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Presentación del Grupo de Cine: “Liberación sin Rodeos” en el 22 Festival de Cine de Lima PUCP

Testimonio de un colectivo audiovisual peruano: el Grupo de Cine “Liberación sin Rodeos”

En 1971 el Grupo de Cine Liberación sin Rodeos, toma la iniciativa de proponer al Sistema Nacional de Apoyo a la Movilización Social (SINAMOS) la producción de un mediometraje que retrate un día en la vida de cuatro niños del pueblo de Ollantaytambo en el Cusco. Fue así que “Niños” (1974) dio lugar a la creación de este colectivo conformado por Carlos Ferrand, Marcela Robles, Nenée Herrera, Pedro Neira y Raúl Gallegos. Luego de esta realización el grupo visitó buena parte del Perú, lo que les permitió desarrollar una observación etnográfica sumada con un trabajo potente en la imagen registrada e innovando, con pocos recursos, en las formas de producción audiovisual de la época.

Emprendieron un trabajo colectivo consistente en un momento de reformas y conflictos sociales significativos en el Perú, donde los medios audiovisuales empezaban a cumplir el papel de movilizar a los ciudadanos, difundiendo un mensaje que combinaba la denuncia social y la propaganda revolucionaria, transmitiendo espontáneamente la realidad del país y el espíritu de cambio

El panel –moderado por José-Carlos Mariátegui– contó con la presencia de Carlos Ferrand, Raúl Gallegos, Marcela Robles y Pedro Neira, artífices del grupo de cine “Liberación sin Rodeos” quienes ofrecieron un testimonio de parte sobre el contexto de la década del setenta, así como una reflexión asociada al significado de ese importante momento de confluencia de un ideal cultural, social y político en el país. Finalmente, cada integrante comentó, en retrospectiva, sobre los proyectos que produjeron en grupo y cómo se relacionó con su práctica más reciente.

Notas relacionadas:

POESÍA Y POLÍTICA: CARLOS FERRAND Y EL GRUPO LIBERACIÓN SIN RODEOS por Ivonne Sheen

Carlos Ferrand: “Después de 50 años de hacer cine, uno se cansa de ver películas” por Juan Carlos Fangacio

The Fireflies Memorial (Durban) by Francesco Mariotti

The Green Camp Gallery, 246 Umbilo Rd, Bulwer, Berea, Durban
Thursday 28th of June 2018, from 18:00 onwards.


The Fireflies Memorial is a long-term-project which aims to build a hybrid habitat in memory of the murdered ecologists and environmentalists; a collaborative work that pays tribute to all the people and organizations that are committed to the protection of nature. It is also a stance to remember people in Latin America and South Africa who had been murdered during their struggle, such as Honduran environment and human-rights activist Berta Cáceres; Brazilian environmental activist Chico Mendes; and, South Africa’s Wild Coast anti-mining activist Sikhosiphi “Bazooka” Rhadebe. This participative version will be installed at The Green Camp Gallery, a rehabilitated space converted into an organic and sustainable lifestyle hub on urban farming and creativity based in Durban founded by Xolani Hlongwa.

The installation is a work-in-progress that combines light-emitting diodes (LEDs) –simulating fireflies sparks– and organic farming –in teamwork with Nkazimulo Gabuza–; sounds of the Amazonian Huirapuru bird and the South African cicada insect; a visual projection by Crosby Luhlongwane; and, written and spoken texts by Mzwandile Mlangeni which were nurtured and inspired throughout the happenstances.

Concepts for projects with objectives
These days nothing to reject
Especially when he’s pushing too hard to inject
We re-direct direct that society

With source, without scientist
Earth no more breath for it
Gases ashes smashing until nothing to eat
Inside the stomach something is weak

It has to be a theme of thieves
Cheating, manipulating culture and nature
People and their environmental movements

Protest against industries globally
We don’t need diluted breathing air
Asthma is there, companies don’t care
But we, the people lets us bring and share

Mzwandile Mlangeni

 

With the collaboration of: Crosby Luhlongwane, Mzwandile Mlangeni, Nkazimulo Gabuza, Xolani Hlongwa, Åsa Nilsson, Ernesto Coba, Elisa Arca and José-Carlos Mariátegui.

Thanks to: Magdalene Reddy, Patrick Bond, Desmond D’Sa and  Mario Pissarra.

Organized by ATA (www.ata.org.pe) with the support of Prince Claus Fund and Swiss Arts Council Pro Helvetia during the 24th International Symposium on Electronic Art (ISEA2018), June 23-30, 2018 Durban University of Technology, KwaZulu-Natal, South Africa, as part of Hybrid happenstances (Under 40 degrees) aiming at developing Peruvian and South African cultural encounters mediated by art and technology to find connections and cross-pollinations.

ATA en Pecha Kucha Night Lima – Artes Visuales

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El lunes 18 de abril en el Centro Cultural Ricardo Palma se realizó la edición especial de Pecha Kucha Night Lima, PKN Artes Visuales. Bajo la curaduría de David Flores-Hora, se reunieron en una noche las principales propuesta culturales en artes visuales de Lima, en el contexto de la temporada 2016 de ferias de arte en Lima. ATA participó junto a 12 organizaciones amigas presentando un poco de su historia y de lo que estamos preparando para los próximos meses.

Participaron:

  • Sala Luis Miró Quesada Garland (LMQG)
  • ATA
  • Bufeo
  • LUM
  • MAC Lima
  • Casa Pausa
  • MALI
  • Espacio Fundación Telefónica
  • El Ojo Ajeno
  • Micromuseo
  • Dirección de Artes del Ministerio de Cultura
  • MATE
  • KWY

PKN
 

PECHA KUCHA NIGHT es una revista cultural en vivo, una noche de intercambio en la que una selección de expositores, creativos de diferentes disciplinas, comparten sus ideas y proyectos utilizando el formato de 20 imágenes x 20 segundos cada imagen. Así en una noche, se enciende la chispa de la inspiración, al igual que sucede en las más de 700 ciudades en donde se realiza.

POETRÓNICO: Gianni Toti y los orígenes de la video poesía

Información sobre el Ciclo de conferencias y proyecciones

En el contexto de la celebración de los 20 años de la labor de ATA, estamos preparando una exposición retrospectiva de la obra de Gianni Toti, uno de los padres de la video poesía y del video experimental. Si bien ya hemos presentado obra de Toti anteriormente, esta muestra sería la primera en presentar una selección prácticamente completa en Latinoamérica, además de ser la obra con la cual ATA empezó su labor cultural, cuando Gianni Toti visitó Lima en 1995.

La muestra estará en la Sala 1 del Museo de Arte Contemporáneo (MAC), desde el viernes 23 de octubre de 2015, al martes 12 de enero de 2016.

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¿Quien es Gianni Toti?
Gianni Toti (1924-2007) es considerado el padre de la video poesía y unos de los más importantes autores de video arte a nivel internacional. Su rica biografía, como poeta, escritor, autor de películas y piezas teatrales, dibuja el perfil de un intelectual orgánico que confronta infatigablemente la profundidad teórica y la actividad cultural con iniciativas editoriales y con intervención militante a partir de su actividad en la resistencia romana y luego como periodista y enviado especial del diario L’Unitá.

Cronología de Gianni Toti

POETRÓNICO. Gianni Toti y los orígenes de la video poesía
La importancia de Gianni Toti
La voluntad de experimentar lenguajes nuevos y su vocación al desmontaje lógico-sintáctico de la palabra, que marca su poesía, le hace descubrir el video, empujando a límites extremos la poesía de la imagen electrónica como suma de todas las artes, la concretización del sueño de un arte total. Toti realiza algunas videopoesías en el sector de la investigación y experimentación de la RAI (Radiotelevisione italiana), inaugurando una carrera en la que habría de realizar (más en el exterior que en Italia) 13 obras, mejor definidas como VideoPoemOperas, dada la síntesis de lenguajes musicales, imaginativos y poéticos que las caracterizan. Del analógico al digital, retornan los temas de toda la trayectoria totiana: la investigación sobre la palabra, sobre la base de muchos poetas experimentales –entre los cuales figuran Mayakovski y Chlebnikov, Hölderling y Mallarmé–. Pero Toti no solo trabajó en el campo de la síntesis del lenguaje: para la Cité des Sciences et de l’Industrie de París realizó en 1986 siete VideoPoemas dedicados al imaginario científico.

Toti en América Latina y el Perú: el legado y el contexto peruano
El vínculo de Toti con América Latina se inicia en Cuba, con una aparición en la película “Memorias del subdesarrollo” de Tomás Gutiérrez Alea donde participa de una escena en una mesa redonda sobre la situación cubana de la que participa Gianni Toti junto con René Depestre, David Viñas y Edmundo Desnoes. Durante los años 80 y 90 participó activamente en Festivales y manifestaciones de video en América Latina. En el Centro Internacional de Creación de Video (Montbéliard, Francia), el mítico Centro Pierre Schaeffer, Toti realizó sus más grandes y últimas creaciones, como “Planetopolis” un ensayo poético sobre la utopía negativa de la ciudad planetaria ininterrumpida y “TupacAmauta” que llevó por primera vez la figura de dos de los más grandes pensadores del siglo XX: José Carlos Mariátegui y Antonio Gramsci. De esta forma Toti lleva el pensamiento latinoamericano al dominio metafórico y alegórico del lenguaje electrónico pasando del área semántica de la literatura y cinematografía a la fusión de todas las artes con la perspectiva de obra de arte total y de syntheatrónica.

Ver la web con el homenaje que le hicimos a Toti en el año 2007.

Sabes qué es el Totiano?  descúbrelo aquí.

 

 Dialogo digitale del corpo umano1 Incatenata alla pellicola-1 L'arnia cosmica L'ordine, il caos, il phaos Per una videopoesia-1 Tenez Tennis-1 Terminale Intelligenza-2


SELECCIÓN

Planetopolis
126 min
1994

Primera creación audiovisual que Toti definió como “VideoPoemOpera” y que intenta llevar el video al límite de sus capacidades visuales y técnicas. Trata sobre la distopía (utopía negativa) de la ciudad ininterrumpida que cubre el planeta y es regulada por la pesadilla humana y la poética del “homo electronicus”. Planetopolis es una obra de altísima complejidad visual y sonora, donde se sintetizan en forma heterogénea material de archivo, imágenes fílmicas de Lang, Eisenstein, Marker, Pennebaker, Lanoli, efectos especiales y animación, que aluden a una transforamción planetarial dentro de un confín de video. A nivel sonoro se está configurada por un lenguaje compuesto por diez idiomas e incorpora música procesada a partir de cincuenta canciones de compositores clásicos y modernos.

 

Experimentos en Video Poesía

Toti es considerado el padre de la video poesía pues usó el video como un medio de experimentación que le permitió expandir el campo metafórico y alegórico del lenguaje para vincularlo con la literatura, cinematografía, lingüística y otras disciplinas con la perspectiva de elaborar una obra de arte total. En sus inicios fueron un conjunto de video poemas breves, con músicas elaboradas al revés y en diferentes intervalos, pero con el pasar de los años estos video poemas incorporaron imágenes digitales y virtuales que también cuestionaban visualmente la realidad que nos provee la tecnología.

  • Per una videopoesía (50 min, 1980)
  • Tennez Tenis (15 min, 1992)
  • Aca Nada (27 min, 1998)
  • L’Originedite (18 min, 1994)
  • Monteveritazione (17 min, 1991)

 

Trilogía Maiakosvkiana

Es la historia de Sakavannaia filmoi, la película escrita en 1918 por el  célebre poeta ruso Vladimir Maiakovski e interpretada por él y Lili Brik. Se basa en 2 minutos y 40 segundos de película original que fue salvada de un incendio y que Lili Brik obsequia a Gianni Toti. Resulta significativo el ingenio de Toti y la utilización de los nuevos lenguajes del arte electrónico en el campo de la post-producción para producir casi 3 horas de obra original a partir de un pequeño fragmento de film. Como nota curiosa, Toti acusó a Woody Allen de haberse “inspirado” en exceso en su trilogía, o en Maiakovski, para realizar su película La rosa púrpura del Cairo.

  • Valeriascopia (26 min, 1983)
  • Incatenatta alla pellicola (60 min, 1983)
  • Cuor di Telema (83 min, 1984)

 

El Imaginario Científico

Toti produjo en el año 1986, con el apoyo de la sociedad de música informática y la ciudad de las ciencias y la industria de Paris (La Villette) una serie de video creaciones que versan desde la relación de teorías cósmicas, la estructura final del universo, geometría fractal, atractores extraños, antimateria y ciencia médica para el estudio del cuerpo humano. Las imágenes del hombre y la máquina dialogan de forma armoniosa en estos trabajos. Muchas de estas obras fueron trabajadas a partir de discusiones que Toti sostuvo con reconocidos científicos, insumo que le permitió producir imágenes técnicas de alto nivel de sofisticación.

  • Dialogue Digital du Corps Humain (27 min, 1986)
  • l’arma cosmica (8 min, 1986)
  • L’ordine, il caos, il phaos (24 min, 1986)
  • A la Recherche de L’Anti-queue Imaginée (17 min, 1986)
  • I raggi cosmici e l’odoscopio (5 min, 1986)

 

Tupac Amauta

Esta trilogía, compuesta de un canto y dos gritos, es un homenaje a Latinoamérica, a José Carlos Mariátegui y a Antonio Gramsci, donde el área semántica de la literatura y cinematografía histórica se fusionan con las imágenes electrónicas creadas de novo para plasmar la palabra en movimiento. En el segundo grito, Toti nos ofrece las Sonatas en Rojo Mayor, junto con las imágenes del Monumento a la Tercera Internacional así como mitos indígenas como la Serpiente Emplumada de Quetzalcóatl. El tercer grito hace alusión a los triunfos de la ignorancia y la muerte, hoy día representada por el capitalismo.

  • Tupac Amauta (53 min, 1997)
  • Gramsciategui ou les poesimistes  (55 min, 1999)
  • Il trionfo della morte materiale di lavorazione (23 min, 2003)

 

PlaneToti-Notes
31 min
1997

La investigadora en nuevos medios Sandra Lischi realizó este video retrato sobre Gianni Toti con un corte de documental experimental, donde presenta su peculiar universo intelectual y personal así como etapas de su proceso creativo.

Click aquí para descargar la nota de prensa

Sonidos Esenciales: Miguel Flores “PRIMITIVO” (1981)

REEDICIÓN DE OBRA PIONERA DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA PERUANA: MIGUEL FLORES – PRIMITIVO (1981), FINALMENTE EN CD GRACIAS A BUH RECORDS, CON EL APOYO DE ALTA TECNOLOGÍA ANDINA

MIGUEL FLORES - PRIMITIVO
 

Miguel Flores, es junto a músicos como Arturo Ruiz del Pozo, Luis David Aguilar o Manongo Mujica, uno de los representantes más importantes de ese periodo que va de mediados de los 70s a mediados de los 80s, en donde la experimentación musical en el Perú, aunó las modernas técnicas de composición de la música de vanguardia con la búsqueda de un sonido ancestral.

Baterista y multi instrumentista, iniciado en el mundo del rock a fines de los 60s con agrupaciones como Los Loops, The Image, y en particular con Pax, emblemática banda de hard rock de la década del 70, Miguel Flores inició sus investigaciones con el folklore hacia 1974, con el grupo Ave Acústica, que incorporaba técnicas musicales no convencionales. Era una época de fuerte promoción del folklore, como consecuencia de las políticas del gobierno nacionalista de Juan Velasco Alvarado. La aparición de los Talleres de la Canción Popular, dirigidos por Celso Garrido-Lecca en 1974, fue decisiva para la gestación de una nueva generación de agrupaciones de folclore y nueva canción. En dicho contexto, y tras su alejamiento de Pax, Miguel Flores empezó a profundizar tanto en su interés por el folklore como también en la experimentación sonora y el free jazz, siendo su intento rechazado por todos los frentes por intentar fusionar lo que se consideraba no debía fusionarse.

A su retorno a Lima, tras una intensa gira realiza a Japón, en 1980, Miguel Flores es convocado por la bailarina Luciana Proaño para componer la banda sonora de su nuevo espectáculo de danza contemporánea llamado “Mitos y Mujeres”. Para su realización Miguel Flores convocó a los músicos Corina Bartra, Arturo de la Cruz, Manuel Miranda y Abelardo Oquendo, quienes interpretaron composiciones que fusionaban el folklore con la psicodelia, el free jazz, la electrónica, la música tribal, y los cantos ashaninkas. Un sonido hipnótico que tendía un puente entre lo ancestral y la vanguardia, entre el espíritu del rock psicodélico, el free jazz y la pura experimentación sonora.

El registro en estudio de lo que fue la banda de sonido para “Mitos y Mujeres” se había mantenido guardada por más de treinta años. Hoy ve por primera vez la luz en edición de CD.

Forma parte de la Colección Sonidos Esenciales, editado por Buh Records, con el apoyo de Alta Tecnología Andina.

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Informes y pedidos a:
buhrecords.blogspot.com
unautobus@gmail.com
9997819862

Rosa Barba: Performatividad de la Presencia + Subconscious Society + Printed Cinema

Rosa Barba: 
Performatividad de la presencia

Curado por José Carlos Mariátegui

Desde hace casi quince años, Rosa Barba explora el uso de proyectores de cine bajo la forma de obras escultóricas y performativas. Sus instalaciones y películas se valen de conceptos sobre la imagen y el tiempo para decantar características esenciales al medio cinemático. La imagen le permite indagar formas alternativas de interpretación de la realidad mediante las limitaciones y posibilidades propias del celuloide y la máquina de proyección. El tiempo es analizado mediante el contraste entre espacios naturales y la irrupción de la tecnología en contextos signados por referentes sociales y culturales. Esta selección incluye tres instalaciones cinemáticas y una película.

Boundaries of Consumption
2012
Duración variable | 16 mm
Proyector modificado, latas de película y 2 esferas de metal

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Western Round Table
USA | 2007
2’ en loop |
Dos películas de 16 mm., dos proyectores, dos bucles, sonido óptico

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A Private Tableaux
UK | 2010
7’ en loop | Film 16 mm. | Sonido óptico

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Somnium
Holanda | 2011
19’ 20’’ en loop | transfer de película 16 mm. a Archivo digital / 16 mm.| Sonido óptico

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Rosa Barba: 
Subconscious Society
Un largometraje

Reino Unido – Estados Unidos | 2014
40’ | 35 mm | Color | Estéreo
Proyección: Archivo Digital

En la película Sociedad subconsciente –como en el subconsciente en sí– se pueden hacer asociaciones nuevas y no racionales entre los objetos del mundo “real”. Los personajes de la película parecen existir en un estado liminal entre los reinos mentales y físicos. Las escenas interiores, con sus protagonistas, se yuxtaponen con diversas estructuras evocadoras de zonas geográficas muy dispares. Parte de la película fue filmada en un edificio abandonado en Manchester, con personajes que han experimentado el espacio de diferentes formas a través del siglo pasado –como catedral, como edificio del parlamento, como teatro y como cine–. Ahora está abandonado, una casa de fantasmas.

Los protagonistas nunca han salido de Inglaterra, nunca han estado en un avión. Juntos están tratando de formar un nuevo grupo, una sociedad fundada en el descarte de los objetos físicos.
En marcado contraste, la artista sobrevuela paisajes –la costa sur de Inglaterra durante la marea baja (cuando se revela su estructura geológica) y el desierto de Estados Unidos (se ven una prisión, un campo de paneles solares, una cantera y un lecho de río seco)–. Vistos desde el aire, la escala real de estos lugares se pierde y se asume una perspectiva que los representa como un tipo de dibujo o símbolos en el paisaje.

Las tomas en el desierto funcionan como títulos de los capítulos en la película, y se nos invita a entrar en la narración a través de un título tipo postal.
La pieza se presenta como una película que incorpora imágenes que evolucionaron como parte de una presentación en vivo en el Anthology Film Archives (Nueva York), de tres noches, en noviembre de 2013, y también hace uso de la banda sonora en vivo de aquellas actuaciones.

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Rosa Barba:
Printed Cinema # 14

En palabras de la artista el proyecto Printed Cinema (ediciones de publicaciones periódicas irregulares) continúa su trabajo audiovisual como una reflexión personal sobre la esencia de la cinematografía: las imágenes están simplemente articuladas en el espacio entre las imágenes. Los espacios, elipses, la dialéctica entre las imágenes – nociones esencialmente modernistas – son esenciales en ese sentido. En Printed Cinema esto se expresa en el principio de edición, así como en la oposición entre película e impresión, entre texto e imagen. Además del método específico de distribución, por supuesto, que extiende el proyecto a una amplia gama de contextos culturales y sociales. De esta manera Printed Cinema desafía los bordes exteriores del libro de artista. Mecanismos propios para el medio fílmico encuentran su traducción en un contexto diferente.

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Rasheed Araeen en Lima

Mira el mini documental completo:


Watch the English version of the short documentary here

Rasheed Araeen (1935) es un reconocido artista conceptual pakistaní radicado en Londres. Es una de las voces más importantes en el mundo del arte en tratar el tema de la identidad de los artistas del Tercer Mundo. Es, además, fundador de la revista Tercer Texto (Third Text), publicación pionera en la que se expande la perspectiva sobre la visión del arte y la cultura en zonas poco representadas del mundo.

En el mes de octubre de 2013, Araeen visitó el Perú para presentar su trabajo Zero to Infinity (Del Cero al Infinito) obra conceptual que se realiza con la participación de la comunidad. La obra muestra que es posible enfrentar y desafiar la visión establecida de las cosas o el status quo, y desafía las estructuras jerárquicas de la sociedad sin tener que recurrir a representaciones de la realidad. Es parte de la colección de la TATE Modern y recorrerá distintos puntos de Lima en el mes de octubre.

La primera presentación se llevará a cabo el día viernes 4 de octubre en el hall principal del Museo de Arte de Lima (MALI), a las 6:00pm. La obra permanecerá en el museo hasta el domingo 6 de octubre, y el 8 de octubre comenzará su recorrido hacia los Parques Zonales “Huáscar” (Villa El Salvador), “Huiracocha” (San Juan de Lurigancho) y “Cápac Yupanqui” (Rímac).  La presentación en el parque zonal “Huascar” contará con presencia del artista, y será a las 11:00 am. El proyecto comenzará con una charla/taller en el que Araeen explicará el marco conceptual/histórico de la obra. El artista participará en todo el proceso, a veces como el iniciador o conductor y a veces como espectador. También se involucrará a la audiencia en un debate oral y una discusión a lo largo del período la acción.

Rasheed Araeen además ofrecerá una charla en la que desarrollará los puntos principales de su investigación académica “El Arte de la Resistencia: Hacia un concepto de Nominalismo” el día lunes 7 de octubre en la Galería de Artes Visuales de la Universidad Ricardo Palma, en el Centro Cultural Ccori Wasi. La charla condensa buena parte del trabajo de investigación que ha venido realizando sobre poscolonialismo y nominalismo en el arte contemporáneo, principalmente asociado a las creación en zonas poco representadas y su relación con los sistemas de poder global.

Escuchar el audio de la conferencia aqui.

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Textos Básicos (traducidos al español)

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Este evento ha sido posible gracias a la gestión de Alta Tecnología Andina (ATA), el auspicio de FfAI y la colaboración del Museo de Arte de Lima (MALI), la Universidad Ricardo Palma, la Municipalidad Metropolitana de Lima y el Servicio de Parques de Lima (SERPAR).

AGENDA
– Viernes 4 de octubre, 6:00pm: MALI – Presentación de Zero to Infinity.
– Lunes 7 de octubre, 7:00pm: Centro Cultural Ccori Wasi (Galería de Artes Visuales de la Universidad Ricardo Palma, Av. Arequipa Nº 5198, Miraflores) – Charla “El Arte de la Resistencia: Hacia un concepto de Nominalismo”.
– Martes 8 de octubre, 11:00am: Parque Zonal Huáscar – Villa El Salvador – Presentación de Zero to Infinity.

TODAS LAS ACTIVIDADES SON DE INGRESO LIBRE.

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Más fotos aquí
Nota de prensa aquí

 

Este proyecto fue posible gracias al apoyo de   FfAI-logo-web

 

Alta Tecnología Andina en la 9º Bienal de Mercosur: Jorge Villacorta y Rodrigo Derteano en conversación

La 9ª Bienal do Mercosul, en Porto Alegre es una exposición de arte contemporáneo que ocurre en diversas partes de la ciudad en las que se presenta una diversidad de proyectos en simultáneo y a la vez se realizan eventos de carácter cultural.

El título de esta edición de la Bienal es, en portugués, Se o clima for favorável; en español, Si el tiempo lo permite; en inglés, Weather Permitting. Estos títulos son una invitación a la reflexión al cuándo y al cómo, al por quién y al porqué, ciertos valores, ideas y obras de arte obtienen o carecen de visibilidad en un dado momento.

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En esta edición Alta Tecnología Andina estrá participando con el proyecto Ciudad Nazca, que será representado por Rodrigo Derteano (realizador) y Jorge Villacorta (ATA).

 

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Página oficial de la bienal aquí
Dossier de Ciudad Nazca aquí

Escher Hoy

Escher Hoy

por Raúl Loayza y José-Carlos Maríategui

Hace menos de un año nos reunimos un grupo de personas para pensar en el homenaje a uno de los artistas del que hemos visto sus obras en los libros de matemáticas, pero del que posiblemente nadie conocía su nombre.  M. C. Escher, uno de los artistas gráficos más geniales de nuestro siglo es también uno de los creadores más radicales.  En un siglo de vanguardias, postmodernismos y revoluciones científicas, Escher nos ha enseñado la importancia y sentimiento que puede mostrar un artesano de la vida, un hombre que solo busca mostrar a su público diversos sentimientos muy internos que se encuentran en nuestra naturaleza.

La obra de Escher es justamente la que nos llega muy adentro, es la matemática de lo bello sin serlo.  Hay suficiente información humana en su obra que sería difícil incluirlo dentro de alguna de las corrientes del arte de nuestro siglo.  Como buen artesano, conoce del arte y oficio de mostrar lo que siente, y podriamos más bien incluirlo dentro de un tipo especial de artista, el que ama igual al arte como a la ciencia.

Justamente fue en la época de Escher en que el arte y la ciencia se distanciaron mas, cuando al principio habían sido UNO.  Gracias a las nuevas tecnologías el arte y la ciencia se están empezando a unir de nuevo.  Escher hizo de la bidimensionalidad muerta del papel una tridimensionalidad única, aparente, compleja, re-creo los orígenes del caos con sus imágenes infinitas, y no será el primero, pero sí el más evidente.

Los escherianos como Bruno Ernst, Oscar Reutersvard, Roger Penrose, Sandro del Prete o Jos de Mey, han utilizado a Escher como inspiración, tanto en el aspecto artístico como científico.  Ciertamente el futuro esta dado en como podemos unir estas dos areas, y formarlas otra vez como un UNO.

Lo increíble es lo que hace pensar en muchas de las cosas más complejas de los sistemas vitales.

Lo increíble no es una forma de organización, es una forma de actuar.  En la vida no se sabe que es lo bueno y que es lo malo.  Volar y crecer, volverán los días en que la evolución no mate a los más débiles.  Razonar para pensar, o pensar para reflexionar, o mas que nunca el filosofar no es una condición del ser sino del crear.  Quienes se preocupan por la actualidad, desvían su mirada a los desarrollos de la cognición, computación, economía, biología, matemática y las neurociencias.  Abiertamente el futuro está en la búsqueda del entender cómo estas nuevas formas que aun no se ven reales sino como modelos teóricos complejos servirán para un mejor desarrollo humano.

El comité organizador de este evento quiere agradecer muy especialmente a Bruno Ernst, amigo de M.C. Escher quien nos alentó desde un principio en esta idea.  También al Chairman de la Fundación M.C. Escher, Willem Velhuysen, quien nos autorizó a reproducir las imágenes de Escher y con quien esperamos organizar para 1999 una exposición de obras originales de M. C. Escher en Lima.  A nuestros conferencistas Alberto Cordero y Leopoldo Chiappo, así como a nuestros comentaristas Francisco Miro-Quesada Cantuarias, Fernando de Szyszlo, Jorge Villacorta y Jorge Arévalo.   También a nuestro distinguido invitado internacional, el Dr. Nadrian Seeman, del Departamento de Química de la Universidad de New York.  Por último al excelentísimo Señor Embajador de la Real Embajada de los países bajos en el Perú, Steven Ramondt, y al servicio diplomático de ese país en Lima y Buenos Aires.  Este evento inicia en Lima los homenajes a Escher por sus 100 años.