Archivo de la categoría: Exhibicion

“Shahidul Alam: Una voz desde las sombras”

ATA – Alta Tecnología Andina y el Centro Cultural Ricardo Palma presentan la exposición fotográfica:

 “Shahidul Alam: Una voz desde las sombras

Del 24 de agosto al 9 de setiembre, en la sala de exhibiciones del CC Ricardo Palma (Av. Jose Larco 770, Miraflores, Lima, Perú).

Shahidul Alam es uno de los fotógrafos más reconocidos en la actualidad. Nacido en 1955 en Dhaka, Bangladesh, en los últimos 30 años ha desarrollado un amplio trabajo no solo en materia de educación sino en la promoción de una actitud ética y comprometida con los diversos temas que afectan hoy a la vida en sociedad en zonas invisibilizadas del mundo.

El 5 de agosto último, Shahidul Alam fue detenido en su casa por 30 policías vestidos de civil. El arresto se debió a un reportaje de la agencia noticiosa árabe Al Jazeera donde Alam hizo una dura crítica a la represión ejercida por el gobierno durante unas manifestaciones estudiantiles en Dhaka. Alam fotografió las protestas y la brutal represión a los manifestantes estudiantiles por parte de simpatizantes del gobierno mientras la policía se mantenía al margen. Un tribunal lo ha acusado de incitar a la desobediencia apelando a la infame “Ley de Tecnología de Información y Comunicación”. Si es declarado culpable, enfrenta hasta 14 años de prisión.

Miles de voces se han alzado en el mundo en las últimas dos semanas en protesta contra la detención de Shahidul Alam y los maltratos que viene sufriendo en prisión. Esta muestra busca atraer la atención del público al trabajo comprometido de este fotógrafo y activista bengalí y promover la solidaridad con él.

Hacemos esta exposición como una forma de protesta por la violación de sus derechos como individuo y un señalamiento a la falta de libertad de expresión que se vive en Bangladesh.

José-Carlos Mariátegui
Jorge Villacorta

#freefhahidulalam

Sobre la exposición

Esta muestra resume su trayectoria como fotoperiodista, no sólo en Bangladesh sino alrededor del mundo. Los temas que discurren en su trabajo incluyen entre otros el proceso de la democracia y la precaria vida política de Bangladesh que, al igual que Perú, tuvo que pasar y aún se encuentra pasando por una etapa de severa represión y falta de libertad de expresión. Otro tema constante en su obra fotográfica son los desastres naturales en Bangladesh, ya que es una nación considerada una de las más vulnerables del mundo en relación al cambio climático global.

La vida diaria en Bangladesh ha sido otro de los temas seleccionados, y en este en particular se ha incluido diferentes imágenes de mujeres, quienes parecen ser las protagonistas ya sea de la vida en la ciudad o en el campo. Por último, Alam ha retratado también a importantes personalidades políticas, sociales y científicas del mundo, como Nelson Mandela, el filántropo y activista Abdus Sattar Edhi y la escritora feminista Talisma Nasrin.

Esta antología también incluye una pequeña selección de Crossfire, una muestra que explora el tema de las muertes extrajudiciales ocurridas en Bangladesh por el Batallón de acción rápida – RAB (The Rapid Action Battalion) ofreciendo un punto de vista alegórico de lo hechos. En dicha muestra, Alam usa elementos documentales de los casos ocurridos para construir imágenes que evoquen las historias que todos los habitantes de Bangladesh conocen pero que el gobierno continúa negando.

La obra fotográfica de Shahidul Alam proporciona una mirada consciente y crítica de una modernidad en formación, impactada por la globalización, las mega ciudades y sus problemas sociales, la lucha constante por los derechos fundamentales del hombre y el inevitable cambio climático que arrastra consigo la miseria. Son imágenes que construyen el tejido social de dos terceras partes del planeta, aquella mayoría que ha dejado de ser invisible.

Shahidul Alam es un fotógrafo y escritor Bangladesí con un interés especial en la educación y los nuevos medios. Estableció el galardonado Drik Picture Library, Instituto Fotográfico de Bangladesh; Pathshala, Instituto Sur Asiático de la Fotografía; la agencia de fotografía DrikNews; y Banglarights, el portal de los Derechos Humanos de Bangladesh. Es la única persona no occidental que presidió el prestigioso jurado internacional de la World Press Photo. Su trabajo ha sido publicado en numerosas publicaciones de todo el mundo, incluyendo National Geographic, Time Magazine, Newsweek, The Guardian, Le Monde, etc. Es el único bangladesí encargado de fotografiar la portada de la revista Time. En 2009, la Fundación Nelson Mandela le dio el privilegio único de hacer un retrato exclusivo de Nelson Mandela.

 

The Fireflies Memorial (Durban) by Francesco Mariotti

The Green Camp Gallery, 246 Umbilo Rd, Bulwer, Berea, Durban
Thursday 28th of June 2018, from 18:00 onwards.


The Fireflies Memorial is a long-term-project which aims to build a hybrid habitat in memory of the murdered ecologists and environmentalists; a collaborative work that pays tribute to all the people and organizations that are committed to the protection of nature. It is also a stance to remember people in Latin America and South Africa who had been murdered during their struggle, such as Honduran environment and human-rights activist Berta Cáceres; Brazilian environmental activist Chico Mendes; and, South Africa’s Wild Coast anti-mining activist Sikhosiphi “Bazooka” Rhadebe. This participative version will be installed at The Green Camp Gallery, a rehabilitated space converted into an organic and sustainable lifestyle hub on urban farming and creativity based in Durban founded by Xolani Hlongwa.

The installation is a work-in-progress that combines light-emitting diodes (LEDs) –simulating fireflies sparks– and organic farming –in teamwork with Nkazimulo Gabuza–; sounds of the Amazonian Huirapuru bird and the South African cicada insect; a visual projection by Crosby Luhlongwane; and, written and spoken texts by Mzwandile Mlangeni which were nurtured and inspired throughout the happenstances.

Concepts for projects with objectives
These days nothing to reject
Especially when he’s pushing too hard to inject
We re-direct direct that society

With source, without scientist
Earth no more breath for it
Gases ashes smashing until nothing to eat
Inside the stomach something is weak

It has to be a theme of thieves
Cheating, manipulating culture and nature
People and their environmental movements

Protest against industries globally
We don’t need diluted breathing air
Asthma is there, companies don’t care
But we, the people lets us bring and share

Mzwandile Mlangeni

 

With the collaboration of: Crosby Luhlongwane, Mzwandile Mlangeni, Nkazimulo Gabuza, Xolani Hlongwa, Åsa Nilsson, Ernesto Coba, Elisa Arca and José-Carlos Mariátegui.

Thanks to: Magdalene Reddy, Patrick Bond, Desmond D’Sa and  Mario Pissarra.

Organized by ATA (www.ata.org.pe) with the support of Prince Claus Fund and Swiss Arts Council Pro Helvetia during the 24th International Symposium on Electronic Art (ISEA2018), June 23-30, 2018 Durban University of Technology, KwaZulu-Natal, South Africa, as part of Hybrid happenstances (Under 40 degrees) aiming at developing Peruvian and South African cultural encounters mediated by art and technology to find connections and cross-pollinations.

Martín Sastre Grandes Éxitos: Obra en cine y video

Martín Sastre (Uruguay, 1976)

Sastre trabaja principalmente en video pero también ha incursionado en la fotografía, la escultura, el diseño y -como se podrá ver en este ciclo dedicado a parte de su obra- en la dirección cinematográfica.

En 2002, como becario de la Fundación Carolina, empieza la realización de la Trilogía Iberoamericana y se instala en Madrid donde desarrolla parte de su obra. Sastre ha participado en las Bienales de La Habana (2003), São Paulo (2004), donde exhibió el segundo episodio de la Trilogía, y Venecia (2005).

En 2004 recibió el Primer Premio ARCO para Jóvenes Artistas y en 2008 el Premio Faena al Arte Latinoamericano.

En el 2010, Martín Sastre dirige su primer largometraje, Miss Tacuarembó, y en el 2016 estrena el documental Nasha Natasha, donde sigue los pasos de Natalia Oreiro en su gira por Rusia. Sobre su doble identidad de artista y director de cine, Sastre afirma “es como Superman y Clark Kent, son una misma persona con dos nombres”.

PROGRAMA

Lugar: Auditorio del MALI (Paseo Colón 125 – Parque de la Exposición – Lima)
Ingreso libre a todas las funciones
7pm

Martes 1ero de agosto
Presentación a cargo de José-Carlos Mariátegui (Alta Tecnología Andina, ATA)

Trilogía Iberoamericana (2002-2004)

Videoart: The Iberoamerican Legend (2002, 13 min)
Montevideo: The Dark Side of the Pop (2004, 13 min)
Bolivia 3: Confederation Next (2004, 12 min)

La serie Trilogía Iberoamericana es una trilogía ambientada en un futuro
en el que América Latina es la potencia cultural que domina el mundo.  ​

“El uruguayo Martín Sastre utiliza ese nivel sofisticado de producción para equiparar su obra con producciones del Primer Mundo, pero develando y evidenciando temas del Tercer Mundo. […] Sin obviar el lado cómico de su obra, conviene señalar también un aspecto crítico no solo relacionado al mainstream, sino al uso del poder político y social, lo que hace de esta trilogía una propuesta inteligente y reflexiva, a la que el espectador accedee ingresa por el placer, el gusto de escuchar una buena música y de sentir y vibrar con imágenes que utilizan muchos de los elementos de la cinematografía publicitaria en el logro de un impacto visual y sonoro inmediato.”
(José-Carlos Mariátegui y Jorge Villacorta, Videografías Invisibles, 2005).

100 años de cine argentino (2014)

Duración total: 17 min
Intérpretes: Cecilia Roth, Mercedes Morán y Natalia Oreiro

Para conmemorar 100 años de cine argentino, el INCAA junto con otras instituciones, organizaron un Concurso Federal de Cortometrajes para el cual Sastre realizó los tres primeros cortos promocionales. Los remakes, protagonizados por Cecilia Roth, Mercedes Morán y Natalia Oreiro despliegan un sinfín de referencias a la cinematografía argentina desde la mirada paródica que caracteriza al realizador.

En este proyecto, Sastre involucra a LALA (Link Audiovisual Latino Americano), una plataforma online que pone al servicio de su comunidad diversos proyectos relacionados con el mundo audiovisual.

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Miércoles 2 de agosto
Conversatorio con la presencia del director, Martín Sastre

Miss Tacuarembó (2010)

Director: Martín Sastre
Duración: 92 min
Género: Comedia, drama, musical
Intérpretes: Natalia Oreiro, Diego Reinhold, Mirella Pascual, Rossy de Palma y Mike Amigorena 

La primera película del artista uruguayo Martín Sastre narra la historia de Natalia (Sofía Silvera), una niña que aspira a salir de su pueblo natal, Tacuarembó (Uruguay) para convertirse en una estrella, como aquellas que ve en la novela Cristal o la película Flashdance. Convertirse en Miss Tacuarembó es la única manera de lograr este objetivo. Narrada en paralelo está la historia de Natalia en la actualidad (Natalia Oreiro) quien a sus treinta años se dedica a cantar en un parque temático religioso en Buenos Aires, actividad que dista mucho de su sueño cuando niña. Ambientada en los años 80, la película está basada en la novela homónima de Dani Umpi. Las canciones fueron compuestas por Ale Sergi (Miranda).

En palabras de Sastre, la película “podía ser una comedia musical, un musical religioso, una comedia romántica o costumbrista, un thriller, una película, un vídeo clip, porque es todo eso junto. Posiblemente un multigénero audiovisual que podríamos definir como Comedia Pop” (“El cine español es uruguayo”, El País, 13 de mayo de 2011)

Miss Tacuarembó es una coproducción de Uruguay, Argentina y España ganadora de la sección Zonazine del Festival de Málaga (mejor película y mejor guión) y nominada a seis premios Cóndor de Plata por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina.

INVIDEO – Mostra internazionale di video e cinema oltre (Milán)

En los años noventa, el videoarte en el Perú no se consideraba parte de las artes visuales establecidas; se mantenía al margen, lo que le permitía un nivel de independencia que favorecía las indagaciones visuales más audaces. Aquella amplitud no solo se evidenciaba por  la variedad y el grado de experimentación en los trabajos realizados, sino también por las formación multidisciplinar de las personas vinculadas a su producción, que en algunos casos no tenían estudios artísticos formales. En la segunda década del siglo XXI el videoarte peruano ha dado un giro significativo, y una parte de su producción creciente está plenamente integrada al contexto de las artes visuales, con todo el compromiso institucional que esto muchas veces conlleva. Muchos de estos artistas producen video como parte de un repertorio mayor de formatos como la fotografía, la instalación o la escultura. Tratar de enmarcar a estos creadores como artistas de video exclusivamente puede ser complicado actualmente, ya que en muchos casos su obra audiovisual se complementa e influencia con otros medios y viceversa. Este es el caso de los artistas seleccionados en esta muestra, los cuales realizan obras de diversos géneros artísticos, y el videoarte es una constante en su panorama producción.

Selección:

-Elena Damiani, “Brighter than the moon”, 2016, 08′:16″, Lima
-Ximena Garrido-Lecca, “Contornos”, 2014, 10´:45¨, Lima
-Carlos Troncoso, “Av. Huaylas a 30 fotogramas por segundo”, 2010, 06´:17¨, Lima
-Maricel Delgado, ”Insistir”. 2014. 07´:23´´, Lima
-Katherine Fiedler, “Inabarcable”,2015, 02´:52¨, Lima
-Christian Alarcón,” VII Pulgadas”, 2014, 12´:00¨, Lima
-Diego Lama, “De falso a legal en una toma”, 2015, 04´:00¨, Lima
-Alan Poma y Aldo Cáceda, “La Victoria sobre el Sol”, 2015, 20´:00¨, Lima

Curadores:

José-Carlos Mariátegui (Lima, 1975)
Escritor, curador y emprendedor en cultura, nuevos medios y tecnología. Estudió Biología y es Bachiller en Matemáticas Aplicadas por la Universidad Peruana Cayetano Heredia (Lima). Tiene una Maestría (MSc) y Doctorado (PhD) en Sistemas de Información e Innovación por la London School of Economics and Political Science – LSE (Londres). Fundador de Alta Tecnología Andina – ATA (www.ata.org.pe), dedicada al desarrollo de proyectos en arte, ciencia y tecnología en América Latina. Ha sido curador de importantes exhibiciones de arte y tecnología a nivel internacional. Miembro del Comité Consultivo del Ministerio de Cultura y del Comité Editorial de la Leonardo Series, libros sobre arte, ciencia y tecnología publicados por MIT Press (USA).

Angie Bonino (Lima, 1974)
Estudió artes plásticas en Bellas Artes en Lima – Perú. En 2005 recibió la beca de Master en Sistemas Interactivos en el Audiovisual -Mecad – Universidad Ramón Llull de Barcelona, España y luego la beca para el Máster en Seguridad Informática. Comunidad Europea 2006-2007. Directora de la Bienal VIDEOAKT que se realizó en Barcelona y Berlín del 2008 al 2015. Artista multidisciplinaria, entre sus últimas exposiciones individuales destacan la del MAC – Lima, Museo de Arte Contemporáneo de Lima – Perú 2014 y en 2015, la exposición individual “Cuando la Tierra habla – Galería Forum – Lima. Docente de la Escuela Nacional de Bellas Artes ENSABAP, Lima- Perú. http://www.angiebonino.com

Página oficial

 

Antología de Marco Pando en la BIM

Marco Pando: Reconstruyendo el Tejido Cinemático como Experiencia Performativa

Una vez más ATA participó en la BIM (Bienal de la Imagen en Movimiento – Buenos Aires) apoyando la realización de la proyección de la obra fílmica del artista peruano Marco Pando (Cajamarca, 1973), acompañado de la instalación Spider. Este programa busca sentar un precedente en la difusión de la cinematografía peruana en su vertiente experimental en el marco de un importante encuentro donde confluye el mundo audiovisual tanto como el del arte contemporáneo.

El programa reúne siete films de Marco Pando realizados entre 2003 y 2016. Formado entre Lima y Ámsterdam, el autor presenta inquietudes propias del migrante, así como el fuerte vínculo que lo une a la cultura cinematográfica, pues su familia fue dueña del primer cine de Cajamarca, su ciudad natal. Este hecho también lo lleva a generar intervenciones sobre la imagen en movimiento.
La técnica que utiliza en sus primeros films consiste en el raspado de fragmentos de celuloide (las llamadas “colas”, que permitían insertar la película que se iba a proyectar en los cines) previamente pintados y dispuestos horizontalmente para crear cada uno de los fotogramas de la animación. Al ser un trabajo altamente artesanal, hay elementos que también surgen de forma espontánea mientras trabaja sobre el material, y le dan un carácter casi performativo. Los trabajos de Pando fueron transferidos a celuloide por The Eye Film Institute (Países Bajos), recobrando así la “materialidad” perdida en el proceso de digitalización y edición de sus animaciones. El resultado final es un film híbrido entre lo digital y lo cinemático que produce un constructo imposible de definir de una sola forma, pues incluye también elementos “precinemáticos”, como el dibujo a mano alzada, y que guarda el rastro de las tiras de celuloide utilizadas como material de reciclaje, creando así una suerte de puesta en abismo del material fílmico.

En el trabajo de Pando hay cierta nostalgia de la pérdida del ritual propio de la salas de cine, sobre todo en provincias donde los cines han sido vendidos o transformados. En “El fin del cine”, el autor reconstruye imágenes de las fachadas de viejas salas que operaban mediante carbón para encender los proyectores. “El rey de los cerros”, por su parte, fue una instalación en donde el film del mismo nombre fue proyectado por el propio Pando dentro de una carpa que emulaba la forma de un cine antiguo.

Si bien la nostalgia es perceptible en la obra de este artista, no hay en ella un deseo de mantener el material fílmico alejado de cualquier proceso que atente contra su “pureza”. Por el contrario, la elaboración de sus primeros films refleja el carácter intercambiable de los soportes. Se podría quizás establecer un paralelo entre la migración de los soportes y la migración geográfica evocada en películas como “Turista Hitchcock”, “Rey de las montañas”, “Mariposa de la frontera” o “El bote”.
La performance en la que Pando se inicia en su rol de proyeccionista se prolonga en films como “El bote” y el reciente “8 horas de trabajo”, y –de forma menos explícita– en el film de animación “Ciudad pulmón blanco”, donde el álter ego del autor recorre la ciudad de Lima dibujando la silueta de un pulmón. En “El bote” y “8 horas de trabajo”, Pando traslada el cariz fantástico, confuso, irracional y altamente onírico de sus animaciones a los valores de producción en el campo de la imagen en vivo.

Página oficial

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POETRÓNICO abreviado: Una introducción a Gianni Toti

Se presentó una pequeña selección de las obras de Gianni Toti en la Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM), en Buenos Aires, Argentina, a modo de introducción de la obra de Toti y también como parte de las itinerancias que deseamos realizar para POETRÓNICO.

La selección muestra algunos trabajos breves, pero representativos, de sus etapas de videocreación. La selección empieza con el documental PlaneToti-Notes, realizado por la investigadora Sandra Lischi, amiga cercana y colaboradora del autor, en el que se retrata la fascinante vida de Toti y su particular forma de crear. La siguiente obra L’ordine, il caos, il phaos, es parte de la serie El imaginario científico, que Toti llevó a cabo inspirado en los últimos avances científicos, desde los cometas descubiertos en aquella época hasta la computarización médica. Esta obra trata sobre los nuevos modelos mentales, que incluyen particularmente la teoría de fractales. Le siguen las dos piezas cortas Tennez Tenis y L’originedite, que muestran el desarrollo abstracto de su experimentación en videopoesía durante los años noventa. Por último, la obra Canto vegetal a Pachamamacoca, es una obra que se realizó en conjunto con Marko Mormil y Elisa Zurlo, y es presentada como una alegoría inspirada en figuras de la cultura latinoamericana, con la cual Toti tuvo una relación muy estrecha.

Página oficial

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‘Sanzu El Río’, de Carlos Runcie Tanaka

Carlos Runcie Tanaka, destacado artista peruano presentó “Sanzu el río”, su más reciente intervención en las Salas Siete Setenta y Raúl Porras Barrenechea del Centro Cultural Ricardo Palma.

Curada por Jorge Villacorta y José Carlos Mariátegui, la muestra toma como referencia la festividad japonesa llamada Obon, cuya costumbre de origen budista consiste en recordar a los antepasados que cruzan un río para encontrarse con sus seres queridos vivos. En la recreación del encuentro estos familiares los reciben con agasajos de bebidas y viandas.

La costumbre espiritual es tomada por el artista quien, con elementos como la escultura de papel, el vídeo y un texto del también artista peruano Eduardo Tokeshi, construye metáforas que recorren el espacio como memoria y traen consigo el presente y el futuro.

La muestra estuvo del 9 de setiembre al 9 de octubre en las salas de exhibición del Centro Cultural Ricardo Palma, en Miraflores, Lima – Perú

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metadATA

20 años de cultura, arte y tecnología

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La “metadata” son los datos que describen las características de un objeto digital, permitiendo su búsqueda y navegación en el universo de datos en el que vivimos. La metadata es fundamental en un ecosistema digital cambiante, pues permite acceder fácilmente a la información. Alta Tecnología Andina ha sido un referente en el desarrollo de la cultura, el arte y la tecnología desde 1995; organizando festivales, exhibiciones, producciones, debates y colaboraciones en el Perú, América Latina y a nivel global. El título es un juego de palabras que pretende relacionar el término “metadata” al concepto de la muestra, concebida como un gran repositorio de información estructurada, que ha ido creciendo a lo largo de veinte años de actividad.

Salas Raúl Porras Barrenechea y 770
Centro Cultural Ricardo Palma de la Municipalidad de Miraflores
Inauguración: Viernes 3 de junio, 7pm

ver la cronología de ATA.

La diseño visual muestra fue realizado por IS creative Studio y fue seleccionado por Galería de Behance. 

metadATA. 20 años de Cultura, Arte y Tecnología  Visita guiada metadATA con Angie Bonino y José-Carlos Mariátegui    

 

Selección de videoarte para PArC 2016

Con motivo de la edición número 4 de la feria de arte PArC (Perú Arte Contemporáneo) ATA realizó la curaduría de la muestra de videoarte, conformada por obras de artistas que trabajan con las galería participantes.

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PROGRAMA GENERAL

  • VERMELHO
    Iván Argote
    Blind Kittens
    2014
  • WALDEN GALLERY
    José Vera Matos
    Ryszard Jaxa M / Museums Also Die
    2014
  • GALERÍA IMPAKTO
    Gregory Scott
    Warholian
    2014
  • GALERÍA DEL PASEO
    Diego Lama
    De falso a legal en una toma
    2015

Diego Lama PARC

  • LUCÍA DE LA PUENTE
    Patrick Tschudi
    Instant Traveller
    2014José Luis Martinat
    Bedrock City
    2006 
  • ISLA FLOTANTE
    Leticia Obeid
    Fantasma
    2016

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  • Y GALLERY
    Enrique Ježik
    Mapa trazado con herramientas de destazar
    2013
    Bjorn Melhus
    Freedom & Independence
    2014

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TRES TRÍPTICOS

  • LA GALERÍA
    Katherinne Fiedler
    Mañana, todavía
    2014

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  • WU GALERÍA
    Arturo Kameya
    Punto Ciego
    2015
  • QUIMERA
    Ezequiel Montero Swinnen
    Conversaciones (la distancia más corta entre dos personas)
    2014

 

 

POETRÓNICO en Casa de la Literatura Peruana

La muestra POETRÓNICO. Gianni Toti y los orígenes de la video poesía, retrospectiva sobre la obra del artista italiano Gianni Toti, considerado el padre de la videopoesía, se adaptó para exponerse en la Casa de la Literatura Peruana. Estuvo abierta al público durante todo el mes de febrero de 2016. Aquí una entrevista a José-Carlos Mariátegui, director de ATA, sobre la muestra.

 

POETRÓNICO en Casa de la Literatura Peruana

Asimismo, se realizaron dos conferencias en el contexto de la muestra:

  • Gianni Toti y la utopía del lenguaje transracional: SqueeZangeZaúm

A cargo de Jorge Villacorta y Alan Poma, donde se conversó sobre el zaúm como lenguaje transracional de los futurianos rusos, y la manera en que Gianni Toti busca en el squeeze zoom un equivalente.

  • Gianni Toti y Lewis Carroll 

A cargo de Jorge Vllacorta, en la que se proyectó la película “Alicia en el país de las cartavillas”, una versión de la fábula de Lewis Carroll en épocas modernas, basada en el mundo industrial de fabricación de papeles. Jorge Villacorta realizó una introducción a los juegos lingüísticos de Gianni Toti y su relación con los de Lewis Carroll en las dos “Alicias”.

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