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Presentación del Grupo de Cine: “Liberación sin Rodeos” en el 22 Festival de Cine de Lima PUCP

Testimonio de un colectivo audiovisual peruano: el Grupo de Cine “Liberación sin Rodeos”

En 1971 el Grupo de Cine Liberación sin Rodeos, toma la iniciativa de proponer al Sistema Nacional de Apoyo a la Movilización Social (SINAMOS) la producción de un mediometraje que retrate un día en la vida de cuatro niños del pueblo de Ollantaytambo en el Cusco. Fue así que “Niños” (1974) dio lugar a la creación de este colectivo conformado por Carlos Ferrand, Marcela Robles, Nenée Herrera, Pedro Neira y Raúl Gallegos. Luego de esta realización el grupo visitó buena parte del Perú, lo que les permitió desarrollar una observación etnográfica sumada con un trabajo potente en la imagen registrada e innovando, con pocos recursos, en las formas de producción audiovisual de la época.

Emprendieron un trabajo colectivo consistente en un momento de reformas y conflictos sociales significativos en el Perú, donde los medios audiovisuales empezaban a cumplir el papel de movilizar a los ciudadanos, difundiendo un mensaje que combinaba la denuncia social y la propaganda revolucionaria, transmitiendo espontáneamente la realidad del país y el espíritu de cambio

El panel –moderado por José-Carlos Mariátegui– contó con la presencia de Carlos Ferrand, Raúl Gallegos, Marcela Robles y Pedro Neira, artífices del grupo de cine “Liberación sin Rodeos” quienes ofrecieron un testimonio de parte sobre el contexto de la década del setenta, así como una reflexión asociada al significado de ese importante momento de confluencia de un ideal cultural, social y político en el país. Finalmente, cada integrante comentó, en retrospectiva, sobre los proyectos que produjeron en grupo y cómo se relacionó con su práctica más reciente.

Rose Lowder: una introducción

Alta Tecnología Andina, en colaboración con el Festival Lima Independiente y con el apoyo de la Embajada De Francia En Peru, la Alianza Francesa de Lima y la Dirección del Audiovisual, la Fonografía y los Nuevos Medios del Ministerio de Cultura del Perú, presentan un foco sobre la obra de Rose Lowder por primera vez en el Perú, Además, Rose dará una masterclass y será parte del Staff de jurados de la Competencia Fronteras Destruidas.

Sobre Rose Lowder
Rose Lowder ocupa un lugar central en la historia del cine experimental, no sólo por su importante (e ininterrumpida) producción desde los años 1970, sino también por su labor como académica y gestora. Nacida en Lima en 1941, Lowder se interesa por diversas formas de expresión artística, a las que se inicia en los talleres de artistas peruanos y que luego continúa en universidades europeas. Lo que más resalta en su extensa filmografía (que cuenta con aproximadamente 40 films) es la atención prestada al entorno natural y los mecanismos de creación de la imagen en movimiento. Las obras, por lo general breves, han sido hechas, casi en su totalidad, en film de 16mm, mediante delicados y precisos métodos de montaje en cámara. Los films de Lowder pertenecen a colecciones como las del Museo de Arte Moderno de París, Art Gallery de Ontario y el MoMA; y se han presentado en festivales alrededor del mundo, siendo objeto de retrospectivas en espacios como el Art Institute de Chicago, California Institute of the Arts, Tate Modern y la Cinemateca Francesa.

Sobre su obra
Para algunos autores la obra de Rose Lowder presenta distintas etapas. En A filmic exploration by means of botanical imagery. Notes on Rose Lowder, Enrico Camporesi (2013) sostiene que la primera corresponde a una investigación artística estructural del medio cinematográfico, a partir del trabajo sin cámara del soporte fílmico. En este primer periodo, la cineasta trabajó con tiras de película de 16 mm transparentes, las cuales agujereó, para luego rastrear las líneas entre los agujeros con un marcador de tinta.

En palabras de la propia artista: “mientras que la tradición cinematográfica se ha construido sobre dos tipos de movimientos -el de la cámara y el de la realidad filmada- es en la preocupación por el mero mecanismo del aparato fílmico que se manifiestan las posibilidades inherentes en la organización de los cuadros individuales y el movimiento del soporte fílmico” (Lowder: 147). Dicho interés por la exploración del aparato fílmico, es una constante en su obra hasta la actualidad.

Una segunda etapa de su obra, se plantea a partir del uso de la cámara de 16 mm para componer una serie de films que revelan aspectos del mecanismo de proyección, y también del mecanismo de la percepción visual. La artista en una entrevista comenta: “(…) tú puedes construir una imagen en la pantalla con pedazos de diferentes cuadros. Puedes cambiar ligeramente partes de los cuadros o de varios cuadros – cambiar el color, el grosor de las líneas, lo que sea, y sucede una cosa totalmente diferente.” (Mcdonald: 219). Esta preocupación por el trabajo con la unidad mínima del cine, el cuadro, persistirá en sus películas de elementos urbanos, paisajistas, y sobretodo botánicos.

Método y proceso creativo
El método de trabajo de Rose Lowder, se lleva a cabo en el proceso de grabación, gracias al uso de una cámara de 16 mm que le permite fotografiar en dos tandas diferentes, primero los cuadros pares y luego los impares. Las composiciones de sus películas resultan en complejos esquemas, que implican un estudio del lugar, y los elementos a aparecer, tomando en cuenta elementos esenciales como la luz, movimiento, y color.  Tara Merenda (2015) compara al método científico con el método creativo de Rose Lowder, por el proceso de inducción que este implica. La cineasta dibuja a mano sus esquemas luego de filmar sus películas, como registro del proceso y como ilustración de la estructura resultante de estas. En la actualidad se pueden encontrar 800 páginas de información visual de 450 rollos de película aproximadamente, en un total de 5 cuadernos. Este trabajo minucioso y detallista resulta en un efecto de flicker, que recrea gentiles collages estroboscópicos, con un ritmo ligero y fluido.

Anat Pick en un artículo del Tate Museum (2014), menciona que en la obra de Rose Lowder convergen vida y arte. La cineasta crea una relación personal con los paisajes que retrata, para darle un lugar especial a la naturaleza que la rodea. En este sentido, para Pick el cine de Rose Lowder también funciona como medio de reflexión ecologista, al invitar al espectador a crear una nueva relación perceptual y personal con los elementos de la naturaleza.

Referencias
-Camporesi, Enrico. A Filmic exploration by means of botanical imagery. Notes on Rose Lowder. Amsterdam: Amsterdam Press. 2013, vol. 2, no. 1, Green.
-Lowder, R. Le Film expérimental en tant qu’instrument de recherche visuelle. Contribution des cinéastes expérimentaux à une demarche exploratoire. PhD dissertation, Université Paris X Nanterre, 1987.
-MacDonald, S. A critical cinema 3: Interviews with independent Filmmakers. Berkeley-Los Angeles: University of California Press, 1998.
-Mendelson, Tara. Scientific Creativity: The Notebooks of Rose Lowder. Afterimage online. Junio 2015.  <http://vsw.org/afterimage/2015/06/25/essay-scientific-creativity-the-notebooks-of-rose-lowder/>
-Pick, Ana. Rose Lowder Filming frame by frame. Tate Museum. Febrero 2014. <http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/rose-lowder-filmmaking-frame-by-frame>

 

Martín Sastre Grandes Éxitos: Obra en cine y video

Martín Sastre (Uruguay, 1976)

Sastre trabaja principalmente en video pero también ha incursionado en la fotografía, la escultura, el diseño y -como se podrá ver en este ciclo dedicado a parte de su obra- en la dirección cinematográfica.

En 2002, como becario de la Fundación Carolina, empieza la realización de la Trilogía Iberoamericana y se instala en Madrid donde desarrolla parte de su obra. Sastre ha participado en las Bienales de La Habana (2003), São Paulo (2004), donde exhibió el segundo episodio de la Trilogía, y Venecia (2005).

En 2004 recibió el Primer Premio ARCO para Jóvenes Artistas y en 2008 el Premio Faena al Arte Latinoamericano.

En el 2010, Martín Sastre dirige su primer largometraje, Miss Tacuarembó, y en el 2016 estrena el documental Nasha Natasha, donde sigue los pasos de Natalia Oreiro en su gira por Rusia. Sobre su doble identidad de artista y director de cine, Sastre afirma “es como Superman y Clark Kent, son una misma persona con dos nombres”.

PROGRAMA

Lugar: Auditorio del MALI (Paseo Colón 125 – Parque de la Exposición – Lima)
Ingreso libre a todas las funciones
7pm

Martes 1ero de agosto
Presentación a cargo de José-Carlos Mariátegui (Alta Tecnología Andina, ATA)

Trilogía Iberoamericana (2002-2004)

Videoart: The Iberoamerican Legend (2002, 13 min)
Montevideo: The Dark Side of the Pop (2004, 13 min)
Bolivia 3: Confederation Next (2004, 12 min)

La serie Trilogía Iberoamericana es una trilogía ambientada en un futuro
en el que América Latina es la potencia cultural que domina el mundo.  ​

“El uruguayo Martín Sastre utiliza ese nivel sofisticado de producción para equiparar su obra con producciones del Primer Mundo, pero develando y evidenciando temas del Tercer Mundo. […] Sin obviar el lado cómico de su obra, conviene señalar también un aspecto crítico no solo relacionado al mainstream, sino al uso del poder político y social, lo que hace de esta trilogía una propuesta inteligente y reflexiva, a la que el espectador accedee ingresa por el placer, el gusto de escuchar una buena música y de sentir y vibrar con imágenes que utilizan muchos de los elementos de la cinematografía publicitaria en el logro de un impacto visual y sonoro inmediato.”
(José-Carlos Mariátegui y Jorge Villacorta, Videografías Invisibles, 2005).

100 años de cine argentino (2014)

Duración total: 17 min
Intérpretes: Cecilia Roth, Mercedes Morán y Natalia Oreiro

Para conmemorar 100 años de cine argentino, el INCAA junto con otras instituciones, organizaron un Concurso Federal de Cortometrajes para el cual Sastre realizó los tres primeros cortos promocionales. Los remakes, protagonizados por Cecilia Roth, Mercedes Morán y Natalia Oreiro despliegan un sinfín de referencias a la cinematografía argentina desde la mirada paródica que caracteriza al realizador.

En este proyecto, Sastre involucra a LALA (Link Audiovisual Latino Americano), una plataforma online que pone al servicio de su comunidad diversos proyectos relacionados con el mundo audiovisual.

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Miércoles 2 de agosto
Conversatorio con la presencia del director, Martín Sastre

Miss Tacuarembó (2010)

Director: Martín Sastre
Duración: 92 min
Género: Comedia, drama, musical
Intérpretes: Natalia Oreiro, Diego Reinhold, Mirella Pascual, Rossy de Palma y Mike Amigorena 

La primera película del artista uruguayo Martín Sastre narra la historia de Natalia (Sofía Silvera), una niña que aspira a salir de su pueblo natal, Tacuarembó (Uruguay) para convertirse en una estrella, como aquellas que ve en la novela Cristal o la película Flashdance. Convertirse en Miss Tacuarembó es la única manera de lograr este objetivo. Narrada en paralelo está la historia de Natalia en la actualidad (Natalia Oreiro) quien a sus treinta años se dedica a cantar en un parque temático religioso en Buenos Aires, actividad que dista mucho de su sueño cuando niña. Ambientada en los años 80, la película está basada en la novela homónima de Dani Umpi. Las canciones fueron compuestas por Ale Sergi (Miranda).

En palabras de Sastre, la película “podía ser una comedia musical, un musical religioso, una comedia romántica o costumbrista, un thriller, una película, un vídeo clip, porque es todo eso junto. Posiblemente un multigénero audiovisual que podríamos definir como Comedia Pop” (“El cine español es uruguayo”, El País, 13 de mayo de 2011)

Miss Tacuarembó es una coproducción de Uruguay, Argentina y España ganadora de la sección Zonazine del Festival de Málaga (mejor película y mejor guión) y nominada a seis premios Cóndor de Plata por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina.

Antología de Marco Pando en la BIM

Marco Pando: Reconstruyendo el Tejido Cinemático como Experiencia Performativa

Una vez más ATA participó en la BIM (Bienal de la Imagen en Movimiento – Buenos Aires) apoyando la realización de la proyección de la obra fílmica del artista peruano Marco Pando (Cajamarca, 1973), acompañado de la instalación Spider. Este programa busca sentar un precedente en la difusión de la cinematografía peruana en su vertiente experimental en el marco de un importante encuentro donde confluye el mundo audiovisual tanto como el del arte contemporáneo.

El programa reúne siete films de Marco Pando realizados entre 2003 y 2016. Formado entre Lima y Ámsterdam, el autor presenta inquietudes propias del migrante, así como el fuerte vínculo que lo une a la cultura cinematográfica, pues su familia fue dueña del primer cine de Cajamarca, su ciudad natal. Este hecho también lo lleva a generar intervenciones sobre la imagen en movimiento.
La técnica que utiliza en sus primeros films consiste en el raspado de fragmentos de celuloide (las llamadas “colas”, que permitían insertar la película que se iba a proyectar en los cines) previamente pintados y dispuestos horizontalmente para crear cada uno de los fotogramas de la animación. Al ser un trabajo altamente artesanal, hay elementos que también surgen de forma espontánea mientras trabaja sobre el material, y le dan un carácter casi performativo. Los trabajos de Pando fueron transferidos a celuloide por The Eye Film Institute (Países Bajos), recobrando así la “materialidad” perdida en el proceso de digitalización y edición de sus animaciones. El resultado final es un film híbrido entre lo digital y lo cinemático que produce un constructo imposible de definir de una sola forma, pues incluye también elementos “precinemáticos”, como el dibujo a mano alzada, y que guarda el rastro de las tiras de celuloide utilizadas como material de reciclaje, creando así una suerte de puesta en abismo del material fílmico.

En el trabajo de Pando hay cierta nostalgia de la pérdida del ritual propio de la salas de cine, sobre todo en provincias donde los cines han sido vendidos o transformados. En “El fin del cine”, el autor reconstruye imágenes de las fachadas de viejas salas que operaban mediante carbón para encender los proyectores. “El rey de los cerros”, por su parte, fue una instalación en donde el film del mismo nombre fue proyectado por el propio Pando dentro de una carpa que emulaba la forma de un cine antiguo.

Si bien la nostalgia es perceptible en la obra de este artista, no hay en ella un deseo de mantener el material fílmico alejado de cualquier proceso que atente contra su “pureza”. Por el contrario, la elaboración de sus primeros films refleja el carácter intercambiable de los soportes. Se podría quizás establecer un paralelo entre la migración de los soportes y la migración geográfica evocada en películas como “Turista Hitchcock”, “Rey de las montañas”, “Mariposa de la frontera” o “El bote”.
La performance en la que Pando se inicia en su rol de proyeccionista se prolonga en films como “El bote” y el reciente “8 horas de trabajo”, y –de forma menos explícita– en el film de animación “Ciudad pulmón blanco”, donde el álter ego del autor recorre la ciudad de Lima dibujando la silueta de un pulmón. En “El bote” y “8 horas de trabajo”, Pando traslada el cariz fantástico, confuso, irracional y altamente onírico de sus animaciones a los valores de producción en el campo de la imagen en vivo.

Página oficial

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Rosa Barba: Performatividad de la Presencia + Subconscious Society + Printed Cinema

Rosa Barba: 
Performatividad de la presencia

Curado por José Carlos Mariátegui

Desde hace casi quince años, Rosa Barba explora el uso de proyectores de cine bajo la forma de obras escultóricas y performativas. Sus instalaciones y películas se valen de conceptos sobre la imagen y el tiempo para decantar características esenciales al medio cinemático. La imagen le permite indagar formas alternativas de interpretación de la realidad mediante las limitaciones y posibilidades propias del celuloide y la máquina de proyección. El tiempo es analizado mediante el contraste entre espacios naturales y la irrupción de la tecnología en contextos signados por referentes sociales y culturales. Esta selección incluye tres instalaciones cinemáticas y una película.

Boundaries of Consumption
2012
Duración variable | 16 mm
Proyector modificado, latas de película y 2 esferas de metal

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Western Round Table
USA | 2007
2’ en loop |
Dos películas de 16 mm., dos proyectores, dos bucles, sonido óptico

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A Private Tableaux
UK | 2010
7’ en loop | Film 16 mm. | Sonido óptico

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Somnium
Holanda | 2011
19’ 20’’ en loop | transfer de película 16 mm. a Archivo digital / 16 mm.| Sonido óptico

somnium

Rosa Barba: 
Subconscious Society
Un largometraje

Reino Unido – Estados Unidos | 2014
40’ | 35 mm | Color | Estéreo
Proyección: Archivo Digital

En la película Sociedad subconsciente –como en el subconsciente en sí– se pueden hacer asociaciones nuevas y no racionales entre los objetos del mundo “real”. Los personajes de la película parecen existir en un estado liminal entre los reinos mentales y físicos. Las escenas interiores, con sus protagonistas, se yuxtaponen con diversas estructuras evocadoras de zonas geográficas muy dispares. Parte de la película fue filmada en un edificio abandonado en Manchester, con personajes que han experimentado el espacio de diferentes formas a través del siglo pasado –como catedral, como edificio del parlamento, como teatro y como cine–. Ahora está abandonado, una casa de fantasmas.

Los protagonistas nunca han salido de Inglaterra, nunca han estado en un avión. Juntos están tratando de formar un nuevo grupo, una sociedad fundada en el descarte de los objetos físicos.
En marcado contraste, la artista sobrevuela paisajes –la costa sur de Inglaterra durante la marea baja (cuando se revela su estructura geológica) y el desierto de Estados Unidos (se ven una prisión, un campo de paneles solares, una cantera y un lecho de río seco)–. Vistos desde el aire, la escala real de estos lugares se pierde y se asume una perspectiva que los representa como un tipo de dibujo o símbolos en el paisaje.

Las tomas en el desierto funcionan como títulos de los capítulos en la película, y se nos invita a entrar en la narración a través de un título tipo postal.
La pieza se presenta como una película que incorpora imágenes que evolucionaron como parte de una presentación en vivo en el Anthology Film Archives (Nueva York), de tres noches, en noviembre de 2013, y también hace uso de la banda sonora en vivo de aquellas actuaciones.

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Rosa Barba:
Printed Cinema # 14

En palabras de la artista el proyecto Printed Cinema (ediciones de publicaciones periódicas irregulares) continúa su trabajo audiovisual como una reflexión personal sobre la esencia de la cinematografía: las imágenes están simplemente articuladas en el espacio entre las imágenes. Los espacios, elipses, la dialéctica entre las imágenes – nociones esencialmente modernistas – son esenciales en ese sentido. En Printed Cinema esto se expresa en el principio de edición, así como en la oposición entre película e impresión, entre texto e imagen. Además del método específico de distribución, por supuesto, que extiende el proyecto a una amplia gama de contextos culturales y sociales. De esta manera Printed Cinema desafía los bordes exteriores del libro de artista. Mecanismos propios para el medio fílmico encuentran su traducción en un contexto diferente.

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