Archivo de la etiqueta: Jose-Carlos Mariategui

Conversatorios en torno a la Muestra Video-Prospección: Historias Esenciales del Videoarte Peruano

Teniendo como base el video arte peruano, este Programa Público de VIDEO-PROSPECCIÓN: HISTORIAS ESENCIALES DEL VIDEOARTE PERUANO busca explorar temas que han estado presentes a lo largo de la historia del video arte peruano. Se plantean para ello conversaciones trans-históricas, es decir, entre creadores de diferentes generaciones, permitiendo la discusión sobre un mismo tema, pero en diferentes períodos de tiempo. Este enfoque tiene como objetivo brindar diferentes miradas para establecer relaciones y descubrir nuevos significados entre diferentes obras y periodos de tiempo. Todas las charlas son presentadas y moderadas por José-Carlos Mariátegui.

Martes 23 noviembre Cronología del Video Arte Peruano

16:00 hrs. José-Carlos Mariátegui

Presenta Soledad Novoa

Esta presentación ofrecerá una visión panorámica de la historia del video arte peruano a lo largo de más setenta años, desde sus primeras intervenciones técnicas y artísticas, pasando por experimentaciones audiovisuales pioneras de fines de los años sesenta y setenta. Se hará un énfasis en la década del noventa en adelante, donde el video como práctica artística se expande notablemente en el Perú gracias al desarrollo de una comunidad de creadores que veían en la imagen en movimiento y los nuevos medios un espacio de creación y exploración que les permitía reflexionar sobre problemáticas locales y globales que se encontraban permeadas por los media y el internet.

José-Carlos Mariátegui

Escritor, curador y emprendedor en cultura, nuevos medios y tecnología. Estudió Biología y Matemáticas y tiene una Maestría y Doctorado en Sistemas de Información e Innovación, ambos por la London School of Economics and Political Science – LSE (Londres). Fundador de Alta Tecnología Andina – ATA, dedicada a proyectos en arte, ciencia y tecnología en América Latina. Es docente en LUISS (Libera Università Internazionale degli Studi Sociali «Guido Carli») en Roma. Ha publicado en revistas como Third Text, The Information Society, Telos y Leonardo y por más de dos décadas ha sido curador de exposiciones de arte y tecnología a nivel internacional. Su última exposición, Broken Symmetries/Cuántica (co-curada con Monica Bello), explora los resultados de la interacción entre artistas y científicos del CERN. Miembro del Comité Editorial de la Leonardo Series del MIT Press (USA), Editor Asociado de AI & Society (UK) y Board Member de Future Everything (UK). Ha co-editado con Max Hernández y Jorge Villacorta El mañana fue hoy 21 años de videocreación y arte electrónico en el Perú (2018) y editó Del cero al infinito: escritos de arte y lucha, una compilación de textos Rasheed Araeen (2019). Sus proyectos han recibido recesiones en el Financial Times, New Scientist y The New York Times.

Soledad Novoa

Es historiadora del arte, académica y curadora. Se ha desempeñado como profesora en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, en el Departamento de Historia de la USACH y como encargada de proyectos y curadora de la Colección de Arte Chileno Contemporáneo de la GGM. Fue Jefa de proyectos en la DIRAC, y curadora del Museo Nacional de Bellas Artes. Escribe para catálogos y publicaciones sobre arte chileno contemporáneo, arte y feminismos, y arte latinoamericano. Entre sus trabajos curatoriales destaca Handle with Care. Mujeres artistas en Chile (MAC, 2007); Esto no es una exposición de género (CCE, 2008); Desierto de Regina José Galindo (GGM, 2015); Dibujar el límite de Janet Toro (MAC, 2017). Actualmente es Directora del Centro Nacional de Arte Contemporáneo, MINCAP.

Viernes 3 diciembre La video-exploración del territorio

16:00 hrs. Diálogo entre Luz María Bedoya, Álvaro Zavala y David Zink Yi

El paisaje geográfico peruano es muy variado y presenta una gran diversidad de territorios, desde desiertos y valles hasta montañas y bosques tropicales. Esta diversidad permite exploraciones audiovisuales sobre el paisaje que denotan las complejas peculiaridades del territorio, así como sus contrastes. Una característica propia del video como medio es que permite expandir y develar elementos del paisaje que muchas veces pasan desapercibidos, incorporando a su vez nuevas capas informativas, como el texto o el sonido. Los artistas invitados a este diálogo comentarán acerca de sus obras –que se presentan en la selección de Cabina Audiovisual– y cómo el video les permite una exploración singular del territorio.

Luz María Bedoya

Trabaja en el cruce de la fotografía, el video, la instalación, el audio, y el texto. Estudió Lingüística y Literatura en la PUCP, Fotografía en el CEIF en Lima y en el New England School of Photography en Boston y Teoría Crítica en el 17, Instituto de Estudios Críticos en Ciudad de México. Ha expuesto su obra en museos como el MALI y el MAC en Lima, y en instituciones como el International Center of Photography, Nueva York; la Fondation Cartier pour l’art contemporaine, París; la Pinacoteca de Sao Paulo, entre otros y ha representado al Perú en las bienales de arte de Venecia y de Sharjah.

Álvaro Zavala

Alvaro Zavala Bendezú, conocido también como el “ Castor Andino” nació en 1972. Alimentado por la empatía hacia los inmigrantes a las pampas desérticas en las periferias de la ciudad de Lima se acercó a las culturas andinas y underground en la ciudad. Estudió producción y dirección de Cine y Tv en la Academia Charles Chaplin, en 1993 donde sus exploraciones lo llevaron a búsquedas alternativas en lo audiovisual que lo acercaron con el video arte. Influenciado por talleres con el cineasta peruano Armando Robles Godoy empezó a trabajar en sus primeros proyectos de video arte. En el 2001 realizó su primera muestra individual en la casa museo José Carlos Mareategui y participó en la primera Bienal de Buenos Aires. Ha expuesto internacionalmente, y en la actualidad es como promotor audiovisual de música y costumbres de Folklore.

David Zink Yi

Es un artista visual y sonoro que utiliza diversos medios para desarrollar composiciones complejas en imagen en movimiento, música y escultura e instalación, con un particular trabajo sobre el espacio. Realizó estudios de escultura en madera y técnicas tradicionales en la Akademie der Bildenden Künste (Múnich) donde obtuvo la calificación como tallador de madera (1995 – 1998). Luego estudió artes visuales en la Universität der Künste – UDK (Berlín) (1997-2002). Desde el 2021 es catedrático titular en la Universidad de Arte de Braunschweig (Hochschule für Bildende Künste Braunschweig, HBK).

Martes 7 diciembre Las imágenes salvadas por la video-memoria

16:00 hrs. Diálogo entre Roger Atasi, Maya Watanabe y Tatiana Fuentes Sadowski

A lo largo de los años ochenta y noventa el Perú atravesó un periodo de violencia y conflicto armado interno que generó una nueva relación con las prácticas de memoria donde la imagen audiovisual cumplió el papel de actividad social para recomponer fragmentos olvidados del pasado y construir el futuro. Muchos artistas usaron el video para reconfigurar la realidad y generar nuevas percepciones de la memoria a partir de archivos documentales, fotografías o los media permitiendo decodificar nuevos signos y significados. Los artistas invitados a este diálogo comentarán acerca de sus obras –que se presentan en la selección de Cabina Audiovisual– y cómo el video les permite contribuir con una reflexión crítica sobre la memoria.

Roger Atasi

Nació en Lima en 1976, la mayor parte de su niñez y adolescencia la pasó entre el centro de Lima y el Cono Norte de Lima. Ingresó a la Escuela de Bellas Artes en 1995 con la intención de seguir escultura, pero rápidamente la instalación y video ocuparon su principal actividad. En el año 2000 hizo un primer viaje a Europa, y en el 2002 viajó por 6 meses a Strasbourg en Francia, para convalidar y terminar sus estudios en artes plásticas, lo cual se extendió por un periodo de 3 años. En el 2006 se mudo a París para continuar estudios en la universidad de la Sorbona, compartiendo actividad con el trabajo para subsistir y la creación gráfica. En el 2010 instaló un taller de reparación de bicicletas y dar una segunda vida a muchas bicicletas vintage y desde el 2015 hace mensajería urbana en bicicleta «coursier« de manera profesional.

Maya Watanabe

Es una artista visual que trabaja con videoinstalaciones. Ha tenido exposiciones recientes en, entre otros lugares, De Pont Museum (NL), MAXXI Museum (IT); MALI – Museo de Arte de Lima (PE); Rose Art Museum (US); La Casa Encendida (ES); Palais de Tokyo (FR); Kyoto Art Center (JP); Das Fridericianum (DE); and Matadero (ES). Su trabajo ha sido mostrado en varias bienales de arte y festivales, incluyendo Videobrasil, la 13ª Bienal de La Habana, Asian Art Biennial, 2da Wuzhen Contemporary Art Exhibition y la Bienal de Beijing. Watanabe vive y trabaja en Amsterdam, y actualmente hace un doctorado en el departamento Visual Cultures en Goldsmiths College, University of London.

Tatiana Fuentes Sadowski

Estudió teatro y danza en Lima, Perú, trabajó con performance y luego se estableció en el campo del video y el cine basándose en sus estudios de cine y artes visuales en Francia. En su trabajo, investiga las posibilidades de constituir la memoria y la intersección entre la intimidad y la política. Produjo sus primeras películas en Le Fresnoy Studio des Arts Contemporains, Francia. Su trabajo ya ha sido presentado en el 33º Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, La Habana, Cuba (2011); LABoral, Gijón, España (2013); 59º Festival Internacional de Cortometrajes de Oberhausen, Alemania (2013); 32º Festival Internacional de Cortometrajes de Uppsala, Suecia (2013); Festival Internacional de Cine Documental de Buenos Aires, Argentina (2013); entre otros. Su trabajo La Huella (2012) ganó una mención de honor del jurado en el 12 ° Festival Internacional de Cine de DocLisboa, Portugal (2014). Colabora con el Grupo Cultural Yuyachkani. Vive y trabaja entre Lima.

Martes 14 diciembre Del mito a la animación

16:00 hrs. Diálogo entre Cecilia Vicuña y Mario Acha.

En 1977 Mario Acha estrenó “El Mito de Inkarri” un cortometraje mediante la técnica artesanal de cuadro por cuadro a partir de dibujos del cronista Felipe Guamán Poma de Ayala. Utilizando la misma técnica, en 1983, Cecilia Vicuña presentó su cortometraje “Paracas”, que escenificaba en cerámica y plastilina imágenes y situaciones que aparecen en un manto de la cultura precolombina Paracas. Ambos reconocidos creadores dialogarán sobre la historia y contexto de sus proyectos y de manera más general sobre el uso de la animación para la re-significación de lo precolombino y sus potencialidades artísticas, pedagógicas y sociales.

Cecilia Vicuña

Es poeta, escritora, activista y artista visual. Su trabajo ha estado asociado a la memoria andina, y en particular a las geografías de Perú, Bolivia y Chile. Desde los años sesenta, Vicuña ha realizado acciones, instalaciones efímeras, lienzos y video que exploran las tradiciones asociadas asociadas a la pintura popular y las estéticas campesinas. Vicuña se acerca a mitos, ritos y formas de imaginación social andina, estableciendo conexiones con el presente y realizando también invocaciones performativas a través de personajes que aparecen en textiles y el tejido indígena o en la forma del quipu. El interés de Vicuña está en generar formas de reencuentro con la historia de una América indígena suprimida por la colonización.

Mario Acha

Es arquitecto, fotógrafo y cineasta documentalista. Estudió en la Universidad Nacional de Ingeniería de Lima y en el Institut National Supérieur des Arts et Techniques de Diffusion de Bruselas. Desarrolla una serie de cortometrajes de corte poético y a su vez explora el lenguaje cinematográfico. En los ochenta trabaja por encargo para la Unesco y desarrolla documentales sobre centros históricos y rescate del patrimonio cultural de América Latina. Su obra es reflejo de una mirada socialmente responsable que busca el significado humano de las cosas y la co-expresividad de imagen y sonido. Vive en México.

Cabina Audiovisual: Video-Prospección: Historias Esenciales del Videoarte Peruano

Esta selección ofrece un panorama histórico del video arte peruano a partir de trabajos realizados en los últimos 25 años abarcando temas, creadores y etapas que consideramos esenciales para entender su evolución histórica. Aunque podemos decir que el videoarte peruano se encuentra hoy plenamente incorporado en el contexto de las artes visuales –participando de muestras y exposiciones en galerías y museos, así como en el coleccionismo privado e institucional–, este proceso fue paulatino y aún está limitado a artistas que participan en estos circuitos. Para que el video arte se estableciera en el Perú fue necesario el desarrollo de una comunidad de creadores que veían en la imagen en movimiento y los nuevos medios un espacio de creación y exploración que les permitía reflexionar sobre problemáticas locales y globales que se encuentran permeadas por los media y el internet.

Entrar al Programa Público aquí.

Rita Rita Ponce de León “David”, 2012

La fundación de Alta Tecnología Andina (ATA) en 1995 permitió el lanzamiento de la segunda edición del Festival Internacional de Video Arte en 1998 (fundado originalmente en el año 1977 por iniciativa de Alfonso Castrillón y Jorge Glusberg en la Galería del Banco Continental de Lima). Se trataba de una plataforma que permitió apoyar de forma conceptual y técnica los proyectos de video que en ese momento se venían desarrollando en el país y a su vez instituyó el intercambio con creadores internacionales.

El Festival también fue una plataforma para que muchos proyectos peruanos circularan y compitieran internacionalmente en festivales de video y nuevos medios de ese entonces, así como en exhibiciones artísticas; las articulaciones con el contexto internacional enriquecieron y dinamizaron la escena artística local, algo que no sucedía con otras prácticas artísticas más tradicionales, constituyendo una primera generación en la que destacan creadores como Angie Bonino, Roger Atasi, Rafael Besaccia, Diego Lama o Álvaro Zavala.

Mario Acha “El Mito de Inkarri”, 1977

Angie Bonino «La imagen (Das Bild)”, 2000

A inicios del siglo XXI una segunda generación de artistas de video arte caracterizada por elementos y temas tales como el imaginario del cine experimental, la exploración del territorio o el uso de documentos y memoria en combinación con prácticas como la instalación, el performance, la fotografía, el documento o la animación, formaron una compleja y variada producción. Esto ha permitido que la producción videográfica peruana genere una dinámica muy particular en donde el espectador es invitado a visualizar situaciones locales que se extienden a reflexiones de un contexto global, tendencia que se ve particularmente desarrollada por artistas peruanos que radican en el extranjero y que a su vez participan en el competitivo escenario internacional. Entre los artistas más representativos de esta segunda etapa se encuentran Luz María Bedoya, Ricardo Yui, David Zink Yi, Maya Watanabe, José Luis Martinat, Rita Ponce de León y Tatiana Fuentes Sadowski. Simultáneamente, en representaciones peruanas de dos ediciones consecutivas de la Bienal de Venecia han figurado obras de videoarte de las artistas Luz María Bedoya (2005) y Patricia Bueno (2007), respectivamente.

Por todo ello, el video arte peruano no solo repercute en el contexto de las artes visuales establecidas en el Perú, sino también dentro de la vida social contemporánea, articulando una fuerza discursiva que permite explorar una variedad de temas complejos al unísono y combinarlos en proyectos críticos y originales.

Tatiana Fuentes Sadowski “La Huella”, 2012

Como en muchos países de América Latina, el proceso de producción y difusión iniciado a partir del Festival de videoartegeneró un acervo importante que ATA debía preservar. El poco interés inicial de parte de instituciones en incorporar estas obras en colecciones sumaba a la urgencia por organizar estos materiales y prevenir su caducidad tecnológica, lo que instauró a ATA como el principal archivo de video arte en el Perú. A mediados de la década de 2000, el Museo de Arte de Lima (MALI) inició la adquisición de obras de video arte de artistas peruanos que hoy incluye cerca de 40 trabajos. En 2019, ATA y el MALI –constituidos como los dos principales acervos de video arte en el Perú– decidieron colaborar para establecer una plataforma conjunta de difusión e investigación de video peruano, así como un espacio de consulta permanente en el museo que permita su acceso. Es así cómo se crea ePPA (espacio-Plataforma de Preservación Audiovisual – http://e-ppa.org/ ), que tiene por objetivo la preservación y difusión de las colecciones audiovisuales peruanas que ambas instituciones conservan integrándose en una sola base de datos que suman hoy más de 200 obras.

La selección para Cabina Audiovisual reúne obras de video arte de las colecciones de ATA y el MALI, incorporadas a ePPA, así como otras obras de artistas con los que ha venido colaborado ATA.

– Rafael Besaccia “Magna Opera Op. 2, «Una Vez Más el Amor»”, 8 min
– Álvaro Zavala (Castor Andino) “Atipanacuy», 1999, 7 min
– Roger Atasi “Neo Tokio Mon Amour (remake)”, 1999, 7 min
– Angie Bonino «La imagen (Das Bild)”, 2000, 2 min
– Diego Lama “No-latin party”, 2003, 2 min
– Luz María Bedoya “Línea de Nazca”, 2008, 7 min
– José Luis Martinat “Bedrock City”, 2009, 13 min
– Maya Watanabe “Caso Nominativo”, 2010, 1 mi
– Rita Ponce de León “David”, 2012, 2 min
– Tatiana Fuentes Sadowski “La Huella”, 2012, 18 min
– David Zink Yi y Angie Keefer “Entrance”, 2016, 12 min
– Ricardo Yui “Entropía Limeña”, 2014, 7 min

Adicionalmente a esta selección, presentamos como programación complementaria dos significativas obras históricas de animación y que establecen un diálogo autoral entre Chile y el Perú. Se trata de las obras “Paracas” de Cecilia Vicuña y “El Mito de Inkarri” de Mario Acha, la primera adquirida recientemente por el MALI y la segunda rescatada y digitalizada recientemente por ATA. Mediante la apropiación de elementos y el uso de técnicas de animación, ambas obras ofrecen una lectura contemporánea a mitos y pasajes históricos de la América Precolombina.

– Mario Acha “El Mito de Inkarri”, 1977, 8 min
– Cecilia Vicuña “Paracas”, 1983, 18 min

La muestra puede ser visitada entre los meses de noviembre del 2021 y enero del 2022, de lunes a viernes, de 10 a 17 horas, en la Cabina Audiovisual, ubicada en el Centro de Documentación de las Artes Visuales (CEDOC) en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo, ubicado en Av. Pedro Aguirre Cerda, 6100 – Cerrillos.

Créditos:

Esta selección de obras ha sido posible gracias al apoyo de Alta Tecnología Andina (ATA), el Museo de Arte de Lima (MALI) y la iniciativa ePPA (espacio-Plataforma de Preservación Audiovisual).

La Ley de la Ventaja – Programa Cultural de los Juegos Panamericanos Lima 2019

La Ley de la Ventaja
Historias y alusiones al deporte y resistencia en el audiovisual peruano

José-Carlos Mariátegui y Jorge Villacorta
Curadores

Culturaymi
Programa Cultural de los Juegos Panamericanos Lima 2019

Museo Metropolitano de Lima, Parque de la Exposición
Av. 28 Julio con Av. Garcilaso de la Vega, Lima

Fechas: del 3 al 31 de agosto 2019

LA LEY DE LA VENTAJA

HISTORIAS Y ALUSIONES AL DEPORTE Y RESISTENCIA EN EL AUDIOVISUAL PERUANO

Stories and references to sport and endurance in Peruvian audiovisual morh

Ernesto Leistenschneider/Raul Goyburu/Philippe Gruenberg/
Antonio Paucar/Janine Soenens/Daniel Jacoby

A lo largo de la historia del audiovisual experimental y el videoarte peruanos son pocos los trabajos que han tenido relación directa con el deporte. Esta selección busca confrontar material audiovisual histórico -con un énfasis social- con obras recientes -de carácter artístico- en un rango de más de cuatro décadas.

Las primeras obras audiovisuales datan de la primera mitad de los años 70, cuando el artista peruano Luis Arias Vera laboraba en el Instituto Nacional de Recreación, Educación Física y Deportes (INRED) y planteó proyectos como la “Maratón de Triciclos” y la “Carrera de Chasquis”. Junto con “Mi Cholo” de Philippe Gruenberg, intervención libre sobre la película de Bernardo Batievsky, estas tres obras denotan características de una época que tenía como marco la marginación social, frente a la cual se enarbolaba la reivindicación popular mediante la movilización y participación de la población. Estas obras se ponen en contraste con trabajos recientes de Daniel Jacoby (con Yu Araki), Antonio Páucar y Janine Soenens, los cuales nos refieren a lecturas nuevas, asociadas con temas deportivos y de resistencia.

José-Carlos Mariátegui y Jorge Villacorta
Curadores

Few works have been directly related to sports in the history of Peruvian experimental audiovisual work and video art. The purpose of this selection is to contrast historical audiovisual material, which has a social focus, with more recent work of an artistic nature over a span of over four decades.

The first-ever audiovisual works date back to the first half of the 1970s, when Peruvian artist Luis Arias Vera worked for the Peruvian Institute of Recreation, Physical Education and Sports (INRED) and proposed projects such as the “Maraton de Triciclos” (tricycle marathon) and the “Carrera de Chasquis” (Chasqui race). Together with “Mi Cholo” by Philippe Gruenberg, a free manipulation of Berdardo Batievsky’s film, these three works portray features of a time characterized by social marginalization. Vindication of the masses was promoted by means of mass mobilization and public participation. These works are contrasted with more recent films by Daniel Jacoby (with Yu Araki), Antonio Paucar and Janine Soenens, which lead us to new interpretations associated with sports and endurance issues.

Jose-Carlos Mariategui and Jorge Villacorta
Curators

Ernesto Leistenschneider

Maratón de Triciclos, 1976

11 min, 35mm transferido a Becatam digital / transferred to digital Becatam

Este “documental periodístico deportivo” presenta a trickleros -desde panaderos y heladeros a público en general- llegados de todo el país para competir en una maratón por el día del trabajador (1ro de Mayo) ida y vuelta desde el Campo de Marte a Vitarte con la participación y apoyo entusiasta de la ciudadanía.

This “sports journalistic documentary” introduces tricycle users, ranging from tricycle bread vendors and ice-cream sellers to the general public, arriving from all over Peru to compete in a marathon for Labor Day (May 1). The race covered the distance between Campo de Marte and Vitarte and back, with eager participation and support from the public.

Raúl Goyburu

Carrera de Chasquis, 1974-1975/2019

19 min, 35mm transferido a HD video / transferred to HD video

Documental transferido digitalmente y re-editado por el autor que permite entender la confluencia de los movimientos sociales, artísticos y deportivos en la época del Gobierno del General Juan Velasco Alvarado. La carrera de chasquis rescataba una práctica ancestral y congregó así a 4,700 corredores que atravesaron 970 pueblos y 2800 kilómetros, desde los andes a la costa del Perú, en 36 días.

A documentary digitally transferred and re-edited by its author. It explains the convergence of social, artistic and sports movements during the government of General Juan Velasco Alvarado. The chasqui race paid homage to an ancestral practice. It gathered 4700 runners, who traveled through 970 towns, along 2800 kilometers, from the Peruvian Andes to the coast, for over 36 days.

PhilippeGruenberg

Mi Cholo, 2004/2019 41 min, SD video

En mayo de 1972 se estrena la película “Cholo” dirigida por Bernardo Batievsky y referida al gran futbolista peruano Hugo “cholo” SotiL La película fue duramente criticada y tan solo se mantuvo una semana en cartelera convirtiéndose en un fracaso comercial. Tres décadas después, Gruenberg interviene la película original, editándola para resignificar mensajes y problemáticas que aún son de relevancia.

In May 1972, the film “Cholo” by Bernardo Batievsky was released. Its subject was Peruvian football great, Hugo “Cholo” SotiL The movie was heavily criticized and became a commercial bomb, remaining on show at cinemas for only a week. Three decades later, Gruenberg has manipulated the original film by editing it to provide new meanings to messages and problems which are still relevant today.

Antonio Paucar

Suspendido en la Queñua, 2014 27 min, HD video

Esta obra es representativa de las indagaciones del artista en los elementos que componen la cosmovisión andina y el vínculo natural entre el cuerpo y el pensamiento. El cuerpo del artista es suspendido en un Queñual -un árbol que crece en las regiones alto andinas- comunicándose con el hábitat natural, generando así lecturas simbólicas y culturales.

This is a representative work of the artists’ inquiries on elements making up the Andean world view and the natural link between body and thinking. The artist’s body is suspended on a Quertual, a tree growing in the Andean highlands, and he communicates with the natural world. This generates symbolic and cultural readings.

Janine Soenens

Keep in Touch, 2006 4 min, SD video

Un disparo da inicio a la carrera, donde la artista va de un extremo al otro de una pista de atletismo hasta su extenuación, matizada por un sonido ambiental que se transforma en un zumbido. Cada vez que llega a la meta, toca el suelo y dice “l’m sorry” (“lo siento”).

A shot starts a race where the artist runs back and forth from both ends of an athletics track, until she becomes exhausted. The environmental noise in the background gradually becomes a buzzing sound. Every time she reaches either end of the track, she touches the ground and says, “I’m sorry”.

Daniel Jacoby (con Yu Arahi)

Mountain Plain Mountain, 2018 21 min, HD video, Dolby Stereo

El documental observa los idiosincrásicos sonidos y ritmos del Ban’ei, una rara clase de carrera de caballos, que hoy se celebran únicamente en Obihiro, Japón. La obra registra las operaciones banales, inmóviles, contemplativas y rítmicas a medida que las voces emocionadas de los comentaristas se funden en un frenesí de galimatías.

This documentary offers an insight into the idiosyncratic sounds and rhythms of Ban’ei, a peculiar type of horse race which is now only held in Obihiro, Japan. The film records banal, motionless, contemplative and rhythmic actions as the commentators’ excited voices melt together into a pool of gibberish.

Curadores:

José-Carlos Mariátegui: Escritor, curador y emprendedor en cultura, nuevos medios y tecnología. Estudió Biología y Matemáticas Aplicadas. Maestría y Doctorado en Sistemas de Información e Innovación. Fundador de ATA. Ha sido curador de importantes exhibiciones de arte y tecnología a nivel internacional.

Jorge Villacorta: Crítico de arte y curador independiente. Titulado en genética. En paralelo a su actividad científica desarrolló un fuerte interés en la investigación en artes visuales contemporáneas en el Perú. En la actualidad es presidente de ATA.

El mañana fue hoy. 21 años de videocreación y arte electrónico en el Perú

[English follows]

Alta Tecnología Andina – ATA se complace en anunciar la publicación de El mañana fue hoy. 21 años de videocreación y arte electrónico en el Perú, una compilación de ensayos sobre las últimas dos décadas de videoarte y arte electrónico peruanos, editado por Max Hernández-Calvo, José-Carlos Mariátegui y Jorge Villacorta.

Esta edición bilingüe en inglés y español reúne una serie de ensayos y reflexiones sobre el videoarte en Perú durante las dos primeras décadas del siglo XXI, y el impacto general del arte de nuevos medios en el paisaje cultural, así como sus conexiones con otras disciplinas y con otras iniciativas regionales e internacionales. El panorama que presenta este importante esfuerzo de investigación, examina la rica y compleja trayectoria del desarrollo del video y el arte electrónico recientes en el Perú, desde sus inicios experimentales y precarios hasta su relevancia actual en la escena del arte contemporáneo local, a través de una fuerte representación de galerías y museos, y redes fluidas de distribución. En esta historia, tal como se examina en los ensayos del libro, el surgimiento de los festivales de video y arte electrónico en Perú es un momento clave en el establecimiento de una comunidad local de videoarte, que atrajo a artistas de diversos orígenes y formación. Al trazar los primeros años de los festivales, El mañana fue hoy destaca las contribuciones estéticas de una serie de artistas que, durante muchos años, fueron personajes de culto, aunque desconocidos. Pero el libro también reconoce el papel vital desempeñado por diversos proyectos y organizaciones que dieron forma al paisaje de los nuevos medios en Perú a través de sus múltiples esfuerzos. En ese sentido, como lo sugiere el título, ese nuevo día estético que se buscó durante la última década del siglo XX, efectivamente llegó a través de los esfuerzos combinados de muchos actores de la época, incluso si no se logró reconocer en ese momento. Otros temas que el libro aborda son el lanzamiento de concursos de videoarte, iniciativas regionales centradas en el medio, así como el desarrollo de prácticas y lenguajes específicos, como cine digital, animación, video- instalación y video-performance. El mañana fue hoy también incluye una línea de tiempo de la aparición del video / TV y el arte de los nuevos medios en Perú, desde 1939 hasta 2015, que ofrece un panorama claro y conciso de esta historia.

La publicación ha sido posible gracias al apoyo del Sistema de Información de las Artes en el Perú (INFOARTES) de la Dirección de Artes del Ministerio de Cultura del Perú y del Proyecto AMIL.

Sobre El mañana fue hoy algunos eminentes investigadores de los nuevos medios han señalado:

“Hoy la vibrante escena del video y las artes electrónicas de Lima y Perú es descrita y analizada por las personas que la presenciaron y la hicieron posible. Este fascinante libro describe un panorama lleno de inventos, no solo de video, animación, sonido y obras de arte interactivo, sino también de las infraestructuras y colaboraciones que surgieron para hacer posible su creación […] acciones de increíble originalidad cuyo valor se extiende a lo largo de décadas y más allá de las fronteras del Perú. Un compendio inestimable sobre cómo inventar un medio y una escena relevante”.

Sean Cubitt
Professor of Film and Television, Goldsmiths, Londres
Editor de la Serie Leonardo Books en MIT Press

“La investigación realizada por Hernández, Mariátegui y Villacorta es un ejemplo jubiloso que ilumina el video y arte electrónico de las últimas décadas en América Latina […] revela una gama de artistas diversos e intrigantes, que apuntan a posibilidades que aún están por desarrollarse. El libro es la mejor prueba de que todavía hay mucho por investigar sobre el arte electrónico y su reciente y rica historia.”

Solange Farkas
Fundadora y Directora de Videobrasil

El mañana fue hoy salda con creces la deuda pendiente de producir una historia crítica y analítica de las artes electrónicas en diálogo y a tono con publicaciones de referencia que se han venido desarrollando en América Latina cumplimentando esta tarea ofreciendo un amplio panorama y fundamentado estudio del derrotero de las artes tecnológicas en el Perú. […] señala un partido conceptual e ideológico diverso al de las modas corporativas alrededor del arte y de las historias de la imagen en movimiento.

Jorge La Ferla
Profesor Titular de la Universidad de Buenos Aires

Nota de los Editores: Hemos recibido el comunicado elaborado por el Colectivo Aloardi, donde se señalan y realizan dos correcciones en relación a los contenidos de la publicación “El Mañana fue hoy. 21 años de videocreación y arte electrónico en el Perú”, el comunicado se puede leer en el siguiente link: http://ata.org.pe/2020/07/15/comunicado-colectivo-aloardi/

The Future Was Now. 21 Years of Video Art and Electronic art in Peru

Alta Tecnología Andina – ATA is pleased to announce the publication of The Future Was Now. 21 Years of Video Art and Electronic art in Peru, a compilation of essays on the past two decades of Peruvian video and electronic art, edited by Max Hernández-Calvo, José-Carlos Mariátegui and Jorge Villacorta.

This bilingual edition in English and Spanish gathers a number of essays and reflections on video art in Peru during the first two decades of the 21^st century, and the general impact of new media art on the cultural landscape, as well its connections with other disciplines, and with other regional and international initiatives. The overview that this important research effort presents, examines the rich and complex trajectory of the development of recent video and electronic art in Peru, from its experimental and precarious beginnings to its current relevance in the local contemporary art scene, through strong gallery and museum representation, and fluid distribution networks.

In this history, as examined by the book’s essays, the emergence of the seminal Video and electronic art festivals in Peru is a key moment in the establishment of a local video-arts community, which attracted artists from diverse backgrounds and training. By charting the early years of the festivals, The Future Was Now highlights the aesthetic contributions of a number of artists who, for many years cultish yet obscure figures. But the book also acknowledges the vital role played by the various projects and organizations that shaped the new media landscape in Peru through their multiple efforts. In that regard, as the title suggests, that “aesthetic future” that was sought during the last decade of the 20^th century, did indeed happen through the combined efforts of many actors of the time, even if unacknowledged at the time.

Other issues the book engages are the launching of video art competitions, regional initiatives focused on the medium, as well as the development of specific practices and languages, such as digital cinema, animation, videoinstallation and videoperformance.

The Future Was Now also includes a timeline of the emergence of video / TV, and new media art in Peru, from 1939 to 2015, offering a clear and concise panorama of this history.

Contributors include Mauricio Delfín, Reina Jara, Angie Bonino, Umberto Roncoroni, José Javier Castro, Elisa Arca, Enrique Mayorga, Beno Juárez, Lydia Haustein, Kathleen Forde, Sandra Lischi and Vera Tyuleneva, among others.

The publication has been possible thanks to the support of the Information System of the Arts in Peru (INFOARTES) of the Arts Directorate of the Ministry of Culture of Peru and of Proyecto AMIL.

Praises for The Future Was Now

The research conducted by Max, Jose-Carlos and Jorge is a joyful example on illuminating video and electronic art over the last decades in Latin America. Mapping projects and organizations that have shaped the landscape of new media in Peru, “The Future was now” reveals a range of diverse and intriguing artists, pointing possibilities that are still to be developed. The book is the best prove that there is still so much to investigate on electronic art and its recent and rich history.

Solange Farkas
Founder – Director
Associação Cultural Videobrasil

Now the vibrant video and electronic arts scene of Lima and Peru comes into focus, described and analysed by the people who were there, made it and made it possible. This entrancing book describes a scene bubbling with invention, not just of video, animation, sound and interactive artworks, but of the infrastructures and collaborations that had to be created to make it possible to make them. These networks and associations are artworks in themselves, experiments and performances of incredible originality whose value extends over decades and across territories far beyond Peru’s borders. An invaluable primer on how to invent a medium and a scene where it matters.

Sean Cubitt
Professor of Film and Television at Goldsmiths, University of London
Series editor for Leonardo Books at MIT Press

By proposing a broad and well-founded study of the course of the technological arts in Peru, The Future Was Now greatly contributes to produce a critical and analytical history of the electronic arts which is in dialogue and in tune with other publications that have been developed in Latin America. […] points out a conceptual and ideological party different from the corporate trends around art and the stories on the moving image.

Jorge La Ferla
Professor of Film and Media at Universidad de Buenos Aires

Editors’ Note: We have received the statement made by Collective Aloardi, where two corrections are indicated and made in relation to the contents of the publication “The Future Was Now. 21 Years of Video Art and Electronic art in Peru ”. The statement can be read at the following link: http://ata.org.pe/2020/07/22/communique-colectivo-aloardi/

Para poder acceder de manera libre a los dos primeros capítulos del libro, pueden hacerlo desde el siguiente link: http://ata.org.pe/wp-content/uploads/2020/04/El-mañana-fue-hoy.pdf

Puede adquirir la publicación en las siguientes librerías / Points of sale:

Lima, Perú

MALI – Museo de Arte de Lima
Paseo Colón 125, Parque de la Exposición
Lima 15046
Tel: (+51-1) 204 0000
Email: informes@mali.pe
https://mali.pe
Adquiérelo de manera online aquí

Librería Sur
Av. Pardo y Aliaga 683, San Isidro 15073
www.libreriasur.com.pe

Librería El Virrey
Calle Bolognesi 510
Miraflores, Lima 15074
Tel: (+511) 444 4141
www.elvirrey.com
Email: pedidos@elvirrey.com

Librería COMMUNITAS
Av. 2 de mayo Nº 1684-90,
San Isidro Lima 15074
Tel: (51-1)222-2794
Email: atencionalcliente@communitas.pe
www.communitas.pe

Arequipa, Perú
Pucara Bulls
Campo Redondo 102,
Arequipa 04001
https://goo.gl/maps/qw5h3FpLnHVp3qQz9

Cusco, Perú
La Dragona, Club cultural – Librería
Calle Arequipa 159,
Cusco 08000

Madrid, España

La Central (Museo Reina Sofía)
Ronda de Atocha, 2, 28012 Madrid
www.lacentral.com/museoreinasofia

Londres, Reino Unido

Marcus Campbell Art Books
43 Holland Street, London SE1 9JR
email: info@marcuscampbell.co.uk
www.marcuscampbell.co.uk

Estados Unidos

Latin American Book Store
P.O. Box 7328 Redlands, CA 92375
Phone: 1-800-645-4276
Email: libros@latinamericanbooks.com
https://www.latinamericanbooks.com

Distribución internacional y otros países de Europa:

Libreria El Condor
Dirección: Seilergraben 43, 8001 Zürich, Suiza
Telefono: +41 44 262 09 66
email: libreria@condorlibros.com
www.condorlibros.com

Presentación del Grupo de Cine: “Liberación sin Rodeos” en el 22 Festival de Cine de Lima PUCP

Testimonio de un colectivo audiovisual peruano: el Grupo de Cine “Liberación sin Rodeos”

En 1971 el Grupo de Cine Liberación sin Rodeos, toma la iniciativa de proponer al Sistema Nacional de Apoyo a la Movilización Social (SINAMOS) la producción de un mediometraje que retrate un día en la vida de cuatro niños del pueblo de Ollantaytambo en el Cusco. Fue así que “Niños” (1974) dio lugar a la creación de este colectivo conformado por Carlos Ferrand, Marcela Robles, Nenée Herrera, Pedro Neira y Raúl Gallegos. Luego de esta realización el grupo visitó buena parte del Perú, lo que les permitió desarrollar una observación etnográfica sumada con un trabajo potente en la imagen registrada e innovando, con pocos recursos, en las formas de producción audiovisual de la época.

Emprendieron un trabajo colectivo consistente en un momento de reformas y conflictos sociales significativos en el Perú, donde los medios audiovisuales empezaban a cumplir el papel de movilizar a los ciudadanos, difundiendo un mensaje que combinaba la denuncia social y la propaganda revolucionaria, transmitiendo espontáneamente la realidad del país y el espíritu de cambio

El panel –moderado por José-Carlos Mariátegui– contó con la presencia de Carlos Ferrand, Raúl Gallegos, Marcela Robles y Pedro Neira, artífices del grupo de cine “Liberación sin Rodeos” quienes ofrecieron un testimonio de parte sobre el contexto de la década del setenta, así como una reflexión asociada al significado de ese importante momento de confluencia de un ideal cultural, social y político en el país. Finalmente, cada integrante comentó, en retrospectiva, sobre los proyectos que produjeron en grupo y cómo se relacionó con su práctica más reciente.

Notas relacionadas:

POESÍA Y POLÍTICA: CARLOS FERRAND Y EL GRUPO LIBERACIÓN SIN RODEOS por Ivonne Sheen

Carlos Ferrand: “Después de 50 años de hacer cine, uno se cansa de ver películas” por Juan Carlos Fangacio

Martín Sastre Grandes Éxitos: Obra en cine y video

Martín Sastre (Uruguay, 1976)

Sastre trabaja principalmente en video pero también ha incursionado en la fotografía, la escultura, el diseño y -como se podrá ver en este ciclo dedicado a parte de su obra- en la dirección cinematográfica.

En 2002, como becario de la Fundación Carolina, empieza la realización de la Trilogía Iberoamericana y se instala en Madrid donde desarrolla parte de su obra. Sastre ha participado en las Bienales de La Habana (2003), São Paulo (2004), donde exhibió el segundo episodio de la Trilogía, y Venecia (2005).

En 2004 recibió el Primer Premio ARCO para Jóvenes Artistas y en 2008 el Premio Faena al Arte Latinoamericano.

En el 2010, Martín Sastre dirige su primer largometraje, Miss Tacuarembó, y en el 2016 estrena el documental Nasha Natasha, donde sigue los pasos de Natalia Oreiro en su gira por Rusia. Sobre su doble identidad de artista y director de cine, Sastre afirma “es como Superman y Clark Kent, son una misma persona con dos nombres”.

PROGRAMA

Lugar: Auditorio del MALI (Paseo Colón 125 – Parque de la Exposición – Lima)
Ingreso libre a todas las funciones
7pm

Martes 1ero de agosto
Presentación a cargo de José-Carlos Mariátegui (Alta Tecnología Andina, ATA)

Trilogía Iberoamericana (2002-2004)

Videoart: The Iberoamerican Legend (2002, 13 min)
Montevideo: The Dark Side of the Pop (2004, 13 min)
Bolivia 3: Confederation Next (2004, 12 min)

La serie Trilogía Iberoamericana es una trilogía ambientada en un futuro
en el que América Latina es la potencia cultural que domina el mundo.

“El uruguayo Martín Sastre utiliza ese nivel sofisticado de producción para equiparar su obra con producciones del Primer Mundo, pero develando y evidenciando temas del Tercer Mundo. […] Sin obviar el lado cómico de su obra, conviene señalar también un aspecto crítico no solo relacionado al mainstream, sino al uso del poder político y social, lo que hace de esta trilogía una propuesta inteligente y reflexiva, a la que el espectador accedee ingresa por el placer, el gusto de escuchar una buena música y de sentir y vibrar con imágenes que utilizan muchos de los elementos de la cinematografía publicitaria en el logro de un impacto visual y sonoro inmediato.”
(José-Carlos Mariátegui y Jorge Villacorta, Videografías Invisibles, 2005).

100 años de cine argentino (2014)

Duración total: 17 min
Intérpretes: Cecilia Roth, Mercedes Morán y Natalia Oreiro

Para conmemorar 100 años de cine argentino, el INCAA junto con otras instituciones, organizaron un Concurso Federal de Cortometrajes para el cual Sastre realizó los tres primeros cortos promocionales. Los remakes, protagonizados por Cecilia Roth, Mercedes Morán y Natalia Oreiro despliegan un sinfín de referencias a la cinematografía argentina desde la mirada paródica que caracteriza al realizador.

En este proyecto, Sastre involucra a LALA (Link Audiovisual Latino Americano), una plataforma online que pone al servicio de su comunidad diversos proyectos relacionados con el mundo audiovisual.

——————————————————————————————

Miércoles 2 de agosto
Conversatorio con la presencia del director, Martín Sastre

Miss Tacuarembó (2010)

Director: Martín Sastre
Duración: 92 min
Género: Comedia, drama, musical
Intérpretes: Natalia Oreiro, Diego Reinhold, Mirella Pascual, Rossy de Palma y Mike Amigorena

La primera película del artista uruguayo Martín Sastre narra la historia de Natalia (Sofía Silvera), una niña que aspira a salir de su pueblo natal, Tacuarembó (Uruguay) para convertirse en una estrella, como aquellas que ve en la novela Cristal o la película Flashdance. Convertirse en Miss Tacuarembó es la única manera de lograr este objetivo. Narrada en paralelo está la historia de Natalia en la actualidad (Natalia Oreiro) quien a sus treinta años se dedica a cantar en un parque temático religioso en Buenos Aires, actividad que dista mucho de su sueño cuando niña. Ambientada en los años 80, la película está basada en la novela homónima de Dani Umpi. Las canciones fueron compuestas por Ale Sergi (Miranda).

En palabras de Sastre, la película “podía ser una comedia musical, un musical religioso, una comedia romántica o costumbrista, un thriller, una película, un vídeo clip, porque es todo eso junto. Posiblemente un multigénero audiovisual que podríamos definir como Comedia Pop” (“El cine español es uruguayo”, El País, 13 de mayo de 2011)

Miss Tacuarembó es una coproducción de Uruguay, Argentina y España ganadora de la sección Zonazine del Festival de Málaga (mejor película y mejor guión) y nominada a seis premios Cóndor de Plata por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina.

INVIDEO – Mostra internazionale di video e cinema oltre (Milán)

En los años noventa, el videoarte en el Perú no se consideraba parte de las artes visuales establecidas; se mantenía al margen, lo que le permitía un nivel de independencia que favorecía las indagaciones visuales más audaces. Aquella amplitud no solo se evidenciaba por la variedad y el grado de experimentación en los trabajos realizados, sino también por las formación multidisciplinar de las personas vinculadas a su producción, que en algunos casos no tenían estudios artísticos formales. En la segunda década del siglo XXI el videoarte peruano ha dado un giro significativo, y una parte de su producción creciente está plenamente integrada al contexto de las artes visuales, con todo el compromiso institucional que esto muchas veces conlleva. Muchos de estos artistas producen video como parte de un repertorio mayor de formatos como la fotografía, la instalación o la escultura. Tratar de enmarcar a estos creadores como artistas de video exclusivamente puede ser complicado actualmente, ya que en muchos casos su obra audiovisual se complementa e influencia con otros medios y viceversa. Este es el caso de los artistas seleccionados en esta muestra, los cuales realizan obras de diversos géneros artísticos, y el videoarte es una constante en su panorama producción.

Selección:

-Elena Damiani, “Brighter than the moon”, 2016, 08′:16″, Lima
-Ximena Garrido-Lecca, “Contornos”, 2014, 10´:45¨, Lima
-Carlos Troncoso, “Av. Huaylas a 30 fotogramas por segundo”, 2010, 06´:17¨, Lima
-Maricel Delgado, ”Insistir”. 2014. 07´:23´´, Lima
-Katherine Fiedler, “Inabarcable”,2015, 02´:52¨, Lima
-Christian Alarcón,” VII Pulgadas”, 2014, 12´:00¨, Lima
-Diego Lama, “De falso a legal en una toma”, 2015, 04´:00¨, Lima
-Alan Poma y Aldo Cáceda, “La Victoria sobre el Sol”, 2015, 20´:00¨, Lima

Curadores:

José-Carlos Mariátegui (Lima, 1975)
Escritor, curador y emprendedor en cultura, nuevos medios y tecnología. Estudió Biología y es Bachiller en Matemáticas Aplicadas por la Universidad Peruana Cayetano Heredia (Lima). Tiene una Maestría (MSc) y Doctorado (PhD) en Sistemas de Información e Innovación por la London School of Economics and Political Science – LSE (Londres). Fundador de Alta Tecnología Andina – ATA (www.ata.org.pe), dedicada al desarrollo de proyectos en arte, ciencia y tecnología en América Latina. Ha sido curador de importantes exhibiciones de arte y tecnología a nivel internacional. Miembro del Comité Consultivo del Ministerio de Cultura y del Comité Editorial de la Leonardo Series, libros sobre arte, ciencia y tecnología publicados por MIT Press (USA).

Angie Bonino (Lima, 1974)
Estudió artes plásticas en Bellas Artes en Lima – Perú. En 2005 recibió la beca de Master en Sistemas Interactivos en el Audiovisual -Mecad – Universidad Ramón Llull de Barcelona, España y luego la beca para el Máster en Seguridad Informática. Comunidad Europea 2006-2007. Directora de la Bienal VIDEOAKT que se realizó en Barcelona y Berlín del 2008 al 2015. Artista multidisciplinaria, entre sus últimas exposiciones individuales destacan la del MAC – Lima, Museo de Arte Contemporáneo de Lima – Perú 2014 y en 2015, la exposición individual “Cuando la Tierra habla – Galería Forum – Lima. Docente de la Escuela Nacional de Bellas Artes ENSABAP, Lima- Perú. http://www.angiebonino.com

Página oficial

‘Sanzu El Río’, de Carlos Runcie Tanaka

Carlos Runcie Tanaka, destacado artista peruano presentó “Sanzu el río”, su más reciente intervención en las Salas Siete Setenta y Raúl Porras Barrenechea del Centro Cultural Ricardo Palma.

Curada por Jorge Villacorta y José Carlos Mariátegui, la muestra toma como referencia la festividad japonesa llamada Obon, cuya costumbre de origen budista consiste en recordar a los antepasados que cruzan un río para encontrarse con sus seres queridos vivos. En la recreación del encuentro estos familiares los reciben con agasajos de bebidas y viandas.

La costumbre espiritual es tomada por el artista quien, con elementos como la escultura de papel, el vídeo y un texto del también artista peruano Eduardo Tokeshi, construye metáforas que recorren el espacio como memoria y traen consigo el presente y el futuro.

La muestra estuvo del 9 de setiembre al 9 de octubre en las salas de exhibición del Centro Cultural Ricardo Palma, en Miraflores, Lima – Perú

Ciclo de conferencias ‘Marcel Odenbach. Movimientos Quietos’

Con motivo de la exposición “Marcel Odenbach. Movimientos Quietos” que se compone de una selección de obras de Marcel Odenbach, hemos invitado a dos destacados investigadores en el campo de los nuevos medios y el video en América Latina, Solange Farkas (Brasil) y Jorge La Ferla (Argentina). Farkas y La Ferla discutirán acerca del trabajo de Odenbach y su relación con el contexto de producción en América Latina.

Conferencia: Solange Farkas “Una lectura desde América Latina a la obra político-cultural de Marcel Odenbach”
Presentación y participación en el debate a cargo de Jorge Villacorta
21 julio de 2015 a las 19:00
Auditorio del Goethe Institut

Un componente importante en la obra de Odenbach es su interés en los procesos sociales, políticos y culturales. Esto le permitió no solo presentar una imagen crítica de Occidente, sino que también le permitió dar una mirada a la realidad no-occidental, mediante sus investigaciones en regiones poco representadas, principalmente en África. Los ensayos visuales de Odenbach logran una potencia y complejidad, que requiere de un involucramiento con la obra para poder entender sus diferentes dimensiones. Desde ese ángulo, Solange Farkas indagará sobre el trabajo de Odenbach desde la perspectiva crítica político-cultural, tanto en las obras alemanas como en su trabajo recientes en zonas no-occidentales, y cómo este tipo de trabajo tiene puntos en común y contrastes con algunos tipos de producción contemporánea en América Latina. Esta discusión nos plantea analizar el video como un elemento subversivo y a su vez liberador en las prácticas culturales y artísticas contemporáneas.

Solange Farkas
Solange Farkas es la curadora y directora de la Asociación Cultural Videobrasil. Es la creadora y curadora en jefe del Festival Internacional de Arte Contemporáneo SESC_Videobrasil, que ha surgido como el evento líder en la producción de arte desde el Sur geopolítico del mundo. De esta forma ha introducido a Brasil la obra de reconocidos artistas internacionales como Bill Viola, Gary Hill, Marina Abramovic, Olafur Eliasson, William Kentridge y Peter Greenaway. También ha sido Directora del Museo de Arte Moderno de Bahía (2007 – 2010).

Conferencia: Jorge La Ferla: “El video como dispositivo, técnica y forma. Su impacto en la producción histórica audiovisual: un contraste entre Europa y América Latina”
Presentación y participación en el debate a cargo de José-Carlos Mariátegui
22 julio de 2015 a las 19:00
Auditorio del Goethe Institut

Un componente importante en la obra de Odenbach es la elección del video como medio artístico, que en los años setenta era visto como una opción radical, alejada del mercado del arte. Odenbach usa la técnica del video para explorar la profundidad de la imagen electrónica. En ese sentido, utiliza las técnicas de edición, post-producción y ambientación en el espacio para generar un trabajo complejo y de diferentes lecturas, muy similar a los procedimientos que emplea con sus collages. Es así que su trabajo ha transcurrido entre el video registro de performance, el video mono-canal y la video instalación (en forma de grandes proyecciones, video esculturas y circuito cerrado). La presentación de Jorge La Ferla indagará sobre el uso del video como medio y lo relacionará con las prácticas artísticas de los últimos 40 años en Occidente (tomando como referencia la obra de Marcel Odenbach y sus contemporáneos) y particularmente en América Latina, considerando el impacto que ha tenido el paso de las técnicas analógicas de la imagen electrónica al digital.

Jorge La Ferla
Es profesor e investigador en medios audiovisuales, realizador de TV y multimedia y miembro fundador del movimiento de videoarte en Argentina. Ha sido director y fundador de las muestras EuroAmericanas de Cine, Video y Arte Digital organizadas por la Universidad de Buenos Aires entre 1995 y 2002. Ha editado treinta libros sobre el campo audiovisual, publicado más de sesenta textos en Argentina y en el exterior sobre cine, video, TV y multimedia y ha obtenido becas y premios para desarrollar su trabajo artístico y académico en Alemania, Argentina, Estados Unidos, España y Suiza.

Rosa Barba: Performatividad de la Presencia + Subconscious Society + Printed Cinema

Rosa Barba:
Performatividad de la presencia

Curado por José Carlos Mariátegui

Desde hace casi quince años, Rosa Barba explora el uso de proyectores de cine bajo la forma de obras escultóricas y performativas. Sus instalaciones y películas se valen de conceptos sobre la imagen y el tiempo para decantar características esenciales al medio cinemático. La imagen le permite indagar formas alternativas de interpretación de la realidad mediante las limitaciones y posibilidades propias del celuloide y la máquina de proyección. El tiempo es analizado mediante el contraste entre espacios naturales y la irrupción de la tecnología en contextos signados por referentes sociales y culturales. Esta selección incluye tres instalaciones cinemáticas y una película.

Boundaries of Consumption
2012
Duración variable | 16 mm
Proyector modificado, latas de película y 2 esferas de metal

Western Round Table
USA | 2007
2’ en loop |
Dos películas de 16 mm., dos proyectores, dos bucles, sonido óptico

A Private Tableaux
UK | 2010
7’ en loop | Film 16 mm. | Sonido óptico

Somnium
Holanda | 2011
19’ 20’’ en loop | transfer de película 16 mm. a Archivo digital / 16 mm.| Sonido óptico

Rosa Barba:
Subconscious Society
Un largometraje

Reino Unido – Estados Unidos | 2014
40’ | 35 mm | Color | Estéreo
Proyección: Archivo Digital

En la película Sociedad subconsciente –como en el subconsciente en sí– se pueden hacer asociaciones nuevas y no racionales entre los objetos del mundo “real”. Los personajes de la película parecen existir en un estado liminal entre los reinos mentales y físicos. Las escenas interiores, con sus protagonistas, se yuxtaponen con diversas estructuras evocadoras de zonas geográficas muy dispares. Parte de la película fue filmada en un edificio abandonado en Manchester, con personajes que han experimentado el espacio de diferentes formas a través del siglo pasado –como catedral, como edificio del parlamento, como teatro y como cine–. Ahora está abandonado, una casa de fantasmas.

Los protagonistas nunca han salido de Inglaterra, nunca han estado en un avión. Juntos están tratando de formar un nuevo grupo, una sociedad fundada en el descarte de los objetos físicos.
En marcado contraste, la artista sobrevuela paisajes –la costa sur de Inglaterra durante la marea baja (cuando se revela su estructura geológica) y el desierto de Estados Unidos (se ven una prisión, un campo de paneles solares, una cantera y un lecho de río seco)–. Vistos desde el aire, la escala real de estos lugares se pierde y se asume una perspectiva que los representa como un tipo de dibujo o símbolos en el paisaje.

Las tomas en el desierto funcionan como títulos de los capítulos en la película, y se nos invita a entrar en la narración a través de un título tipo postal.
La pieza se presenta como una película que incorpora imágenes que evolucionaron como parte de una presentación en vivo en el Anthology Film Archives (Nueva York), de tres noches, en noviembre de 2013, y también hace uso de la banda sonora en vivo de aquellas actuaciones.

Rosa Barba:
Printed Cinema # 14

En palabras de la artista el proyecto Printed Cinema (ediciones de publicaciones periódicas irregulares) continúa su trabajo audiovisual como una reflexión personal sobre la esencia de la cinematografía: las imágenes están simplemente articuladas en el espacio entre las imágenes. Los espacios, elipses, la dialéctica entre las imágenes – nociones esencialmente modernistas – son esenciales en ese sentido. En Printed Cinema esto se expresa en el principio de edición, así como en la oposición entre película e impresión, entre texto e imagen. Además del método específico de distribución, por supuesto, que extiende el proyecto a una amplia gama de contextos culturales y sociales. De esta manera Printed Cinema desafía los bordes exteriores del libro de artista. Mecanismos propios para el medio fílmico encuentran su traducción en un contexto diferente.