que van desde sarcásticos comerciales para películas experimentales (imaginario cinematográfico), o adopta métodos caricaturezcos para representar la ficticia vida real.

Las “unidades” de información de la televisión se están acortando más allá del reconocimiento; su parcialidad es a menudo confusa y desconcertante. El documental, y en especial el documental de los medios de comunicación, interviene críticamente en la dinámica de la televisión, ya que trata de volver a configurar visualmente la historia reciente con el fin de cambiar nuestras actitudes y conciencia mediante la presentación de los temas sociales no como problemas, sino como retos.
Situaciones de dominación y subordinación son posiciones que cambian constantemente. Por esta razón, algunos de los artistas seleccionados son muy jóvenes y, probablemente, completamente desconocidos para el público internacional, mientras que otros habrían mostrado sus obras en festivales a nivel internacional y son parte de la corriente “mainstream”. Sin embargo, en ambos casos se pueden utilizar prácticas de trabajo similares, que emanan de las “mismas” influencias.

Por último, una nota sobre la participación de las mujeres en esta selección: aunque las mujeres han estado siempre presentes en el videoarte, la historia tiende a recordar sólo los nombres de los artistas varones, felizmente esta ecuación está cambiando.

 

Program 1 (total: 50 min)

 

“Documento 1/29”, Ernesto Salmerón (Nicaragua), 2003, 4 min.

 

Documento1/29 is the first part of a series of 29 video documents that the artist plans to rework.  The thematic is related to the memory and the deconstruction of history as well as the formation, consolidation and disappearance of the revolutionary movement in Nicaragua.  The work deals esthetically with distortion and how the media can manipulate history.

 

Ernesto Salmerón (Managua, 1977).  Studied at the School of Social Communication, Facultad de Artes Integradas, Universidad del Valle (Cali, Colombia). He won the Second Central American Video Creation Award “Inquieta Imagen” (2003). Lives and works in Nicaragua.

 

 

“Cremor Tártaro”, Casandra Tola (Perú), 2004, 4 min.

 

A bizarre and odd animation where different creepy characters (and some extracted from our common consciousness) arrive to a non-place, a space of craziness but also of reality.  A world of rareness communications and complex stimulations occurs during this short 3D animation.

 

Casandra Tola (Lima, 1982).  Studied photography at the Centro de la Fotografía in Lima and then graduated from graphic design and animation at Toulouse-Lautrec Institute in Lima (2001).  Has also participated on workshops of media art, painting and literature. Currently is studying at the MECAD in Barcelona.

 

“Nos vale verja”, Regina Aguilar and Artistas de la gente (Honduras), 2002, 7 min.

 

Nos Vale Verja is a mix of sculpture, installation, video and performances in which symbols of resistance interplay with some cultural and popular icons.  The work was censored from the National Art Anthology of 2002, in reaction it was projected on the walls of the National Congress of Honduras and was also exhibited during a manifestation at the Central of Syndicates of Honduras.

 

Los artistas de la gente.  A collective of five artists of different generations and disciplines led by Regina Aguilar (sculptor) and integrated by Alejandro Duron (graphic designer and video editor), Eduardo Bahr (writer, scriptwriter and actor), Roger Rovelo (actor and theater director), Roberto Buddhe (journalist).  The collective responded artistically to the repressive government by developing situations intended for massive popular participation.

 

“No-latin party” de Diego Lama (Perú), 2003, 2 min 17 s

 

By using two elements in conjunction that come from different origins the work proposes a critical look towards the hegemony granted to the countries of the ‘center’ in contrast to the ones of the ‘periphery’ at international art events of great influence.  In order to make a criticism of the present situation, determined by economic power more than artistic criteria, the video intervenes an emblematic sequence from Francis Ford Coppola’s The Godfather series.

 

Diego Lama (Lima, 1980). Visual artist. Attended Corriente Alterna College for Fine Arts where he received his BA in 2003. He participated in several video exhibitions and biennials since 1998 in United States, Canada, Spain, Switzerland, Netherlands and several Latin-American countries. In 2004 he received a recognition medal, from the Ricardo Palma University for his artistic achievement, won the first Cinema and Video Biennale (Lima) in the experimental film category and received a “Visiting Arts” fellowship from Site Gallery (UK) and a “Fundación Carolina” (Spain) grant.  Lives and works in Lima

 

“Power Animation”, Iván Esquivel (Peru), 2003, 3 min.

 

Power Animation is a clever and simple approach towards the state of art from a media artist point of view.  In this case, using words written in English (today’s international post-modern language by definition), the video describes a recipe of how to become a media artist reflecting on how art has become prefabricated in a way in which there is no more originality, just recycling for the quick consumers that demand just the ‘hit’ or ‘cool’ stuff.

 

Ivan Esquivel (Lima, 1971). Has participated, since 1991, in many collective visual arts exhibitions. Having studied in the School of Plastic Arts in the Universidad Católica del Peru, he went on to study professional photography and graphic design.  His work ranges from objects and installations to photography, video and graphic arts.  His videos has been shown in festivals in China, Brazil, Greece, Italy, France among other countries and has recently been presented (specially commissioned by the festival) as part of the main exhibition at the 20th World Wide Video Festival in Amsterdam, Holland. Lives and works in Lima.

 

 

“Room for traffic and Mistake”, Manu Sobral (Brazil), 2002, 3 min.

 

Room for Traffic and Mistake mixes archive and shot images, edited in a way to make the perception of real time disappear.  It’s a composition on the mood that intends to liberate the body from its linear temporality.

 

Manu Sobral (France, 1980).  Brazilian video and filmmaker.  Graduated in Cinema from the Paris 8 University. Received a scholarship for the ATELIERS VARAN School for documentary projects, and studied in the USC School of cinema and television, Los Angeles. Worked for the Pop Brazilian Artist Rubens Gerchman, making videos and video-installations. Lives and works in Rio de Janeiro.

 

“Un tiempo”, Milena Pafundi (Argentina),  2003, 26 min.

 

This one shot video tells the relationship between a character and the camera. This relationship grows all the way through, playing among written dialogues and glances; all enriched with the landscapes portrait and the picture compositions. By the time it ends, the character has managed to build an intimate connection with the camera (and thus, the spectator) in which even an explicit physical approach is possible.

 

Milena Pafundi (Buenos Aires, 1983).  Nowadays is finishing the third year of the film direction career at the Universidad del Cine in Buenos Aires. As part of her professional education she has taken diverse seminars with important theoreticians in the video art area. As a personal interest, she is doing video projections live-edited in all kinds of events. Currently she is working on her first short film in 35mm.

 

Program 2 (total: 52 min)

 

Video Art: The Iberoamerican Legend”, Martin Sastre (Uruguay), 2002, 13 min.

 

In Video Art: The Iberoamerican Legend, Martin Sastre begins by presenting himself as a frozen narrator from the end of time, that tells true lies of the supposed success of Latin American video art in the mainstream scene.  Sastre blames the death of video art on Matthew Barney, and claims a profitable afterlife for himself restructuring the narratives of a decadent media-era that doesn’t know what to worship anymore.

 

Martin Sastre (Montevideo, 1976).  Visual artist.  Runs his own Foundation for Latin-American young artists. Winner of the First Arco Prize for best artist under 40 years old at Madrid’s International Art Fair, ARCO 2004. His recent group shows include: XXVI International Biennial of Sao Paulo, Brazil, “Playlist” Palais de Tokyo, Paris, France, Video X Momenta Art, New York, USA,  IIX International Biennial of La  Havana, Cuba and “You Only Live Twice” Man in the Holocene and Wrong Gallery, London, United Kingdom. Some solo shows include: “Martin Sastre: American As Well” Site Gallery Shieffield, United Kingdom and “Martin Sastre: Greatest Hits” Duolum Museum of Modern Art of Shanghai, China. Lives and works in Madrid.

 

“La Muerte de Eros” (The Death of Eros), Diego Lama (Perú), 2003, 22 min.

“The Death of Eros” has been developed as an eight-chapter narrative short film which its significance is based on Greek tragedy works like Sophocles´ “Oedipus Rex” and Euripides´ “Elektra”, however its content, is based on a psychoanalytic process, and narrates the maturation and deterioration of the human mind when schizophrenia takes place, reminding us of our own human condition.

 

Diego Lama (Lima, 1980). Visual artist. Attended Corriente Alterna College for Fine Arts where he received his BA in 2003. He participated in several video exhibitions and biennials since 1998 in United States, Canada, Spain, Switzerland, Netherlands and several Latin-American countries. In 2004 he received a recognition medal, from the Ricardo Palma University for his artistic achievement, won the first Cinema and Video Biennale (Lima) in the experimental film category and received a “Visiting Arts” fellowship from Site Gallery (UK) and a “Fundación Carolina” (Spain) grant.  Lives and works in Lima

 

“Vacas” Gabriela Golder (Argentina), 2002, 5 min.

Vacas intervenes visually a moment in the life of the city of Rosario (Argentina) where 400 people slaughtered cows when a truck transporting them fell down. Since it was a spontaneous situation, a regional broadcasting channel was the only one that captured few minutes of this situation.  The video deals with an extreme local situation that becomes globally broadcasted and how we could find new ways of representations out of media reality.

 

Gabriela Golder (Buenos Aires, 1971).  Studied Cinema and Hypermedia at the Universidad del Cine in Buenos Aires, at the Universidad de Santiago de Compostela and at the Université Paris 8. Her works won several prizes in international Festivals: Tokyo Video Festival Award 2002, Special Mention Locarno Video Art Festival 2001, First Prize Biennale Bridgestone 2000 and at the International Media Award (video) Zentrum fur Kunst und Medientechnologie, Germany, 2003.  She has also been resident at several centers, more recently Fellow at the Academy of Media Arts, Köln (Germany, 2002 – 2003).

 

“Bedrock City” Jose Luis Martinat, 2004, 12min 43 s

This video digitally manipulates “The Flintstones” cartoon, removing from the scenes both the sound and the image of their memorable characters (Fred, Wilma, Barney, Betty, Dino, etc..).  The video rescues how consciousness reinterprets typical scenes taking into account details previously unrecognizable; though the camera movements are the same, a windy sound contributes with the solitude of this, now hollow, cartoon.

 

José Luis Martinat (Lima, 1974). Studied Photography at the University of Gothenburg.  Began to work with video since his first year of photographic studies, becoming his main interest.   Has exhibited mainly in the Nordic countries as well as in Perú and Chile.  He is currently doing a Master on art and new media. Lives and works in Sweden.

 

 

 

 

Proyecto en el Centro Cultural de la UNMSM

El siguiente es un Proyecto de Difusión de obras de video arte en el Auditorio del Centro Cultural de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos.

La Selección consta de 12 sesiones a ser programadas semanalmente:

PERÚ: Selección de Video Arte Peruano (1998-1999) / Duración: /Duración: 1 hora

BRASIL: Selección 2001 / Duración: 2horas

AUSTRIA: Premio Ars Electronica 2001 / Duración: 2 horas

ITALIA / FRANCIA: Planetopolis de Gianni Toti/Duración: 2 horas

PERÚ: Selección de Concurso Nacional de Video y Arte Electrónico / Duración: 1 hora

MÉXICO: Selección de Video Arte Mexicano (años 95 – 98) / Duración: 1 hora

INGLATERRA / FRANCIA: “Ich Tank” de David Larcher / Duración 90 minutos

ISRAEL: Doron Solomons  / Duración 1 Hora

PERÚ: 5 Festival Internacional de Video Arte / Duración: 1 hora

CHILE: Bienal de Santiago 97 / Duración: 50 minutos

ALEMANIA: MEDIENKUNSTPREIS 98 / Duración 90 minutos

ALEMANIA: MEDIENKUNSTPREIS 99 / Duración 90 minutos

PERÚ: (REC MEDIA DOS) / Duración: 1 hora

BRASIL / FRANCIA: “Parabolic People” y “Adiu monde, or Pierre and Claire’s story” de Sandra Kogut / Duración 70 minutos

ARGENTINA / FRANCIA / ALEMANIA: “Das Kapital” de Marcelo Mercado / Duración 42 minutos

FRANCIA: “Elements of a naked chase” de Jean Michelle Bruyere / Duración 90 minutos