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Codex Nuestro (Que estás en España) – Acción convocada por Martín Sastre

ATA apoyó en la realización de la acción Codex Nuestro (que estás en España), convocada por el artista uruguayo Martín Sastre y el Museo de Arte Contemporáneo de Lima, que consistió en la realización de una copia del Codex Trujillo por los ciudadanos peruanos.

El Codex Trujillo es un conjunto de acuarelas del siglo XVIII que muestran la vida y las costumbres de la población del virreinato de Perú. 136 acuarelas pertenecientes a este Codex fueron subastadas en junio pasado en España. A pesar de que el Perú fue el único postor las acuarelas no pudieron volver al país pues el gobierno español usó su derecho de preferencia a compra primera. Martín Sastre invitó a artistas y público en general a hacer una copia de todas las acuarelas del Codex. De esta forma el documento vuelve a su país de origen gracias a sus propios ciudadanos.

La acción se llevó a cabo el jueves 3 de agosto en el Museo de Arte Contemporáneo, aquí algunas imágenes del evento

 

POETRÓNICO: Ciclo de conferencias y proyecciones

Como complemento a la muestra retrospectiva de la obra de Gianni Toti, hemos organizado una serie de conferencias y proyecciones que expanden la visión del imaginario de Toti.

Las actividades se realizarán en la misma Sala 1 del Museo de Arte Contemporáneo en Barranco y son de ingreso libre.

– Martes 10 de noviembre / 7:00PM
CONVERSATORIO: Gianni Toti y su influencia en las artes electrónicas peruanas

Gianni Toti visitó el Perú en el año 1995 para presentar una pequeña selección de su obra. Luego empezó a trabajar en la trilogía “Tupac Amauta” que es un homenaje al fuerte vínculo que había cultivado con América Latina y el Perú. Aquel primer viaje fue clave para la gestación de ATA y las primeras colaboraciones locales e internacionales que dieron lugar a una etapa bastante prolífica en el campo de las artes electrónicas en el Perú.

Participan: José-Carlos Mariátegui y José Javier Castro
Nota: Durante ese día la Proyección Central pasará en continuado la trilogía “Tupac Amauta”.

– Miércoles 2 de diciembre / 7:00PM
CONVERSATORIO: El imaginario científico

Tomando como base los trabajos “El Imaginario Científico” que Gianni Toti produjo en el año 1986 (y que son parte de la muestra) con el apoyo de la sociedad de música informática y que fueron presentados en la ciudad de las ciencias y la industria de Paris (La Villette) este conversatorio tratará sobre el impacto de estas obras y la relación del arte con la ciencia, desde el campo de las teorías cósmicas y la estructura final del universo hasta la ciencia médica para estudios del cuerpo humano.

Participan: Jorge Villacorta, Angie Bonino y Umberto Roncoroni
Nota: Durante ese día la Proyección Central pasará en continuado la serie “El Imaginario Científico”.

– Miércoles 9 de diciembre / 7:00PM
PROYECCIÓN: E di Shaùl e dei sicari sulle vie da Damasco (117min, 1973). Marxismos e ideologías a través de las luchas de clases desde la crucificción hasta las insurrecciones de los fedayines.

Presentada por Ricardo Bedoya.

– Jueves 10 de diciembre / 7:00PM
CONVERSATORIO: Poesía experimental

Tratará sobre la obra precursora de Toti, considerado el padre de la video poesía, que él definió como un espacio de experimentación en el campo metafórico y alegórico del lenguaje electrónico vinculando literatura, cinematografía, lingüística y fusión de otras disciplinas con la perspectiva de obra de arte total y de syntheatrónica.

Participan: Luis Alvarado, Jorge Luis Chamorro y Juan Daniel Molero

 Martes 12 de enero / 7:00PM
Conferencia magistral de clausura de la exposición:
PLANETOTI. EL IMAGINARIO DE GIANNI TOTI

Por Sandra Lischi (Italia). Catedrática de la Universidad de Pisa, especializada en temas de video arte, colaboradora en varias de las obras de Toti y autora del documental PlaneToti – Notes.

Aquí la información sobre la muestra

 

 

POETRÓNICO: Gianni Toti y los orígenes de la video poesía

Información sobre el Ciclo de conferencias y proyecciones

En el contexto de la celebración de los 20 años de la labor de ATA, estamos preparando una exposición retrospectiva de la obra de Gianni Toti, uno de los padres de la video poesía y del video experimental. Si bien ya hemos presentado obra de Toti anteriormente, esta muestra sería la primera en presentar una selección prácticamente completa en Latinoamérica, además de ser la obra con la cual ATA empezó su labor cultural, cuando Gianni Toti visitó Lima en 1995.

La muestra estará en la Sala 1 del Museo de Arte Contemporáneo (MAC), desde el viernes 23 de octubre de 2015, al martes 12 de enero de 2016.

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¿Quien es Gianni Toti?
Gianni Toti (1924-2007) es considerado el padre de la video poesía y unos de los más importantes autores de video arte a nivel internacional. Su rica biografía, como poeta, escritor, autor de películas y piezas teatrales, dibuja el perfil de un intelectual orgánico que confronta infatigablemente la profundidad teórica y la actividad cultural con iniciativas editoriales y con intervención militante a partir de su actividad en la resistencia romana y luego como periodista y enviado especial del diario L’Unitá.

Cronología de Gianni Toti

POETRÓNICO. Gianni Toti y los orígenes de la video poesía
La importancia de Gianni Toti
La voluntad de experimentar lenguajes nuevos y su vocación al desmontaje lógico-sintáctico de la palabra, que marca su poesía, le hace descubrir el video, empujando a límites extremos la poesía de la imagen electrónica como suma de todas las artes, la concretización del sueño de un arte total. Toti realiza algunas videopoesías en el sector de la investigación y experimentación de la RAI (Radiotelevisione italiana), inaugurando una carrera en la que habría de realizar (más en el exterior que en Italia) 13 obras, mejor definidas como VideoPoemOperas, dada la síntesis de lenguajes musicales, imaginativos y poéticos que las caracterizan. Del analógico al digital, retornan los temas de toda la trayectoria totiana: la investigación sobre la palabra, sobre la base de muchos poetas experimentales –entre los cuales figuran Mayakovski y Chlebnikov, Hölderling y Mallarmé–. Pero Toti no solo trabajó en el campo de la síntesis del lenguaje: para la Cité des Sciences et de l’Industrie de París realizó en 1986 siete VideoPoemas dedicados al imaginario científico.

Toti en América Latina y el Perú: el legado y el contexto peruano
El vínculo de Toti con América Latina se inicia en Cuba, con una aparición en la película “Memorias del subdesarrollo” de Tomás Gutiérrez Alea donde participa de una escena en una mesa redonda sobre la situación cubana de la que participa Gianni Toti junto con René Depestre, David Viñas y Edmundo Desnoes. Durante los años 80 y 90 participó activamente en Festivales y manifestaciones de video en América Latina. En el Centro Internacional de Creación de Video (Montbéliard, Francia), el mítico Centro Pierre Schaeffer, Toti realizó sus más grandes y últimas creaciones, como “Planetopolis” un ensayo poético sobre la utopía negativa de la ciudad planetaria ininterrumpida y “TupacAmauta” que llevó por primera vez la figura de dos de los más grandes pensadores del siglo XX: José Carlos Mariátegui y Antonio Gramsci. De esta forma Toti lleva el pensamiento latinoamericano al dominio metafórico y alegórico del lenguaje electrónico pasando del área semántica de la literatura y cinematografía a la fusión de todas las artes con la perspectiva de obra de arte total y de syntheatrónica.

Ver la web con el homenaje que le hicimos a Toti en el año 2007.

Sabes qué es el Totiano?  descúbrelo aquí.

 

 Dialogo digitale del corpo umano1 Incatenata alla pellicola-1 L'arnia cosmica L'ordine, il caos, il phaos Per una videopoesia-1 Tenez Tennis-1 Terminale Intelligenza-2


SELECCIÓN

Planetopolis
126 min
1994

Primera creación audiovisual que Toti definió como “VideoPoemOpera” y que intenta llevar el video al límite de sus capacidades visuales y técnicas. Trata sobre la distopía (utopía negativa) de la ciudad ininterrumpida que cubre el planeta y es regulada por la pesadilla humana y la poética del “homo electronicus”. Planetopolis es una obra de altísima complejidad visual y sonora, donde se sintetizan en forma heterogénea material de archivo, imágenes fílmicas de Lang, Eisenstein, Marker, Pennebaker, Lanoli, efectos especiales y animación, que aluden a una transforamción planetarial dentro de un confín de video. A nivel sonoro se está configurada por un lenguaje compuesto por diez idiomas e incorpora música procesada a partir de cincuenta canciones de compositores clásicos y modernos.

 

Experimentos en Video Poesía

Toti es considerado el padre de la video poesía pues usó el video como un medio de experimentación que le permitió expandir el campo metafórico y alegórico del lenguaje para vincularlo con la literatura, cinematografía, lingüística y otras disciplinas con la perspectiva de elaborar una obra de arte total. En sus inicios fueron un conjunto de video poemas breves, con músicas elaboradas al revés y en diferentes intervalos, pero con el pasar de los años estos video poemas incorporaron imágenes digitales y virtuales que también cuestionaban visualmente la realidad que nos provee la tecnología.

  • Per una videopoesía (50 min, 1980)
  • Tennez Tenis (15 min, 1992)
  • Aca Nada (27 min, 1998)
  • L’Originedite (18 min, 1994)
  • Monteveritazione (17 min, 1991)

 

Trilogía Maiakosvkiana

Es la historia de Sakavannaia filmoi, la película escrita en 1918 por el  célebre poeta ruso Vladimir Maiakovski e interpretada por él y Lili Brik. Se basa en 2 minutos y 40 segundos de película original que fue salvada de un incendio y que Lili Brik obsequia a Gianni Toti. Resulta significativo el ingenio de Toti y la utilización de los nuevos lenguajes del arte electrónico en el campo de la post-producción para producir casi 3 horas de obra original a partir de un pequeño fragmento de film. Como nota curiosa, Toti acusó a Woody Allen de haberse “inspirado” en exceso en su trilogía, o en Maiakovski, para realizar su película La rosa púrpura del Cairo.

  • Valeriascopia (26 min, 1983)
  • Incatenatta alla pellicola (60 min, 1983)
  • Cuor di Telema (83 min, 1984)

 

El Imaginario Científico

Toti produjo en el año 1986, con el apoyo de la sociedad de música informática y la ciudad de las ciencias y la industria de Paris (La Villette) una serie de video creaciones que versan desde la relación de teorías cósmicas, la estructura final del universo, geometría fractal, atractores extraños, antimateria y ciencia médica para el estudio del cuerpo humano. Las imágenes del hombre y la máquina dialogan de forma armoniosa en estos trabajos. Muchas de estas obras fueron trabajadas a partir de discusiones que Toti sostuvo con reconocidos científicos, insumo que le permitió producir imágenes técnicas de alto nivel de sofisticación.

  • Dialogue Digital du Corps Humain (27 min, 1986)
  • l’arma cosmica (8 min, 1986)
  • L’ordine, il caos, il phaos (24 min, 1986)
  • A la Recherche de L’Anti-queue Imaginée (17 min, 1986)
  • I raggi cosmici e l’odoscopio (5 min, 1986)

 

Tupac Amauta

Esta trilogía, compuesta de un canto y dos gritos, es un homenaje a Latinoamérica, a José Carlos Mariátegui y a Antonio Gramsci, donde el área semántica de la literatura y cinematografía histórica se fusionan con las imágenes electrónicas creadas de novo para plasmar la palabra en movimiento. En el segundo grito, Toti nos ofrece las Sonatas en Rojo Mayor, junto con las imágenes del Monumento a la Tercera Internacional así como mitos indígenas como la Serpiente Emplumada de Quetzalcóatl. El tercer grito hace alusión a los triunfos de la ignorancia y la muerte, hoy día representada por el capitalismo.

  • Tupac Amauta (53 min, 1997)
  • Gramsciategui ou les poesimistes  (55 min, 1999)
  • Il trionfo della morte materiale di lavorazione (23 min, 2003)

 

PlaneToti-Notes
31 min
1997

La investigadora en nuevos medios Sandra Lischi realizó este video retrato sobre Gianni Toti con un corte de documental experimental, donde presenta su peculiar universo intelectual y personal así como etapas de su proceso creativo.

Click aquí para descargar la nota de prensa

Muesta: Videoarte[01]

01

Muestra curada por ATA, conceptualizada por José-Carlos Mariátegui, en el Museo de Arte Contemporáneo de Lima (MAC), que se dividió en dos espacios:

In the Country of Last Things
Video Instalaciones de Gabriela Golder y Charly Charly Nijensohn
Parafraseando el título de la novela de Paul Auster, esta selección se compone de dos obras vinculadas con la desaparición absoluta de los artefactos informacionales y tecnológicos que circundan nuestras vidas. La obra de Nijensohn, parte de la búsqueda por descifrar nuestra relación con ambientes extremos, aquellos en donde el hombre contemporáneo no habita. Ambientes naturales en donde el hombre resulta un invitado, un ser transitorio. La obra de Golder relata una conversación anterior que inunda un espacio deshabitado; un espacio consumado de artefactos en desuso donde se reflejan las historias que los rodearon. Ambas obras manifiestan la aprensión humana por los espacios extremos en donde la ímpetu del ambiente acapara cualquier rasgo de existencia vital.

Reopening the Black Box of Technology
Parafraseando el título de un artículo fundamental del teórico de información Jannis Kallinikos, esta selección busca descifrar algunas tendencias del video contemporáneo. Para ello se han organizado cuatro selecciones: una antología histórica de la obra de Gabriela Golder (Argentina) y Miguel Alvear (Ecuador); una selección titulada “Abstractos y Animados” que presenta obras que lindan entre la animación, la imagen sintética, el cuadro por cuadro y otros constructos que cobran vida desde la inmaterialidad; finalmente, una selección de Video Arte Peruano Contemporáneo.

invitación charly nijensohn

Selección de videoarte de PArC 2013

Los mismos organizadores de la exitosa LimaPhoto preparon una feria mucho más ambiciosa en el Museo de Arte Contemporáneo de Barranco. Participaron 30 galerías extranjeras y 10 peruanas.

La selección de videoarte estuvo a cargo de ATA, bajo la curaduría de José-Carlos Mariátegui. La selección estuvo conformada por cuatro programas, dos programas dedicados a dos reconocidos realizadores latinoamericanos, Gabriela Golder y Miguel Alverar y los otros dos fueron cada uno una muestra del videoarte latinoamericano contemporáneo visto desde distintas perspectivas.

Programa de videoarte PArC 2013:

Gabriela Golder
Gabriela Golder es una de las más reconocidas creadora de video experimental de América Latina.  Sus obras recibieron diversos premios, entre otros el “Sigwart Blum” de la Asociación de Críticos de Arte de Argentina, el Media Art Award del Zentrum für Kunst und Medietechnologie, Alemania, el primer Premio en el Salón Nacional de Artes Visuales, el primer premio en Videobrasil, el gran premio en el Festival Videoformes, Francia y el Tokio Video Award, Japón. Es además curadora independiente, profesora en diversas universidades de la Argentina y el exterior y  co-directora de CONTINENTE, Centro de Investigación en Artes Audiovisuales, de la Universidad Nacional Tres de Febrero, en Argentina, así como Directora de la Bienal de Imagen en Movimiento (BIM).  Es la primera vez que viene presenta una selección antológica en el Perú.

Bestias (Video) 13min, 2004
Gestos de desesperación. Algunas imágenes vuelven insistentemente y quedan impregnadas en la memoria. Y como flujos del inconsciente, como chorros de color, en movimientos casi fisiológicos, se revelan.
Imágenes y sonidos registrados durante las manifestaciones de los días 19 y 20 de diciembre de 2001 en Buenos Aires.

Desamparo (Video+super8) 2min, 2012
Un instante, una imagen como un suspiro. El acto de mirar, ver y no. Una posible partida.

Loucos de Amor (Video) 14min, 2009
El video muestra una puesta en escena en la que dos niñas leen, en voz alta, fragmentos de una adaptación de la pieza de teatro de Sam Shepard “FOOL FOR LOVE”. Las dudas, la extrañeza ante la lectura del texto, los comentarios espontáneos en relación con el texto, algunas veces refuerzan, otras contrastan con la noción de amor desgarrado, casi imposible.

Vacas (Video) 4min, 2002
25 de marzo de 2002. Rosario. Argentina. Alrededor de 400 vecinos del barrio Las Flores carnean vacas vivas que minutos antes se habían desparramado sobre el asfalto al volcar el camión que las transportaba.

La lógica de la supervivencia (Video) 6min, 2008
Sólo tres escenas conforman este video. 1. El gesto de la masa: una multitud se abalanza sobre comida. Es tiempo de saqueos. 2. Un joven es brutalmente reprimido. La policía lo arrastra y el joven intenta escapar. 3. El poder invisible que se transfiere por un rato a las manos de algunos elegidos. Grotesca distribución de la riqueza: Algunos arrojan bolsas con comida desde camiones. Son otros pero son los mismos.
El epílogo es muy corto, la historia es circular.

Posible (Video) 13min, 2002
–       Vas a irte enseguida?
–       Te dije eso?
Un intento de desplazamiento posible. Una mujer que se va. Se reitera: continuar, sin detenerse. Ella recorre un nuevo territorio Nadie grita. La indicación es de orden interior. Un momento en donde todo se transforma, y después la cosas no cambian más.

En memoria de los pájaros (Video) 17min, 2000
Llorar aun sin quererlo. No llorar, aunque quisiéramos. No poder detenerse en la búsqueda frenética por la identidad. Algunas imágenes lejanas, una lucha sórdida, una perdida total del sentido. Año 1976, la dictadura militar se instaura en Argentina y con ella el terrorismo de estado. Yo tenía 5 años.
Intento recomponer minuciosamente algunas piezas del pasado. Es una cuestión de tiempo estoy sin identidad.

 

Miguel Alvear
Miguel Alvear es un artista visual ecuatoriano que trabaja imágenes en movimiento, es decir video y cine. Alvear estudió cine, televisión y radio en el Institute de Arts de Diffussion, en Bélgica, y posteriormente obtuvo un MBA en la San Francisco Art Institute. Actualmente vive y trabaja en Quito y Guayaquil la producción de películas, vídeos, proyectos de arte público en los nuevos medios, y más recientemente proyectos fotográficos. Alvear es también uno de los más importantes investigadores sobre cine y video en el Ecuador y publicó recientemente “Ecuador Bajo Tierra”, publicación que aborda la producción audiovisual de autodidactas y aficionados en Ecuador.

Blak Mama, 95 min, 2009
Blak Mama es una ambiciosa realización experimental ecuatoriana dirigida por Miguel Alvear, que por primera vez se presenta en el Perú.  La película de corte neo-surrealista narra la historia de tres recicladores de papeles que deciden ir a rendir tributo a Virgin Wolf, una misteriosa deidad andina, junto a varios personajes fantásticos. La cinta obtuvo el premio Augusto San Miguel de cine ecuatoriano y es considerado por la crítica como el “Cremaster” latinoamericano.

 

Abstractos y Animados

Los medios digitales han generado un conjunto de habilidades cognitivas requeridas para llevar a cabo acciones de alta sofisticación, llevando así a la proliferación de nuevas formaciones simbólicas y culturales de la imagen.  Pero la imagen electrónica no sólo significaba una necesidad de abstracción mental, sino también el desarrollo de nuevas habilidades cognitivas para navegar y manipular los códigos visuales. “Abstractos y Animados” presenta obras que implican entre la animación, la imagen sintética, el cuadro por cuadro y otros constructos que cobran vida desde la inmaterialidad.

City (José Luis Martinat, 6min, Perú 2008)
“City” ha sido realizada con material de conocidas series animadas. El material es apropiado y alterado mediante la eliminación digital de los personajes protagónicos, así como del audio. Al eliminar estos elementos, la narrativa desaparece y el protagonismo lo toma los -casi siempre desapercibidos- backgrounds. De esta manera, el nuevo estado de las series “animadas” –desprovistas de animación- trae consigo la posibilidad de nuevas lecturas y asociaciones.

0720 (Marcellvs L., 9min, Brasil 2012)
0720 captura la nieve que cae por la noche bajo la luz de una farola. 0720 también puede ser visto como una metáfora de la indiferencia, lo que representa una tentativa de luz que da forma a la oscuridad. A pesar del movimiento del viento y su aburrida presencia por el sonido – paradójicamente reproducido en volumen alto -, las imágenes producidas y capturadas son casi estáticas y hacen que toda la instalación esté fuera de tiempo, una pieza abstracta que no se puede situar en la realidad, lo que nos devuelve a nuestra propia percepción del tiempo. Al igual que con Rizoma de Deleuze y Guattari, VideoRhizome de Marcellvs no tiene “principio ni fin, stá siempre en el medio, entre las cosas, interser, intermezzo”, resistiendo la progresión y la cronología.

Fe (Juan Pablo Villegas, 2min, México 2012)
Fe -un video que toma su nombre de símbolo químico del fierro, sin excluir su obvia connotación religiosa- es una obra que busca hacer visible lo invisible por medio de la observación de el efecto que tiene el electromagnetismo sobre la limadura de hierro. Utiliza el conocimiento científico para atrapar lo impalpable: la energía misma. Es una búsqueda de darle vida a lo inerte, con los ecos metafísicos del tributo a un Dios creador.

SiSiSiSiSiSiSiSiSiSiSi (Juan Camilo González, 5min, Colombia 2011)
La repetición incesante de gestos corteses. Un micro-universo se crea en 4 series de 11 piezas de papel en ciclos animados dibujados a mano.

Refundación (Eliana Otta, 5min, Perú 2011)
Desde dentro del emblemático Cerro San Cristóbal, en la ciudad de Lima, dos tigres emergen y se dirigen hacia Palacio de Gobierno. Como jugando, lo destruyen y lo dejan hechos escombros, de los que crecen flores y surgen mujeres que cantando y bailando celebran el inicio de un tiempo nuevo.
Animación en stop motion hecha con frazadas recortadas y estructuras de alambre para permitir su articulación.

FL studio Stop Motion (frutilupo 2) (Francisco Munguía Villalta (DJ Pulp), 1min, Costa Rica 2011)
FL studio es un programa para hacer música, ¿pero que pasaría si lo uso con fines gráficos para hacer una Animación en stop motion?, aquí el resultado del experimento (música creada con el mismo programa). Incluye parodias animadas en piano roll de Mario Bros, Pac Man, Break Out y Space invaders.

La Actualidad En Monos (Daniel Chonillo, 3min, Ecuador 2010)
Hace aproximadamente 80 años, el artista Virgilio Jaime Salinas publicaba sus caricaturas políticas en la sección “La actualidad en monos”, de la revista ilustrada Semana Gráfica. Hoy, las mismas caricaturas son presentadas entre la cotidianidad de la sociedad ecuatoriana. Poco ha cambiado en el tiempo transcurrido.

This is you (Diego Arias, 49s, Costa Rica 2011)
Apertura para un programa de televisión sobre esta persona que en realidad es usted.

Las Parcas – Láquesis (Nereida Apaza, 1min, Perú 2009)
Las Parcas, es un conjunto de tres animaciones que fueron creadas para exponerse en la Galería Virtual Celda en el mes de diciembre del 2009.
Láquesis es la segunda parca, ella decide el largo del hilo de cada una de las vidas, ella decide el tiempo de nuestras existencias. Usando la técnica de stop motion, con pocos recursos técnicos y un guión inspirado en el mito griego, la artista nos presenta su versión del mismo.

 

Video Arte Peruano Contemporáneo

La aparición de video arte peruano tuvo una etapa de apogeo inicial a finales de los años 90.  Sin embargo, en los últimos años este se ha venido expandiendo, y muchos de los artistas que producen hoy video no provienen únicamente del campo del arte visuales, sino desde otras prácticas.  Esto confirma el carácter innovador y abierto del video, que permite que creadores multidisciplinarios  se introduzcan en una exploración flexible.  Esta selección presenta algunos de los trabajos más recientes.

Machinery – Video No 1 (Luis Soldevilla, 3min, 2011)
Este video explora – de manera abstracta – el movimiento generado por las máquinas que “transportan” a los ciudadanos, y cómo estas máquinas transportan al mismo tiempo la energía necesaria para mantener el flujo vital de la ciudad. Por medio de la combinación del movimiento intrínseco de estos mecanismos (escaleras, ascensores y trenes) con el de un movimiento externo (movimientos de cámara), estas ideas de movilidad, energía y transporte adquieren un nuevo significado, generando una especie de vértigo y la idea que no tenemos norte o dirección.

Pulsar PG-520 (David Zink Yi, 12min, 2012)
Utilizando un estabilizador de cámara y en una sola toma, el artista camina entre los árboles rodeando algunos de ellos. El video se encuentra desenfocado, como si se tratase de una caminata entre sueños. Cada vez que la imagen encuentra el foco en la textura de un arbol, se escuchan fragmentos del segundo capítulo del cuento El Inmortal de Jorge Luis Borges. Hay un efecto extraño que se genera de la combinación de estos trabajos. Por un lado la referencia a un espacio urbano pero que desafía toda lógica propia de lo moderno y un espacio natural que se demuestra artificioso, equidistante, construido en perfecta simetría. Además del cuento mismo, que nos narra una ciudad de factura antiquísima que contradecía toda lógica evidente: una ciudad interminable, atroz y atemporal a la que se llega después de cruzar un un laberinto de túneles oscuros, el lugar de lo “complejamente insensato”.

The Act (Diego Lama, 3min, 2011)
La obra filmada en el congreso del Perú es conceptualizada como un cuestionamiento a la política económica del gobierno, y su compleja relación con el narcotráfico. En una coyuntura en la que el Perú ha dejado de ser un país del tercer mundo para regresar a ser el mayor productor mundial de cocaína, esta es utilizada para ironizar acerca de la hipocresía del chauvinismo en el Perú.

Intersticio (Elena Damiani, 5 min, 2012)
Intersticio traza la topografía de un lugar no específico – una zona intermedia entre dos puntos, pero particularmente un lugar mental de limites fracturados y de mayor amplitud a la de cualquier locación física. El video presenta, de lo general a lo especifico, una visión panorámica de un terreno de carácter cambiante y sin resolver formado por eventos segmentados que aparecen como vagas intermitencias dentro del paisaje.

La barra [cerca / lejos] (Luz María Bedoya, 8min, 2011)
La barra intenta señalar el eje inclinado que separaría las palabras “cerca” / “lejos”. Esa barra que, como frontera, es una tierra de nadie, bisagra en la que se producen las fluctuaciones en los apegos, las contradicciones, la elasticidad de las historias. Como un espacio que admite opacidades; siendo un corte, es al mismo tiempo contenedor de ambivalencias, desde donde se pueden proyectar condiciones distintas, incluso opuestas. En el video hay un cuerpo que se desplaza en un paisaje desértico, una imagen que desaparece como el espejismo al entrar o salir del encuadre. La ausencia, la presencia, lo imprevisto, la falta de ubicuidad y un desierto común.

and/or (Gabriel Acevedo, 8min, 2012)
La idea del video fue hacer un espacio híbrido entre museo de historia natural y aeropuerto. La pieza está inscrita en una serie de trabajos que vengo haciendo hace un par de años, que se enfoca en comparar el objeto de arte con instancias en las que se materializa la relación entre individuo e institución. En el caso de and/or, tiene sentido para mí visualizar la “aeropuertización” del mundo como una seductora amenaza. –G.A.V.

El Péndulo (Maya Watanabe, 15min, Perú 2012)
Tres cámaras orbitan alrededor de tres actores mientras éstos proclaman fragmentos de cada libro sagrado en su idioma original –o más representativo-: hebreo, latín y árabe. El guión se enfoca en las similitudes formales de los textos, encontrando puntos de convergencia, palabras o nombres, que emanan de la polifonía para sonar al unísono. El texto enunciado es intercalado con manifestaciones rítmicas tradicionales de cada culto religioso: cánticos de la Torá, cantos gregorianos y tilawats del Corán. Así, la progresión musical se dirige a desmantelar el sentido del texto hasta llegar a un “agotamiento” fonético de las palabras y, aunque manteniendo una lógica discursiva, los sonidos quedan reducidos a un espacio entre lo léxico y lo musical.

Play dead (Katherinne Fiedler, 1min, Perú 2012)
En una piscina flota  una niña de manera inerte. Dejándose llevar por el movimiento del agua, sustrayéndose de todo el entorno. La niña flota y se zambulle en el agua, primeros planos la siguen, hasta que al final aparece flotando boca abajo remitiéndonos a una muerte física. Play dead o jugar a estar muerta, es un acercamiento a la muerte y a nuestra naturaleza, a través de un acto simple pero contundente como es el juego de cerrar los ojos y sólo flotar abstrayendonos, acercándonos a nuestra naturaleza efímera de una manera  dócil , y entregada, con una innegable atracción y miedo a ella siendo conscientes de nuestra propia fragilidad. Conceptos como vida/muerte/naturaleza y mortalidad aparecen y se mezclan entre ellos. 

 

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