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Corriente-Encuentro Latinoamericano de Cine de No Ficción

En la sexta edición de Corriente: Encuentro Latinoamericano de Cine de No Ficción que se llevó a cabo del 20 al 30 de noviembre del 2019 en la ciudad de Arequipa, se presentaron dos ciclos programados en colaboración con Alta Tecnología Andina (ATA), los cuales formaron parte de la sección “Cinematografías Peruanas” 

SECCIÓN CINEMATOGRAFÍAS PERUANAS

Desde hace 15 años, Alta Tecnología Andina ha venido desarrollando proyectos de preservación audiovisual de obras de las décadas del 60 y 70, época que tenía como marco la marginación social, frente a la cual se enarbolaba la reivindicación popular mediante la movilización y participación de la población. Es en ese ámbito que se sitúan los trabajos producidos por Ernesto Leistenschneider Hausen (1925 – 2019) y las animaciones experimentales realizadas por Mario Acha y Gonzalo Pflucker, jóvenes artistas en aquel entonces.

Recientemente ATA ha unido esfuerzos con el Museo de Arte de Lima (MALI) con el fin de impulsar ePPA (espacio-Plataforma de Preservación Audiovisual), un proyecto de colaboración que tiene como objetivo la preservación, catalogación y difusión de las colecciones audiovisuales peruanas que ambas instituciones conservan e investigan, y juntos han obtenido uno de los premios para Proyectos de Preservación Audiovisual del Ministerio de Cultura del Perú.

LA OBRA DE ERNESTO LEISTENSCHENEIDER Y LIMA FILMS

Ernesto Leistenschneider (1925-2019) nació en Alemania y llegó al Perú́ después de la guerra. Estudió Medicina y luego Cinematografía en la agencia Universum Film-AG (UFA). Por los años 50 fundó en Lima una pequeña productora llamada National Films (luego Lima Films), que se convirtió́ en una importante empresa cinematográfica y de televisión. Asimismo, fue director ejecutivo de películas como “Túpac Amaru” y consiguió́ reunir uno de los más importantes archivos fílmicos del Perú́, con más de 2000 materiales audiovisuales producidos entre 1940 y 1980, además reunió una colección de bienes culturales sobre artes y técnicas de las antiguas culturas peruanas, que forman parte del acervo que lleva su nombre. 

Los siguientes cortometrajes fueron proyectados en el Teatro Arequepay:

– El plebeyo (Perú. 1962, 4 min)

– Tierra sin Patrones (Perú. 1973. 11 min)

– Maratón de Triciclos (Perú. 1977. 11 min)

ANIMACIONES EXPERIMENTALES EN TIEMPOS DE REVOLUCIÓN

Esta breve muestra reúne cortometrajes de los artistas Mario Acha y Gonzalo Pflucker, realizados en los convulsos años 70 y 80, respectivamente, estos fueron presentados en la función inaugural del festival en la Biblioteca Regional Mario Vargas Llosa donde fueron musicalizados en vivo por elel conjunto Awqa Sisa Warmy Sikuris y el conjunto de Sikuris y Elenco de Teatro de la Universidad Católica Santa María:

 – Inkarri (Dir. Mario Acha. Perú. 1977. 8 min)

– El perfil de lo invisible (Dir. Gonzalo Pflucker. Perú. 1985. 10 min)

 

Rosa Barba / Dentro de estados de la materia agregados

Aggregate States of Matter, 2019

35 mm film, color, optical sound. 18 min.  

  

Rosa Barba (Agrigento, 1972) vive y trabaja en Berlín, es una reconocida artista que utiliza el medio del cine para explorar la imagen, el tiempo y el territorio bajo la forma de obras escultóricas y performativas. Entiende el cine y las formas en las que articula el espacio desde un enfoque escultórico, colocando su trabajo y al espectador en una nueva relación. Sus obras abarcan diversos formatos, tales como: películas, esculturas, instalaciones, textos y publicaciones; todos ellos basados en las cualidades materiales y conceptuales del cine.

 Nos complace haber colaborado con la producción de la obra de Rosa Barba Dentro de estados de la materia agregados” (Aggregate States of Matters) filmada íntegramente en el Perú, la cual se estrenó en mayo 2019 en el contexto de la exposición Time, Forward! en el V-A-C Zattere en Venecia.  El proyecto fue producido gracias a V-A-C Foundation y Proyecto AMIL. 

 Dentro de estados de la materia agregados resalta la ambigua relación entre los humanos y la naturaleza. Grabado en Perú, Barba trabajó con las comunidades afectadas por el derretimiento de un glaciar, donde muestra la lenta desaparición de este y la percepción de este hecho entre los habitantes de los andes. Mientras explora diferentes mitos locales, describe la posibilidad de traducir el conocimiento antiguo al tiempo presente.

 Asimismo para la quinta edición de AMIL-sesiones de arte, se llevó a cabo una conversación entre Rosa Barba – artista en residencia, en ese momento, de Proyecto AMIL –con José Carlos Mariátegui, donde dialogaron sobre Dentro de estados de la materia agregados, y reflexionaron sobre su metodología de trabajo así como hicieron un repaso a algunos de sus proyectos más recientes. Barba es una artista que a través de su obra ha empujado los límites del cine al explorar su dimensión espacio-temporal y experimentar con formatos temporales.

Imagen: Film still © Rosa Barba

 

 

 

Laboratorio “Relatos en imágenes: construyendo un archivo afectivo en común”

Del lunes 19 al viernes 23 de noviembre de 2018, de 4:00 p.m. a 8:00 p.m., en la Casa de la Literatura Peruana (Jr. Áncash 207, Centro Histórico de Lima), se realizará el laboratorio Relatos en imágenes: construyendo un archivo afectivo en común. Esta actividad se enmarca en la segunda edición de MUTA, Festival Internacional de Apropiación Audiovisual con la colaboración de ATA (Alta Tecnología Andina). La participación es libre previa postulación.

 

Objetivos:

  • Poner en valor los archivos de imágenes, su preservación y sistematización.
  • Promover la creación a partir de los archivos encontrados.
  • Afianzar el tejido social desde el trabajo colectivo.

 

Sobre el laboratorio:

El laboratorio busca trabajar de manera conjunta la recuperación de nuestra memoria afectiva (singular y colectiva). Para ello, se realizará en una sesión preliminar el acopio, catalogación y diagnóstico de archivos familiares que se recibirá en diferentes soportes: visuales (documentos fotoquímicos: fotografías, diapositivas, cintas de 8mm, Súper 8, etc.), orales (diálogos o entrevistas), y escritos (cuentos, notas o cartas).

En la semana del desarrollo del laboratorio, realizaremos un recorrido por diferentes técnicas del cine artesanal. Partiremos por una guía básica de preservación de archivos familiares, para luego abordar los mecanismos de proyección en fílmico y los elementos de refracción de luz ligados al precine.

En una segunda fase se realizarán rodajes en 16mm creando una película colectiva desde la idea de cadáver exquisito. Este material será revelado artesanalmente y llevado a positivo en postproducción digital.

En la tercera fase se realizará el ensamble de la obra final que será una sesión de cine expandido que pondrá en diálogo los archivos recibidos, la película realizada y los dispositivos tecno lumínicos, creando un relato colectivo con el aporte de cada uno de los participantes. Se trata de crear una obra montada en vivo, original y efímera, la exhibición será a modo de instalación con varias proyecciones.

 

Sesiones:

Presentación del proyecto – sábado 17 de noviembre: sesión preliminar.

Se hará un breve repaso de los objetivos y las actividades a realizarse durante el taller y una evaluación preliminar de los materiales recibidos y aquellos traídos por los participantes.

Sesión 1 – lunes 19 de noviembre: presentación del proyecto y exposición de materiales:

Uso del Archivo en el campo del arte, apropiación, transparencia, collage y desvanecimiento de la emulsión. Guía Básica de preservación.

Sesión 2 – martes 20 de noviembre: aproximación a la preservación.

El laboratorio busca que los participantes puedan adquirir conocimientos básicos de preservación de documentos visuales para sus propias colecciones u otras. Estos conocimientos básicos permiten volver accesibles los archivos a futuras generaciones.

Sesión 3 – miércoles 21 de noviembre: taller de creación.

Como parte del trabajo de registro con material fílmico, se hará uso del laboratorio montado en el espacio para el revelado de la película filmada por los participantes, que entrará en diálogo con el material de archivo seleccionado.

Sesión 4 – jueves 22 y viernes 23 de noviembre: diseño y montaje de la obra final.

Los archivos de imágenes son una fuente inagotable para artistas y creadores de diversas disciplinas. En esta sesión se hará un repaso de las posibles técnicas de apropiación de este tipo de material y se presentará el marco conceptual en el que se inscriben dichas técnicas. Posteriormente se realizará el ensamble de los diversos materiales trabajados durante las sesiones anteriores, para preparar la performance audiovisual final.

 

¿Cómo participar?

El laboratorio está dirigido tanto a familias que quieran conservar sus archivos familiares como a estudiantes, actores, bailarines, performers, músicos, iluminadores, educadores, animadores culturales que quieran profundizar en el manejo del soporte fílmico y el cruce con espacio escénico. Para participar es necesario completar el siguiente formulario virtual. El plazo para postular vence el miércoles 14 de noviembre (al mediodía). La lista de seleccionados se publicará el jueves 15 de noviembre.

 

Cupos de participación: 30

 

Sobre los talleristas:

Angela Lopez RuizÁngela López Ruiz (Uruguay). Maestranda en Estudios Latinoamericanos y Licenciada en Artes Visuales (UdelaR). Es parte del equipo curatorial de Ism, Ism, Ism: Experimental Cinema en América Latina de Los Angeles Film Forum con apoyo de la Fundación Getty. Trabaja como docente invitada en distintos programas de posgrado entre ellos  EICTV- Cuba y  Phd in Practice de la Academia de Viena.

Desde el 2007 al 2013, desarrolló su proyecto “Arqueología de la Imagen” en la Fundación de Arte Contemporáneo de Montevideo. Su investigación ha sido expuesta en la 29 ª Bienal de San Pablo (Brasil), PHD in practice de la Academia de Artes de Viena, 7° Simposio Films huérfanos (NYU), OffLimits (Madrid, España), Cine a contracorriente (Barcelona, España), Working Documents (Palau de la Virreina, Barcelona, España).

Fue ganadora de los Fondos de Impacto Social de Fundación La Caixa para el desarrollo del proyecto “Archivo visual de un barrio” en Off Limits (Madrid) con apoyo de Matadero Madrid para la residencia artística (2011-2012). Seleccionada por el CENDEAC (Murcia, ES) para la beca de estudios especializados en arte contemporáneo (2008-2009).

 

Guillermo Zabaleta UruguayGuillermo Zabaleta (Uruguay). Artista visual y docente. Estudió Museología en la Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación de la Universidad de la República de Uruguay. Desde el 2009 a la fecha coordina el Laboratorio de cine/ fac. Es docente invitado en la Maestría de Cine alternativo de la EICTV de San Antonio de los Baños, Cuba 2017. Ha dictado talleres y laboratorios de cine experimental en La Habana, Salto, Maldonado, Melo, Murcia, Madrid y Montevideo.

Realizó pasantías en preservación audiovisual, entre los que destaca:

  • BBOptics, Nueva York- Manejo de Optical Printer.2010
  • Prestech Films Laboratories, Londres- Modelos de restauración-2010
  • IKSRA, Madrid- Técnicas de restauración fílmica-2010

Como artista participó de la III Bienal de Montevideo, 12ª Bienal de La Habana, 29ª Bienal de San Pablo integrando el Proyecto “La Imagen en Llamas” a cargo de Ángela López Ruiz, IX Bienal de Salto, Paralelo/Manifesta8 y Cine a Contracorriente.

 

maria-domc3adnguezMaría Domínguez (Bolivia). Estudió en la Escuela Cine y Artes Audiovisuales en La Paz, Bolivia. El 2010 participa de una pasantía en el archivo fílmico de la Fundación Cinemateca Boliviana, y ese mismo año, participa en una segunda pasantía sobre procesos documentales en los fondos de la Filmoteca Española en Madrid. El 2012 queda a cargo de la catalogación fílmica del archivo de la Cinemateca Boliviana para el proyecto “Imágenes de Bolivia”. Junto a Carolina Cappa, participa del hallazgo y la investigación de “El bolillo Fatal, o el Emblema de la Muerte” un documental boliviano de 1927 filmado por Luis del Castillo, que se creía perdido. El 2013, ambas crean “Kinetoscopio Monstruo”, un grupo de estudio y divulgación de cine boliviano no convencional. Con “kinetoscopio Monstruo” es programadora de “Peripecias y Encantos”, exhibiciones de películas en formato analógico con música en vivo, realizadas en La Paz entre el 2013 y 2014.  El 2015 participa en la restauración fílmica de “El Bolillo Fatal”, en la Filmoteca UNAM, Ciudad de México. El 2016 presenta “El Bolillo Fatal”, en el Décimo Simposio de Películas Huérfanas, en LOC Packard Campus, Virginia, Estados Unidos. Ese mismo año se encarga de la catalogación fílmica de los noticieros “Sucesos Argentinos, edición Noroeste”, en el Museo del Cine Pablo Ducros Hicken, Buenos Aires, Argentina.

 

Sobre MUTA

MUTA es un encuentro de exhibición y formación audiovisual que pone en primer plano la apropiación como práctica artística contemporánea. La cita, el comentario o el “hurto” de elementos previamente elaborados, sirve de recurso principal en la realización de nuevos productos audiovisuales que, mediante la alteración y resignificación, elogian, critican o cuestionan. Un gesto reflexivo a partir del reciclaje de imágenes y sonidos, contracorriente a los modelos tradicionales de producción audiovisual.

Esta segunda edición de MUTA Festival Internacional de Apropiación Audiovisual se realizará del 15 al 24 de noviembre del 2018 en Lima, y asume la tarea de expandir su terreno de acción con actividades que vinculan la imagen en movimiento tanto desde las artes visuales como del cine de vanguardia, y la intersección que estas generan entre sí, con proyecciones, talleres, clases maestras y performances audiovisuales.

 

Sobre ATA

Alta Tecnología Andina (ATA) es una organización cultural no gubernamental sin fines de lucro, fundada con el objetivo de contribuir al desarrollo de una nueva cultura basada en la utilización y expansión de los medios electrónicos en el Perú y América Latina. El cimiento de este desarrollo se encuentra en el fomento y apoyo a proyectos de jóvenes profesionales de probada capacidad y vocación de investigación, y sin distinciones de ninguna clase. A través de este estímulo y apoyo, se busca identificar y formar individuos de alta capacidad en el rol de activadores en todos los campos del quehacer humano, y plenamente comprometidos con el uso y el valor de la tecnología. Individuos que a su vez puedan desarrollar áreas de comunicación y conocimiento, y aportar al crecimiento de una sociedad integrada al avance de la investigación, en la que aspectos como la independencia y la innovación permanente constituyan ventajas competitivas a nivel internacional.

AMIL- sesiones de arte | Del cero al infinito: resonancias del trabajo de Rasheed Araeen en Lima

 

[English follows]

AMIL- sesiones de arte
Del cero al infinito: resonancias del trabajo de Rasheed Araeen en Lima
Alta Tecnología Andina – ATA


Miércoles 23 de octubre de 2019
7:30pm

Proyecto AMIL
Lima

Para la doceava edición de AMIL- sesiones de arte y con motivo de la publicación de Del cero al infinito escritos de arte y lucha –libro que compila, por primera vez en español, una selección de textos del artista paquistaní Rasheed Araeen–; Alta Tecnología Andina – ATA propone una discusión en torno a las resonancias del trabajo del artista en Lima.

Durante el mes de octubre de 2013, Del cero al infinito, obra conceptual participativa de Araeen fue presentada en tres espacios públicos marcadamente diferentes en Lima: el vestíbulo principal del Museo de Arte de Lima – MALI y en los parques zonales Huáscar –en el popular distrito de Villa El Salvador– y Cápac Yupanqui –en el tradicional distrito del Rímac–. La naturaleza participativa de la pieza fue una invitación a reflexionar en torno a cómo la función del arte conceptual puede expandirse y vincularse con un proceso lúdico promoviendo la creatividad de la audiencia; así como de las relaciones entre arte e intervención pública.

En Del cero al infinito: resonancias del trabajo de Rasheed Araeen en Lima el curador y fundador de ATA, José-Carlos Mariátegui; el crítico literario Víctor Vich; y la historiadora del arte Gisselle Girón discutirán sobre estos temas. Adicionalmente, reflexionarán sobre los ecos que una práctica artística como la de Araeen, que consistentemente ha desafiado los supuestos formales, ideológicos y políticos del modernismo eurocéntrico, puede llegar a tener nuestra ciudad. El libro Del cero al infinito escritos de arte y lucha es un proyecto de Alta Tecnología Andina – ATA, en colaboración con el Museo de Arte de Lima – MALI, Foundation for Arts Initiatives (FfAI) y Proyecto AMIL. El libro fue publicado por la editorial chilena Metales Pesados.

AMIL – sesiones de arte es una serie de encuentros mensuales cuyo objetivo es expandir la práctica artística y curatorial más allá de las limitaciones temporales y espaciales de la exposición. A través de esta serie, Proyecto AMIL busca promover formas alternativas de pensar, hablar y experimentar el arte contemporáneo; así como proveer de una plataforma para el intercambio entre artistas, curadores, investigadores y nuestra audiencia.

Rasheed Araeen (Karachi, 1935) fue una de las primeras voces en introducir el debate poscolonial en el mundo del arte y abordar críticamente la identidad de los artistas del Tercer Mundo. En 1978 publica Notas preliminares para un Manifiesto Negro, ensayo de crítica y denuncia al sistema imperialista. En 1987 funda Third Text: Critical Perspectives on Contemporary Art & Culture, una de las publicaciones periódicas más radicales, pionera en deconstruir, redefinir y releer la historia del arte moderno en el contexto global; de la cual fue editor hasta el año 2011. Entre los años 2017 y 2019, bajo la curaduría de Nick Aikens y Charles Esche, se realizó una retrospectiva extensa de su obra que itineró en Eindhoven, Ginebra, Newcastle y Moscú. Su obra ha sido incluida en la Bienal de Venecia (2017) y la Documenta 14 (2017), y su más reciente trabajo Rhapsody in Four Colors, imponente estructura de 35 metros de altura, se levanta como el elemento central del Aga Khan Center en Londres.

Proyecto AMIL
Centro Comercial Camino Real
(Esquina de Avenida Víctor Andrés Belaúnde con Avenida Camino Real, sótano)
San Isidro
Lima

ART SESSIONS
Zero to Infinity
Rasheed Araeen
Alta Tecnología Andina – ATA

Wednesday 23 October 2019
7:30pm

Proyecto AMIL
Lima

For the twelfth edition of AMIL – Art Sessions and on the occasion of the publication of Del cero al infinito escritos de arte y lucha– a book that compiles, for the first time in Spanish, a selection of texts by the Pakistani artist Rasheed Araeen–; Alta Tecnología Andina – ATA proposes a discussion on the resonances of the artist’s work in Lima.

During October 2013, Zero to Infinity, Araeen’s participatory conceptual work, was presented in three markedly different public spaces in Lima: the main lobby of the Museo de Arte de Lima – MALI and the urban and public parks of Huáscar–in the popular district from Villa El Salvador– and Cápac Yupanqui –in the traditional district of Rímac–. The participatory nature of the piece was an invitation to reflect on how the function of conceptual art can be expanded and linked to a playful process that promotes the creativity of the audience; as well as the relationships between art and public intervention.

In Zero to Infinity: Resonances of Rasheed Araeen’s Work in Lima, the curator and founder of ATA, José-Carlos Mariátegui; the literary critic Víctor Vich; and the art historian Gisselle Girón; will discuss these issues. Additionally, they will reflect on the echoes that an artistic practice such as Araeen’s, which has consistently challenged the formal, ideological and political assumptions of Eurocentric modernism, can have on our city.

Del cero al infinito escritos de arte y lucha is a project by Alta Tecnología Andina – ATA, in collaboration with the Museo de Arte de Lima – MALI, the Foundation for Arts Initiatives (FfAI) and Proyecto AMIL. The book was published by the Chilean editorial house Metales Pesados.

AMIL – Art Sessions is a series of monthly encounters at Proyecto AMIL aimed to expand artistic and curatorial practice beyond the temporal and spatial limitations of exhibition making. Throughout this series Proyecto AMIL seeks to promote alternative ways to talk about and experience contemporary art; as well as create a platform for exchange between artists, curators, researchers and our local audience.

Rasheed Araeen (Karachi, 1935) was one of the first voices to introduce the postcolonial debate in the art world and critically address the identity of Third World artists. In 1978 he published Preliminary Notes for a Black Manifesto, a critic essay that denounced the imperialist system. In 1987 he founded Third Text: Critical Perspectives on Contemporary Art & Culture, one of the most radical periodical publications, a pioneer in deconstructing, re-defining and re-reading the history of modern art in the global context; of which he was editor until 2011. Between 2017 and 2019, under the curatorship of Nick Aikens and Charles Esche, an extensive itinerant retrospective of his work took place in Eindhoven, Geneva, Newcastle and Moscow. His work has been included in the Venice Biennale (2017) and Documenta 14 (2017); and his most recent work Rhapsody in Four Colors, an imposing structure 35 meters high, stands as the central element of the Aga Khan Centre in London.

 

Video del evento:

Del Cero al Infinito: escritos de arte y lucha

Del cero al infinito. Escritos de arte y lucha
Rasheed Araeen

“En las últimas décadas se han incorporado o asimilado significativamente las prácticas creativas y artísticas de zonas poco representadas del mundo en la cultura global. Muchos celebran esta inclusión, armando que se debe principalmente al fenómeno del mercado y a la internacionalización del arte. Sin embargo, parte sustantiva de este proceso de incorporación paulatina es producto de un largo camino de lucha por generar un discurso intelectual crítico que incorpore la visibilidad del arte y culturas de otras partes del mundo, en un escenario donde prima una visión y hegemonía de unos pocos países de Occidente. La inclusión progresiva de otras miradas y discursos ha requerido, y aun demanda, posturas combativas. Se trata de una lucha que no solo se libra desde el campo de las artes visuales, sino también en el terreno intelectual frente a una práctica académica banal, aséptica y alejada de la realidad. Por más de cincuenta años, Rasheed Araeen, a la par de su trabajo artístico, se convirtió en un referente internacional de esta rebeldía en contra del establishment. Del cero al infinito escritos de arte y lucha compila –por primera vez en español– una selección de textos del artista paquistaní radicado en Londres Rasheed Araeen”

Rasheed Araeen, quien visitó el Perú en el año 2013 para presentar su trabajo Zero to Infinity (Del Cero al Infinito) obra conceptual que se realiza con la participación de la comunidad, gracias al apoyo inicial de la Foundation of Arts Initiatives (FfAI). Asimismo, esta publicación ha sido posible gracias al apoyo de Proyecto AMIL. Asimismo, esta ha sido publicada con la Editorial Metales Pesados de Santiago de Chile.

El libro se encuentra circulando en librerías en hispanoamérica. En el Perú se puede adquirir en la Librería Inestable y Librería Sur.

Esta edición es una colaboración entre el MALI – Museo de Arte de Lima y ATA.

Rasheed Araeen nació en 1935 en Karachi, Pakistan. Es un artista conceptual radicado enLondres, es además escultor, pintor, escritor y curador. Se graduó en ingeniería civil en NEDEngineering College de la Universidad de Karachi en 1962,y ha estado trabajando como artista visual. Radica en Londres desde 1964.A partir de su llegada a Londres trabajó en obras de ingeniería, primero como dibujante proyectista en Wimpey Construction Co. (1964–1965) y luego como arquitecto asistente e ingeniero civil en BHC/BP (1965–1969). En paralelo, influenciado por la obra de Anthony Caro, desarrolla sus primeras “estructuras” y estudios de simetrías en vigas de acero, cubos y estructuras en celosías, que le han valido el reconocimiento como un pionero del minimalismo británico. A principios de la década de 1970, luego de luchar inútilmente por encontrar un espacio para su obra en las galerías y exhibiciones locales debido a su origen étnico, Araeen empieza una labor de crítica al sistema. En 1972 se unió al Movimiento Black Panther (Pantera Negra), del cual los asiáticos del sur formaron un núcleo importante.Sus obras en esta época tuvieron también un tono activista y crítico que influyeron en la nueva generación de artistas multiculturales. Es en esta misma época (1975–76) en que escribe su “Notas preliminares para un MANIFIESTONEGRO”, un largo ensayode crítica y denuncia al sistema imperialista imperante. Fruto de este ensayo, en 1978 funda la revista Black Phoenix (con solo tres números) y en1982 funda ProjectRMB, para dirigir investigaciones sobre artistas negros. En1987 funda Third Text:CriticalPerspectives on Contemporary Art & Culture, de la cual es editor hasta el año2011, una de las publicaciones periódicas más radicales que fue pionera en deconstruir, redefinir y releer la historia del arte moderno en el contexto global. A partir del 2008 Third Text inicia ediciones en Asia, África y América Latina. Araeen cree que la escritura era equivalente a levantar la voz contra el discurso hegemónico del mundo del arte. Este discurso lo había confinado a un estereotipo étnico que le impidió convertirse en un artista en su propio derecho.

Rasheed Araeen también ha curado importantes muestras visibilizando las practicas artísticas multiculturales comoThe Essential Black Art, Chisenhale Gallery (Londres, 1987) y The OtherStory: Afro-Asian Artists in Post-War Britain, Hayward Gallery(Londres, 1989). En paralelo ha publicado selecciones de sus textos, como Art Beyond Art, Ecoaesthetics: A Manifesto for the21st Century (Third Text, 2010). En el 2017 se publica con motivo de la exhibición Rasheed Araeen: A Retrospective una monografía extensa sobre su obra, editada por Nick Aikens y con ensayos de Aikens, Kate Fowle, Courtney Martin, Michael Newman, Gene Ray, Dominic Rhatz, John Roberts, Marcus du Sautoy, Zoe Sutherland and Kaelen Wilson-Goldie y una extensa entrevista entre Aikens y Araeen.

Sobre el trabajo de Rasheed Araeen algunos eminentes investigadores del arte han señalado:

“Rasheed Araeen es reconocido como un defensor incansable de la visibilidad de los artistas marginados por el sistema institucional, especialmente los practicantes negros y del tercer mundo. Fue así como fundó en 1987 la revista Third Text. Su trabajo artístico e intelectual ha comprendido una corriente de crítica política y de polémica claramente dirigida en cuestiones de urgencia social y, por otra parte, una dimensión abstracta, que celebra la elusividad y movilidad de la forma, abierta al cambio y la proyección imaginativa”.

Guy Brett
Crítico de arte, curador, y profesor de arte
Londres, Reino Unido

 

Puede adquirir la publicación en los siguientes puntos de venta:

Amazon
https://www.amazon.es/Del-cero-infinito-escritos-lucha-ebook/dp/B07V6Z69RR

Presentación de “El Mañana fue hoy” en la Casa de la Literatura Peruana

 

[Scroll down for English]

Presentación del libro “El mañana fue hoy. 21 años de Videocreación y Arte Electrónico en el Perú”

Lugar: Casa de la Literatura Peruana (Jirón Ancash 207, Cercado de Lima)
Fecha y hora: 10 de julio, 7:00 pm

ATA – Alta Tecnología Andina, se complace en invitarle a la presentación de su reciente publicación “El Mañana fue hoy. 21 años de Videocreación y Arte Electrónico en el Perú”, primera publicación que reúne una serie de ensayos, reflexiones, testimonios, cronologías y entrevistas, sobre el videoarte en Perú durante las dos primeras décadas del siglo XXI. El panorama que presenta este importante esfuerzo de investigación, examina la rica y compleja trayectoria del desarrollo del video y el arte electrónico recientes en el Perú.

Esta es una edición bilingüe, en español e inglés, editada por Max Hernández-Calvo, José-Carlos Mariátegui y Jorge Villacorta, la cual será presentada y comentada por los editores; la coordinadora del libro, Elisa Arca; y el investigador peruano, Mauricio Godoy, en la Casa de la Literatura Peruana.

El surgimiento de los festivales de video y arte electrónico en Perú es un momento clave en el establecimiento de una comunidad local de videoarte, que atrajo a artistas de diversos orígenes y formación. Al trazar los primeros años de los festivales, El mañana fue hoy destaca las contribuciones estéticas de una serie de artistas que, durante muchos años, fueron personajes de culto, y a su vez reconoce el papel vital desempeñado por diversos proyectos y organizaciones que dieron forma al paisaje de los nuevos medios en Perú a través de sus múltiples esfuerzos. Otros temas que el libro aborda son el lanzamiento de concursos de videoarte, iniciativas regionales centradas en el medio, así como el desarrollo de prácticas y lenguajes específicos, como cine digital, animación, video- instalación y video-performance.

El mañana fue hoy también incluye una línea de tiempo de la aparición del video / TV y el arte de los nuevos medios en Perú, desde 1939 hasta 2015, que ofrece un panorama claro y conciso de esta historia. “El Mañana fue hoy. 21 años de video-creación y arte electrónico en el Perú” reúne aquellas voces y esfuerzos de los agentes e involucrados desde la gestión, curaduría, crítica y la creación. Asimismo, reflexiona sobre obras y eventos actuales, como recientes trabajos en animación, para continuar trazando los caminos que se iniciaron hace más de 20 años. El libro propone diálogos sobre el campo del videoarte peruano como uno que se debe mirar en su particularidad local, siendo “El Mañana fue hoy” el principal testimonio compilado de esta.

 

[English]

Presentation of the book “The future was now. 21 years of Video Art and Electronic Art in Peru ”
Where: The House of Peruvian Literature (Jiron Ancash 207, Cercado de Lima)
When: July 10th, 7:00 pm

ATA – Alta Tecnología Andina, is pleased to invite you to the presentation of its recent publication “The future was now. 21 years of Video Art and Electronic Art in Peru “, the first publication that brings together a series of essays, reflections, testimonies, chronologies and interviews about video art in Peru during the first two decades of the 21st century. The panorama presented by this important research effort examines the rich and complex trajectory of recent video development and electronic art in Peru.

This is a bilingual edition, in Spanish and English, edited by Max Hernández-Calvo, José-Carlos Mariátegui and Jorge Villacorta, which will be presented and commented by the editors; the coordinator of the book, Elisa Arca; and the Peruvian researcher, Mauricio Godoy, in the Casa de la Literatura Peruana.

The emergence of video and electronic art festivals in Peru is a key moment in the establishment of a local video art community, which attracted artists from diverse backgrounds. In drawing the first years of the festivals, The future was now highlights the aesthetic contributions of a number of artists who, for many years, were cult figures, and in turn recognizes the vital role played by various projects and organizations that shaped the landscape of the new media in Peru through its multiple efforts. Other topics that the book addresses are the launching of videoart contests, regional initiatives focused on the medium, as well as the development of specific practices and languages, such as digital cinema, animation, video installation and video-performance.

The Future was now also includes a timeline of the appearance of video / TV and the art of new media in Peru, from 1939 to 2015, which offers a clear and concise overview of this story. “The future was now. 21 years of video-creation and electronic art in Peru” brings together the voices and efforts of agents and stakeholders from organization, curatorship, criticism and creation.  It also reflects on current works and events, such as recent works in animation, to continue tracing the paths that began more than 20 years ago. The book proposes dialogues on the field of Peruvian video art as one that should be looked at in its local particularity, being “The future was now” the main compiled testimony of this one.

ePPA (espacio-Plataforma de Preservación Audiovisual)

ePPA es un proyecto de colaboración impulsado por Alta Tecnología Andina (ATA) y el Museo de Arte de Lima (MALI) que tiene por objetivo la preservación, catalogación y difusión de las colecciones audiovisuales peruanas que ambas instituciones conservan e investigan . El proyecto, iniciado en 2019, se desarrollará a lo largo de dos años, en los que se llevarán a cabo tareas de conservación, catalogación, digitalización, investigación, entre otras que permitirán crear un espacio de consulta en el MALI y una plataforma web para la búsqueda de contenidos.

ePPA ha sido ganador del Concurso Nacional de Proyectos de Preservación Audiovisual de la Dirección del Audiovisual, la Fonografía y los Nuevos Medios del Ministerio de Cultura del Perú.

VIDEO-TRANSLACIONES: programa de video


José Vera, Ryszard Jaxa M / Museums Also Die (2014)

El programa recoge la obra de nueve artistas peruanos que trabajan en video. Propone un repaso de los últimos diez años de producción de video monocanal que, en su conjunto, da cuenta de las preocupaciones sociales, culturales y estéticas de una generación de artistas. La forma documental, la animación, la videoperformance son algunos de sus rasgos más distintivos.

José Vera, Ryszard Jaxa M / Museums Also Die (2014)
Ishmael Randall, PUKUSANA TRACTOR (2011)
Maya Watanabe, Stasis (2017)
Ishmael Randall, Aplanadora (2011)
Eliana Otta, Refundación (2011)
Martín Aramburu, Terrario (2015)
Gabriel Acevedo, Cliente secreto (2013)
Randy Alva, PROYECTO LIMA 0.0 (2015)
Elena Damiani, El futuro del libro (2011)
Fernando Gutierrez (Huanchaco), Manual para hablar con Dios: Transmisión de los rollos telepáticos que conforman la tercera parte de la biblia por frecuencia de radio (2016)

Jueves 28 de febrero y miércoles 20 de marzo
Lugar: Sala de Actos del Centro Cultural Conde Duque
Hora: 7 pm

Sonidos Esenciales: Arturo Ruiz del Pozo – Composiciones Nativas

REEDICIÓN DE OBRA PIONERA DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA PERUANA: ARTURO RUIZ DEL POZO – COMPOSICIONES NATIVAS (1978), FINALMENTE EN CD GRACIAS A BUH RECORDS, CON EL APOYO DE ALTA TECNOLOGÍA ANDINA

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A fines de los setentas se hizo visible en Lima una nueva generación de músicos que integraron lo ancestral, la vanguardia, la búsqueda en los sonidos nativos y las nuevas herramientas tecnológicas. Entre ellos se encuentra Arturo Ruiz del Pozo, compositor y alumno de Edgar Valcárcel, quien tras seguir estudios en el Conservatorio Nacional de Lima viajó a Londres en 1976, para inscribirse en el Royal College of Music, donde siguió un master de composición electrónica. Ruiz del Pozo había partido de Lima con la maleta llena de instrumentos nativos peruanos, con la idea de utilizarlos en sus futuras composiciones.

En Londres tuvo como maestro a Lawrence Casserley, una de las figuras de la composición electroacústica británica y un músico fascinado por la interacción de instrumentos y medios electrónicos, desde las épocas de su fundamental agrupación de experimentación audiovisual Hydra (1972).

Ruiz del Pozo utilizó una serie de recursos de la música concreta, aprendidas de Casserley. A partir de las grabaciones de sonidos extraídos a los instrumentos nativos, y las manipulaciones diversas a las que eran sometidos dichos sonidos, lograba crear texturas y sonoridades que a la vez que invocaban lo ritual, abrían un campo de exploración nueva, un collage de sonidos de reminiscencia andina, ecos y abstracciones, que nos introducen a un universo sonoro inaudito.

Fueron en total ocho composiciones las realizadas por Ruiz del Pozo, más dos obras de cámara que grabó en Londres, y que trajo a Lima para su presentación en 1979, bajo el título “Una experiencia musical concreta”. En 1984 aparecería una edición en casete hecha por el autor.

La presentación en Lima de dichas composiciones generó una polémica entre el musicólogo Américo Valencia y el crítico Roberto Miro Quezada, respecto a la legitimidad de la producción musical de Ruiz del Pozo, como “música andina”. La polémica, retrataba ciertos enfrentamientos que se arrastraban desde los 70s, posiciones encontradas sobre lo nacional y lo foráneo, en el contexto de un gobierno nacionalista que había enfatizado la promoción del folclore.

Pero esas músicas de vanguardia, antes que echarse atrás, siguieron su camino solitarias y abrieron un camino de investigación importante, que en la actualidad han cobrado una vigencia y una importancia fundamental como pioneras de una serie de prácticas musicales que forman parte de nuestro imaginario sonoro contemporáneo.

“Composiciones nativas”  es quizá la obra cumbre de Arturo Ruiz del Pozo, y uno de los trabajos esenciales para entender el desarrollo de las músicas de vanguardia en el Perú y, sobre todo, una pieza clave en el rompecabezas de la música electrónica peruana.

Finalmente se reedita en formato CD a través de Buh Records, en una edición limitada de 300 copias. Este CD forma parte de la colección Sonidos Esenciales, un proyecto de rescate de diversos trabajos fundamentales de la música de vanguardia peruana, que serán publicados periódicamente. El proyecto es posible gracias al apoyo de Alta Tecnología Andina.

Disponible en discotiendas y a través de la web de Buh Records.

Escuchar en Bandcamp

 

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Informes y pedidos a:
buhrecords.blogspot.com
unautobus@gmail.com
9997819862

Videoarte Peruano en la BIM

Este año se realizó la segunda Bienal de la Imagen en Movimiento en la cuidad de Buenos Aires (Argentina), evento que congrega lo mejor del videoarte latinoamericano contemporáneo y a artistas, curadores y teóricos de todas partes del mundo.

Dentro de la programación de este año, José-Carlos Mariátegui, vicepresidente de ATA, presentó un programa de videoarte peruano contemporáneo, con siete obras que son una selección representativa de lo que se está gestando en videoarte en el Perú luego de la época de gran auge que fueron los años 90.

Video arte peruano del último quinquenio, una mirada desde las artes visuales
A finales de los años noventa, el video en el Perú no se consideraba aún parte de las artes visuales establecidas; se mantenía al margen, lo que le permitía un nivel de independencia que favorecía las indagaciones visuales más audaces. Aquella amplitud no solo se evidenciaba por la variedad y el grado de experimentación en los trabajos realizados, sino también por la formación multidisciplinaria de las personas vinculadas a su producción, que en muchos casos no tenían estudios artísticos formales. En la segunda década del siglo XXI, el video peruano ha girado significativamente y una parte de su creciente producción está plenamente integrada al contexto de las artes visuales, con todo el compromiso institucional que esto conlleva. Muchos de estos artistas producen video como parte de un repertorio mayor de formatos, como la fotografía, la instalación o la escultura. Tratar de enmarcar a estos creadores como artistas de video exclusivamente puede ser complicado ya que, en muchos casos, su obra audiovisual se complementa e influencia con otros medios y viceversa. Esta selección intenta presentar a algunos de los artistas de este nuevo panorama.

Katherinne Fiedler
Play dead / Hacerse el muerto
Perú | 2012
1’ 08’’ | HD | Color | Estéreo
Proyección: Archivo Digital

Katherinne Fiedler 1

Maya Watanabe
El Frontón (de la serie Escenarios)
Perú | 2014
15’’ | HD | Color | Estéreo
Proyección: Archivo Digital

Maya Watanabe

Ximena Garrido-Lecca
Contornos
Perú | 2014
10’ 45’’ | HD | Color | Estéreo
Proyección: Archivo Digital

Ximena Garrido-Lecca 1

Elena Damiani
Intersticio
Reino Unido | 2012
5’ | HD | Color | Estéreo
Proyección: Archivo Digital

Elena Damiani 1

Ricardo Yui
Entropía limeña, la ciudad y el mar son vasos comunicantes
Perú | 2014
23’ 22’’ | HDV / 16:9 | Color | Estéreo
Proyección: Archivo Digital

Ricardo Yui 1

Marco Pando
White Lung City / Ciudad de pulmón blanco
Perú – Holanda | 2009
9’ 3’ 40’’ | Animación, dibujo en película de 35 mm | Color | Estéreo

Marco Pando 2

David Zink Yi
Pulsar PG-520
Perú | 2012
12’ 03’’ | HD | Color | Estéreo
Proyección: Archivo Digital

David Zink Yi 2

Programa presentado gracias al gentil apoyo de la Embajada del Perú en la Argentina.

También vale la pena mencionar la participación de dos videastas peruanos dentro del premio Norberto Griffa a la Creación Audiovisual Latinoamericana:

– “Ocho construcciones imaginadas por ocho obreros de construcción” – Eliana Otta
– “VII Pulgadas” – Cristian Alarcón Ismodes

 

BIM
Del 20 al 30 de noviembre se realizó la segunda edición de la Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM), producida por la Universidad Nacional de Tres de Febrero (Untref), pensada como un lugar de encuentro entre creadores, investigadores, estudiantes, productores culturales y el público amante de las artes audiovisuales en sus expresiones más diversas. La bienal tiene como objetivo fundamental generar un abanico de propuestas hacia el que dirigirse en busca de respuestas a las cuestiones que presenta este nuevo universo audiovisual. Es un escenario que comprende las singularidades más extremas del cine y del video, en el que estas herramientas estéticas se pueden pensar desde la historia y la contemporaneidad de sus especificidades más propias.

BIM (1)