Archivo de la categoría: Proyecciones

Presentación del Grupo de Cine: “Liberación sin Rodeos” en el 22 Festival de Cine de Lima PUCP

Testimonio de un colectivo audiovisual peruano: el Grupo de Cine “Liberación sin Rodeos”

En 1971 el Grupo de Cine Liberación sin Rodeos, toma la iniciativa de proponer al Sistema Nacional de Apoyo a la Movilización Social (SINAMOS) la producción de un mediometraje que retrate un día en la vida de cuatro niños del pueblo de Ollantaytambo en el Cusco. Fue así que “Niños” (1974) dio lugar a la creación de este colectivo conformado por Carlos Ferrand, Marcela Robles, Nenée Herrera, Pedro Neira y Raúl Gallegos. Luego de esta realización el grupo visitó buena parte del Perú, lo que les permitió desarrollar una observación etnográfica sumada con un trabajo potente en la imagen registrada e innovando, con pocos recursos, en las formas de producción audiovisual de la época.

Emprendieron un trabajo colectivo consistente en un momento de reformas y conflictos sociales significativos en el Perú, donde los medios audiovisuales empezaban a cumplir el papel de movilizar a los ciudadanos, difundiendo un mensaje que combinaba la denuncia social y la propaganda revolucionaria, transmitiendo espontáneamente la realidad del país y el espíritu de cambio

El panel –moderado por José-Carlos Mariátegui– contó con la presencia de Carlos Ferrand, Raúl Gallegos, Marcela Robles y Pedro Neira, artífices del grupo de cine “Liberación sin Rodeos” quienes ofrecieron un testimonio de parte sobre el contexto de la década del setenta, así como una reflexión asociada al significado de ese importante momento de confluencia de un ideal cultural, social y político en el país. Finalmente, cada integrante comentó, en retrospectiva, sobre los proyectos que produjeron en grupo y cómo se relacionó con su práctica más reciente.

Rose Lowder: retrospectiva + masterclass

Partituras de rodaje

El Festival Lima Independiente y Alta Tecnología Andina con el apoyo de la Alianza Francesa, la Embajada de Francia y el Ministerio de Cultura, presentan dos programas dedicados a la filmografía de Rose Lowder, reconocida cineasta experimental nacida en Lima en 1941. Los diecisiete films que componen los programas buscan dar cuenta de una trayectoria de más de tres décadas, en la que Lowder ha desarrollado un método de trabajo consistente, una reflexión teórica sobre su práctica —y sobre el cine experimental de manera general—, así como una importante labor de gestión en favor de este tipo de práctica cinematográfica.

Cada programa encapsula los diversos métodos y temas recurrentes en la obra de Lowder: la experimentación en el desfile de imágenes, el paso del tiempo en la naturaleza, la reflexión sobre la percepción visual, el ritmo de los objetos mecánicos y los fragmentos de viaje. En el primer programa el acento está puesto en la exploración de los espacios. En algunos casos, esta exploración del espacio se hace a través del método de trabajo de Lowder, que consiste en grabar únicamente los cuadros necesarios, intercalando la presencia de imágenes con vacíos. Gracias a la manipulación que permite la cámara Bolex, Lowder filmará en los espacios vacíos, creando una imagen parpadeante donde dos situaciones espacio-temporales distintas parecen superponerse. En otros casos, los films obedecen a la lógica del carnet de viaje, de los apuntes en movimiento, capaces de capturar la atmósfera de una ciudad, de una época.

El segundo programa se enfoca en la experiencia vital que se ve reflejada en las películas de Lowder. Films como Sources o Fleur de sel son pequeños homenajes a espacios e individuos cuya forma de vida Lowder valora. Lowder no busca que los humanos que habitan en sus películas representen algo en particular (la potencia del trabajo manual o por el contrario la explotación), existen como parte del paisaje. Los campesinos de la agricultura biológica, los habitantes de las granjas de productos orgánicos son parte de una comunidad repartida en pequeñas zonas en espacios rurales en Francia (en Europa de manera general); una comunidad a la que Rose Lowder también pertenece.

Al revisar la filmografía de Lowder uno no puede sino notar un hecho paradojal: el distanciamiento que la directora impone con respecto a la realidad mediante el uso de un programa de rodaje establecido no hace sino acercar al espectador al universo natural de la realizadora que disfruta rodearse. El espectador queda atrapado en el a veces frenético ritmo al que van los detalles y las texturas de este entorno. En los fotogramas de Lowder no hay espacio para la idealización bucólica y la contemplación de la flora y fauna se hace bajo condiciones específicas, que le quitan a la naturaleza su temporalidad “real” para componer una nueva, vibrante, heteróclita.

La premisa de “filmar la realidad de manera distinta a como la verías si estuvieras ahí” viene quizás de los primeros experimentos de Lowder con el desfile de la cinta cinematográfica y sus estudios sobre la percepción, que le permitieron tener una comprensión profunda de cómo se forman las imágenes. Al principio de desfile de imágenes vendrían a sumarse otras variables, que Lowder explora con la misma atención: la luz, cómo los objetos la reflejan o la captura, el foco, la textura, el grano, etc. Ambos programas se abren con los primeros ejercicios de Lowder en esta línea, heredera del cine estructural, y se cierran con obras que han sido pensadas para dos proyectores.

Para leer: Rose Lowder: una introducción

Programa 1: Fusiones espaciales
Miércoles 6 de junio de 2018
Auditorio de la Alianza Francesa de Miraflores
Av. Arequipa 4595, Miraflores
7pm

 

 

Boucles [Bucles]
1976-1997 / 16mm / color / silente / 6′ 00
Cine sin cámara: una exploración de las variaciones de sencillas formas en el tiempo y una reflexión sobre la capacidad transformadora del dispositivo de proyección.

 

 

 

 

 

 

 

 

Voiliers et coquelicots [Veleros y amapolas]
2001 / 16mm / color / silente / 2′ 00
Veleros desplazándose entre flores o flores agitándose en el mar, la alternancia acelerada de paisajes es uno de los sellos distintivos de la obra de Lowder.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Beijing 1988
1988-2011 / 16mm / color / sonoro / 12′ 17
Movimientos pausados del cotidiano de la ciudad en sus detalles, un año antes de la revuelta de Tia’nanmen. Beijing 1988 es una suerte de cuaderno de viaje, otra de las formas recurrentes en su práctica.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Scènes de la vie française : Paris [Escenas de la vida francesa: París]
1986 / 16mm / color / silente / 26′ 00
La lúdica transformación de vistas de París, donde se alternan a gran velocidad imágenes captadas momentos del año.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Quiproquo
1992 / 16mm / color / sonoro / 13′ 00
Quiproquo: malentendido por el cual se toma una cosa por otra. Un film sobre dos realidades que existen en paralelo: la naturaleza y el desarrollo técnico. Musicalizado por Katie O’Looney.

 

 

 

 

 

 

 

Champ provençal [Campo de Provenza]
1979 / 16mm / color / silente / 9′ 00
Una plantación de melocotones es el espacio en el que Lowder experimenta con las posibilidades del enfoque.

 

 

 

 

 

Rien d’extraordinaire [Nada extraordinario]
2010 / 16mm / color / sonoro / 2′ 00
Registro de una coreografía improvisada en una pensión en medio de las montañas.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Les tournesols + les tournesols colorés [Los girasoles + Los girasoles colorizados]
1982-1983 / 16mm / color / silente / 6′ 00
Exploración de la alteración del color, proyectado lado a lado con el registro original.

 

 

 

 

 

 

 

 

Retour d’un repère [Regreso de un punto de referencia]
1979 / 16mm / color / silente / 2E / 19′ 00
El interés de Lowder por el ritmo trasciende aquel que puede lograr manipulando la cámara. Así, el estudio de distintas tradiciones poéticas es el punto de partida para este film, donde Lowder calca la estructura del “pantun”, forma poética de Malasia. La versión que se presentará

 

 

 

Programa 2: Hábitats
Jueves 7 de junio de 2018
Auditorio de la Alianza Francesa de Miraflores
Av. Arequipa 4595, Miraflores
7pm

 

Parcelle [Parcela]
1979 / 16mm / color / silente / 3′ 00
Este film temprano fue compuesto fotograma por fotograma, buscando la alternancia de pequeñas formas y colores en un fondo negro, que a su vez se intercalan con fotogramas en blanco o coloreados.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Bouquets 21-30. Bouquets écologiques [Bouquets 21-30. Bouquets ecológicos]
2001-2005 / 16mm / color / silente / 14′ 00
Recolectar imágenes con un programa establecido, el de grabar cuadro por cuadro, dejando uno “vacío” para luego llenarlo con capturas de otro espacio y tiempo. Bouquets que, como afirma Lowder, contienen también “malas hierbas”. Esta serie, en particular, revela el interés de Lowder por temas socioambientales, pues estos Bouquets fueron grabados en espacios dedicados al cultivo responsable. En ese sentido, esta serie de Bouquets deja entrever el cotidiano de quienes ahí trabajan.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Impromptu
1989 / 16mm / color / sonoro / 8′ 00
Como su nombre lo indica, se trata de una pieza hecha de imprevistos: “distribución no planificada, pista de sonido provista accidentalmente por el laboratorio, actores inesperados, títulos finales producidos fortuitamente”, describe Lowder.

 

 


Fleur de sel [Flor de sal]

2010 / 16mm / color / sonoro / 32′ 00
A diferencia de otros films, lo que dicta el ritmo de Fleur de sel es la actividad de los “habitantes” de las salinas de Guérande; no sólo de las aves que se desplazan sobre las superficies cristalinas sino la de los trabajadores que recolectan artesanalmente la sal.

 

 

 

Habitat – batracien [Hábitat – batracio]
2006 / 16mm / color / silente / 8′ 31
A diferencia de Fleur de sel donde los “personajes” que habitan las salinas se multiplican, en Habitat-batracien, Lowder se detiene a observar las ranas de un estanque. Son ellas quienes dirigen el momento del registro, pues la intención de Lowder era la de penetrar en la dimensión temporal de este espacio y sus habitantes.

 

 

 

Sources [Fuentes]
2012 / 16mm / color / sonoro / 5′ 22
En los films de Rose la actividad productiva humana no está disociada de la naturaleza. La realizadora busca (o encuentra) personas que se dedican a extraer de ella lo necesario para vivir.

 

 

Roulement, rouerie, aubage [Rotación, astucia, álabe]
1978 / 16mm / color-n&b / silente / 15′ 00
Tres cortos films puestos uno tras otro que toman como punto de partida el movimiento de una turbina de paletas planas. Las tres partes llevan nombres que remiten al foco de interés del film. Roulement (Rotación) = “movimiento de la rueda que remite a los mecanismos de la cámara”. Rouerie (Astucia) = se remite a una manera de filmar, donde hay un juego con el foco. Aubage = una palabra inventada por Lowder que remite a las serenatas cantadas al alba, como el que entona la máquina filmada.

Certaines observations [Algunas observaciones]
1979 / 16mm / n&b / silencieux / 14′ 00
Un film temprano donde dos imágenes superpuestas —provenientes de dos proyectores sincronizados— evocan el movimiento y la iluminación propia de las fiestas nacionales, grabadas en blanco y negro y proyectadas una en positivo y otra en negativo.

Masterclass: la creación en film y la distribución del cine experimental
Viernes 8 de junio de 2018
Auditorio de la Alianza Francesa de Miraflores
Av. Arequipa 4595, Miraflores
11am

En esta clase maestra, Rose Lowder abordará dos aspectos de su carrera: el de la creación en film y el de la distribución de cine experimental.

A manera de introducción, Lowder explicará el contexto -dentro del campo del cine experimental- en el que se inscribe su cine. Describirá las características de este tipo de películas en distintos países y la manera como estas obras son distribuidas y exhibidas en el cine o en otros espacios culturales, como museos o salas de exposición. En su rol de gestora, Lowder ha escrito numerosos artículos sobre los circuitos de circulación del cine experimental europeo. Junto a Alain-Alcide Sudre, fundó los Archivos del film experimental de Avignon, institución fundada hace más de treinta años con el objetivo de dar a conocer películas que para la época eran inaccesibles en Francia. La colección cuenta con casi 200 films y una importante cantidad de documentos en papel que pueden ser consultados en la distribuidora Light Cone.

En una segunda parte, Lowder explicará  las razones que la llevaron a elaborar el particular método con el que trabaja, que consiste en hacer el montaje en cámara, exponiendo la película dos veces de forma a intercalar imágenes en distintos espacios y momentos. Para ello, Lowder tomará como referencia hitos de la historia del arte y la cinematografía y completará la explicación con el visionado de  fragmentos de sus films, proyectados en 16mm.

La masterclass de Lowder es no solo una oportunidad para adentrarse en el trabajo de una artista sino un espacio para redescubrir el potencial creativo del film, sus fundamentos mecánicos y fotoquímicos y cómo estos pueden ponerse al servicio de una investigación más amplia sobre el ritmo, la percepción y la naturaleza.

Martín Sastre Grandes Éxitos: Obra en cine y video

Martín Sastre (Uruguay, 1976)

Sastre trabaja principalmente en video pero también ha incursionado en la fotografía, la escultura, el diseño y -como se podrá ver en este ciclo dedicado a parte de su obra- en la dirección cinematográfica.

En 2002, como becario de la Fundación Carolina, empieza la realización de la Trilogía Iberoamericana y se instala en Madrid donde desarrolla parte de su obra. Sastre ha participado en las Bienales de La Habana (2003), São Paulo (2004), donde exhibió el segundo episodio de la Trilogía, y Venecia (2005).

En 2004 recibió el Primer Premio ARCO para Jóvenes Artistas y en 2008 el Premio Faena al Arte Latinoamericano.

En el 2010, Martín Sastre dirige su primer largometraje, Miss Tacuarembó, y en el 2016 estrena el documental Nasha Natasha, donde sigue los pasos de Natalia Oreiro en su gira por Rusia. Sobre su doble identidad de artista y director de cine, Sastre afirma “es como Superman y Clark Kent, son una misma persona con dos nombres”.

PROGRAMA

Lugar: Auditorio del MALI (Paseo Colón 125 – Parque de la Exposición – Lima)
Ingreso libre a todas las funciones
7pm

Martes 1ero de agosto
Presentación a cargo de José-Carlos Mariátegui (Alta Tecnología Andina, ATA)

Trilogía Iberoamericana (2002-2004)

Videoart: The Iberoamerican Legend (2002, 13 min)
Montevideo: The Dark Side of the Pop (2004, 13 min)
Bolivia 3: Confederation Next (2004, 12 min)

La serie Trilogía Iberoamericana es una trilogía ambientada en un futuro
en el que América Latina es la potencia cultural que domina el mundo.  ​

“El uruguayo Martín Sastre utiliza ese nivel sofisticado de producción para equiparar su obra con producciones del Primer Mundo, pero develando y evidenciando temas del Tercer Mundo. […] Sin obviar el lado cómico de su obra, conviene señalar también un aspecto crítico no solo relacionado al mainstream, sino al uso del poder político y social, lo que hace de esta trilogía una propuesta inteligente y reflexiva, a la que el espectador accedee ingresa por el placer, el gusto de escuchar una buena música y de sentir y vibrar con imágenes que utilizan muchos de los elementos de la cinematografía publicitaria en el logro de un impacto visual y sonoro inmediato.”
(José-Carlos Mariátegui y Jorge Villacorta, Videografías Invisibles, 2005).

100 años de cine argentino (2014)

Duración total: 17 min
Intérpretes: Cecilia Roth, Mercedes Morán y Natalia Oreiro

Para conmemorar 100 años de cine argentino, el INCAA junto con otras instituciones, organizaron un Concurso Federal de Cortometrajes para el cual Sastre realizó los tres primeros cortos promocionales. Los remakes, protagonizados por Cecilia Roth, Mercedes Morán y Natalia Oreiro despliegan un sinfín de referencias a la cinematografía argentina desde la mirada paródica que caracteriza al realizador.

En este proyecto, Sastre involucra a LALA (Link Audiovisual Latino Americano), una plataforma online que pone al servicio de su comunidad diversos proyectos relacionados con el mundo audiovisual.

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Miércoles 2 de agosto
Conversatorio con la presencia del director, Martín Sastre

Miss Tacuarembó (2010)

Director: Martín Sastre
Duración: 92 min
Género: Comedia, drama, musical
Intérpretes: Natalia Oreiro, Diego Reinhold, Mirella Pascual, Rossy de Palma y Mike Amigorena 

La primera película del artista uruguayo Martín Sastre narra la historia de Natalia (Sofía Silvera), una niña que aspira a salir de su pueblo natal, Tacuarembó (Uruguay) para convertirse en una estrella, como aquellas que ve en la novela Cristal o la película Flashdance. Convertirse en Miss Tacuarembó es la única manera de lograr este objetivo. Narrada en paralelo está la historia de Natalia en la actualidad (Natalia Oreiro) quien a sus treinta años se dedica a cantar en un parque temático religioso en Buenos Aires, actividad que dista mucho de su sueño cuando niña. Ambientada en los años 80, la película está basada en la novela homónima de Dani Umpi. Las canciones fueron compuestas por Ale Sergi (Miranda).

En palabras de Sastre, la película “podía ser una comedia musical, un musical religioso, una comedia romántica o costumbrista, un thriller, una película, un vídeo clip, porque es todo eso junto. Posiblemente un multigénero audiovisual que podríamos definir como Comedia Pop” (“El cine español es uruguayo”, El País, 13 de mayo de 2011)

Miss Tacuarembó es una coproducción de Uruguay, Argentina y España ganadora de la sección Zonazine del Festival de Málaga (mejor película y mejor guión) y nominada a seis premios Cóndor de Plata por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina.

INVIDEO – Mostra internazionale di video e cinema oltre (Milán)

En los años noventa, el videoarte en el Perú no se consideraba parte de las artes visuales establecidas; se mantenía al margen, lo que le permitía un nivel de independencia que favorecía las indagaciones visuales más audaces. Aquella amplitud no solo se evidenciaba por  la variedad y el grado de experimentación en los trabajos realizados, sino también por las formación multidisciplinar de las personas vinculadas a su producción, que en algunos casos no tenían estudios artísticos formales. En la segunda década del siglo XXI el videoarte peruano ha dado un giro significativo, y una parte de su producción creciente está plenamente integrada al contexto de las artes visuales, con todo el compromiso institucional que esto muchas veces conlleva. Muchos de estos artistas producen video como parte de un repertorio mayor de formatos como la fotografía, la instalación o la escultura. Tratar de enmarcar a estos creadores como artistas de video exclusivamente puede ser complicado actualmente, ya que en muchos casos su obra audiovisual se complementa e influencia con otros medios y viceversa. Este es el caso de los artistas seleccionados en esta muestra, los cuales realizan obras de diversos géneros artísticos, y el videoarte es una constante en su panorama producción.

Selección:

-Elena Damiani, “Brighter than the moon”, 2016, 08′:16″, Lima
-Ximena Garrido-Lecca, “Contornos”, 2014, 10´:45¨, Lima
-Carlos Troncoso, “Av. Huaylas a 30 fotogramas por segundo”, 2010, 06´:17¨, Lima
-Maricel Delgado, ”Insistir”. 2014. 07´:23´´, Lima
-Katherine Fiedler, “Inabarcable”,2015, 02´:52¨, Lima
-Christian Alarcón,” VII Pulgadas”, 2014, 12´:00¨, Lima
-Diego Lama, “De falso a legal en una toma”, 2015, 04´:00¨, Lima
-Alan Poma y Aldo Cáceda, “La Victoria sobre el Sol”, 2015, 20´:00¨, Lima

Curadores:

José-Carlos Mariátegui (Lima, 1975)
Escritor, curador y emprendedor en cultura, nuevos medios y tecnología. Estudió Biología y es Bachiller en Matemáticas Aplicadas por la Universidad Peruana Cayetano Heredia (Lima). Tiene una Maestría (MSc) y Doctorado (PhD) en Sistemas de Información e Innovación por la London School of Economics and Political Science – LSE (Londres). Fundador de Alta Tecnología Andina – ATA (www.ata.org.pe), dedicada al desarrollo de proyectos en arte, ciencia y tecnología en América Latina. Ha sido curador de importantes exhibiciones de arte y tecnología a nivel internacional. Miembro del Comité Consultivo del Ministerio de Cultura y del Comité Editorial de la Leonardo Series, libros sobre arte, ciencia y tecnología publicados por MIT Press (USA).

Angie Bonino (Lima, 1974)
Estudió artes plásticas en Bellas Artes en Lima – Perú. En 2005 recibió la beca de Master en Sistemas Interactivos en el Audiovisual -Mecad – Universidad Ramón Llull de Barcelona, España y luego la beca para el Máster en Seguridad Informática. Comunidad Europea 2006-2007. Directora de la Bienal VIDEOAKT que se realizó en Barcelona y Berlín del 2008 al 2015. Artista multidisciplinaria, entre sus últimas exposiciones individuales destacan la del MAC – Lima, Museo de Arte Contemporáneo de Lima – Perú 2014 y en 2015, la exposición individual “Cuando la Tierra habla – Galería Forum – Lima. Docente de la Escuela Nacional de Bellas Artes ENSABAP, Lima- Perú. http://www.angiebonino.com

Página oficial

 

Antología de Marco Pando en la BIM

Marco Pando: Reconstruyendo el Tejido Cinemático como Experiencia Performativa

Una vez más ATA participó en la BIM (Bienal de la Imagen en Movimiento – Buenos Aires) apoyando la realización de la proyección de la obra fílmica del artista peruano Marco Pando (Cajamarca, 1973), acompañado de la instalación Spider. Este programa busca sentar un precedente en la difusión de la cinematografía peruana en su vertiente experimental en el marco de un importante encuentro donde confluye el mundo audiovisual tanto como el del arte contemporáneo.

El programa reúne siete films de Marco Pando realizados entre 2003 y 2016. Formado entre Lima y Ámsterdam, el autor presenta inquietudes propias del migrante, así como el fuerte vínculo que lo une a la cultura cinematográfica, pues su familia fue dueña del primer cine de Cajamarca, su ciudad natal. Este hecho también lo lleva a generar intervenciones sobre la imagen en movimiento.
La técnica que utiliza en sus primeros films consiste en el raspado de fragmentos de celuloide (las llamadas “colas”, que permitían insertar la película que se iba a proyectar en los cines) previamente pintados y dispuestos horizontalmente para crear cada uno de los fotogramas de la animación. Al ser un trabajo altamente artesanal, hay elementos que también surgen de forma espontánea mientras trabaja sobre el material, y le dan un carácter casi performativo. Los trabajos de Pando fueron transferidos a celuloide por The Eye Film Institute (Países Bajos), recobrando así la “materialidad” perdida en el proceso de digitalización y edición de sus animaciones. El resultado final es un film híbrido entre lo digital y lo cinemático que produce un constructo imposible de definir de una sola forma, pues incluye también elementos “precinemáticos”, como el dibujo a mano alzada, y que guarda el rastro de las tiras de celuloide utilizadas como material de reciclaje, creando así una suerte de puesta en abismo del material fílmico.

En el trabajo de Pando hay cierta nostalgia de la pérdida del ritual propio de la salas de cine, sobre todo en provincias donde los cines han sido vendidos o transformados. En “El fin del cine”, el autor reconstruye imágenes de las fachadas de viejas salas que operaban mediante carbón para encender los proyectores. “El rey de los cerros”, por su parte, fue una instalación en donde el film del mismo nombre fue proyectado por el propio Pando dentro de una carpa que emulaba la forma de un cine antiguo.

Si bien la nostalgia es perceptible en la obra de este artista, no hay en ella un deseo de mantener el material fílmico alejado de cualquier proceso que atente contra su “pureza”. Por el contrario, la elaboración de sus primeros films refleja el carácter intercambiable de los soportes. Se podría quizás establecer un paralelo entre la migración de los soportes y la migración geográfica evocada en películas como “Turista Hitchcock”, “Rey de las montañas”, “Mariposa de la frontera” o “El bote”.
La performance en la que Pando se inicia en su rol de proyeccionista se prolonga en films como “El bote” y el reciente “8 horas de trabajo”, y –de forma menos explícita– en el film de animación “Ciudad pulmón blanco”, donde el álter ego del autor recorre la ciudad de Lima dibujando la silueta de un pulmón. En “El bote” y “8 horas de trabajo”, Pando traslada el cariz fantástico, confuso, irracional y altamente onírico de sus animaciones a los valores de producción en el campo de la imagen en vivo.

Página oficial

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POETRÓNICO abreviado: Una introducción a Gianni Toti

Se presentó una pequeña selección de las obras de Gianni Toti en la Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM), en Buenos Aires, Argentina, a modo de introducción de la obra de Toti y también como parte de las itinerancias que deseamos realizar para POETRÓNICO.

La selección muestra algunos trabajos breves, pero representativos, de sus etapas de videocreación. La selección empieza con el documental PlaneToti-Notes, realizado por la investigadora Sandra Lischi, amiga cercana y colaboradora del autor, en el que se retrata la fascinante vida de Toti y su particular forma de crear. La siguiente obra L’ordine, il caos, il phaos, es parte de la serie El imaginario científico, que Toti llevó a cabo inspirado en los últimos avances científicos, desde los cometas descubiertos en aquella época hasta la computarización médica. Esta obra trata sobre los nuevos modelos mentales, que incluyen particularmente la teoría de fractales. Le siguen las dos piezas cortas Tennez Tenis y L’originedite, que muestran el desarrollo abstracto de su experimentación en videopoesía durante los años noventa. Por último, la obra Canto vegetal a Pachamamacoca, es una obra que se realizó en conjunto con Marko Mormil y Elisa Zurlo, y es presentada como una alegoría inspirada en figuras de la cultura latinoamericana, con la cual Toti tuvo una relación muy estrecha.

Página oficial

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Selección de videoarte para PArC 2016

Con motivo de la edición número 4 de la feria de arte PArC (Perú Arte Contemporáneo) ATA realizó la curaduría de la muestra de videoarte, conformada por obras de artistas que trabajan con las galería participantes.

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PROGRAMA GENERAL

  • VERMELHO
    Iván Argote
    Blind Kittens
    2014
  • WALDEN GALLERY
    José Vera Matos
    Ryszard Jaxa M / Museums Also Die
    2014
  • GALERÍA IMPAKTO
    Gregory Scott
    Warholian
    2014
  • GALERÍA DEL PASEO
    Diego Lama
    De falso a legal en una toma
    2015

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  • LUCÍA DE LA PUENTE
    Patrick Tschudi
    Instant Traveller
    2014José Luis Martinat
    Bedrock City
    2006 
  • ISLA FLOTANTE
    Leticia Obeid
    Fantasma
    2016

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  • Y GALLERY
    Enrique Ježik
    Mapa trazado con herramientas de destazar
    2013
    Bjorn Melhus
    Freedom & Independence
    2014

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TRES TRÍPTICOS

  • LA GALERÍA
    Katherinne Fiedler
    Mañana, todavía
    2014

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  • WU GALERÍA
    Arturo Kameya
    Punto Ciego
    2015
  • QUIMERA
    Ezequiel Montero Swinnen
    Conversaciones (la distancia más corta entre dos personas)
    2014

 

 

POETRÓNICO: Ciclo de conferencias y proyecciones

Como complemento a la muestra retrospectiva de la obra de Gianni Toti, hemos organizado una serie de conferencias y proyecciones que expanden la visión del imaginario de Toti.

Las actividades se realizarán en la misma Sala 1 del Museo de Arte Contemporáneo en Barranco y son de ingreso libre.

– Martes 10 de noviembre / 7:00PM
CONVERSATORIO: Gianni Toti y su influencia en las artes electrónicas peruanas

Gianni Toti visitó el Perú en el año 1995 para presentar una pequeña selección de su obra. Luego empezó a trabajar en la trilogía “Tupac Amauta” que es un homenaje al fuerte vínculo que había cultivado con América Latina y el Perú. Aquel primer viaje fue clave para la gestación de ATA y las primeras colaboraciones locales e internacionales que dieron lugar a una etapa bastante prolífica en el campo de las artes electrónicas en el Perú.

Participan: José-Carlos Mariátegui y José Javier Castro
Nota: Durante ese día la Proyección Central pasará en continuado la trilogía “Tupac Amauta”.

– Miércoles 2 de diciembre / 7:00PM
CONVERSATORIO: El imaginario científico

Tomando como base los trabajos “El Imaginario Científico” que Gianni Toti produjo en el año 1986 (y que son parte de la muestra) con el apoyo de la sociedad de música informática y que fueron presentados en la ciudad de las ciencias y la industria de Paris (La Villette) este conversatorio tratará sobre el impacto de estas obras y la relación del arte con la ciencia, desde el campo de las teorías cósmicas y la estructura final del universo hasta la ciencia médica para estudios del cuerpo humano.

Participan: Jorge Villacorta, Angie Bonino y Umberto Roncoroni
Nota: Durante ese día la Proyección Central pasará en continuado la serie “El Imaginario Científico”.

– Miércoles 9 de diciembre / 7:00PM
PROYECCIÓN: E di Shaùl e dei sicari sulle vie da Damasco (117min, 1973). Marxismos e ideologías a través de las luchas de clases desde la crucificción hasta las insurrecciones de los fedayines.

Presentada por Ricardo Bedoya.

– Jueves 10 de diciembre / 7:00PM
CONVERSATORIO: Poesía experimental

Tratará sobre la obra precursora de Toti, considerado el padre de la video poesía, que él definió como un espacio de experimentación en el campo metafórico y alegórico del lenguaje electrónico vinculando literatura, cinematografía, lingüística y fusión de otras disciplinas con la perspectiva de obra de arte total y de syntheatrónica.

Participan: Luis Alvarado, Jorge Luis Chamorro y Juan Daniel Molero

 Martes 12 de enero / 7:00PM
Conferencia magistral de clausura de la exposición:
PLANETOTI. EL IMAGINARIO DE GIANNI TOTI

Por Sandra Lischi (Italia). Catedrática de la Universidad de Pisa, especializada en temas de video arte, colaboradora en varias de las obras de Toti y autora del documental PlaneToti – Notes.

Aquí la información sobre la muestra

 

 

POETRÓNICO: Gianni Toti y los orígenes de la video poesía

Información sobre el Ciclo de conferencias y proyecciones

En el contexto de la celebración de los 20 años de la labor de ATA, estamos preparando una exposición retrospectiva de la obra de Gianni Toti, uno de los padres de la video poesía y del video experimental. Si bien ya hemos presentado obra de Toti anteriormente, esta muestra sería la primera en presentar una selección prácticamente completa en Latinoamérica, además de ser la obra con la cual ATA empezó su labor cultural, cuando Gianni Toti visitó Lima en 1995.

La muestra estará en la Sala 1 del Museo de Arte Contemporáneo (MAC), desde el viernes 23 de octubre de 2015, al martes 12 de enero de 2016.

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¿Quien es Gianni Toti?
Gianni Toti (1924-2007) es considerado el padre de la video poesía y unos de los más importantes autores de video arte a nivel internacional. Su rica biografía, como poeta, escritor, autor de películas y piezas teatrales, dibuja el perfil de un intelectual orgánico que confronta infatigablemente la profundidad teórica y la actividad cultural con iniciativas editoriales y con intervención militante a partir de su actividad en la resistencia romana y luego como periodista y enviado especial del diario L’Unitá.

Cronología de Gianni Toti

POETRÓNICO. Gianni Toti y los orígenes de la video poesía
La importancia de Gianni Toti
La voluntad de experimentar lenguajes nuevos y su vocación al desmontaje lógico-sintáctico de la palabra, que marca su poesía, le hace descubrir el video, empujando a límites extremos la poesía de la imagen electrónica como suma de todas las artes, la concretización del sueño de un arte total. Toti realiza algunas videopoesías en el sector de la investigación y experimentación de la RAI (Radiotelevisione italiana), inaugurando una carrera en la que habría de realizar (más en el exterior que en Italia) 13 obras, mejor definidas como VideoPoemOperas, dada la síntesis de lenguajes musicales, imaginativos y poéticos que las caracterizan. Del analógico al digital, retornan los temas de toda la trayectoria totiana: la investigación sobre la palabra, sobre la base de muchos poetas experimentales –entre los cuales figuran Mayakovski y Chlebnikov, Hölderling y Mallarmé–. Pero Toti no solo trabajó en el campo de la síntesis del lenguaje: para la Cité des Sciences et de l’Industrie de París realizó en 1986 siete VideoPoemas dedicados al imaginario científico.

Toti en América Latina y el Perú: el legado y el contexto peruano
El vínculo de Toti con América Latina se inicia en Cuba, con una aparición en la película “Memorias del subdesarrollo” de Tomás Gutiérrez Alea donde participa de una escena en una mesa redonda sobre la situación cubana de la que participa Gianni Toti junto con René Depestre, David Viñas y Edmundo Desnoes. Durante los años 80 y 90 participó activamente en Festivales y manifestaciones de video en América Latina. En el Centro Internacional de Creación de Video (Montbéliard, Francia), el mítico Centro Pierre Schaeffer, Toti realizó sus más grandes y últimas creaciones, como “Planetopolis” un ensayo poético sobre la utopía negativa de la ciudad planetaria ininterrumpida y “TupacAmauta” que llevó por primera vez la figura de dos de los más grandes pensadores del siglo XX: José Carlos Mariátegui y Antonio Gramsci. De esta forma Toti lleva el pensamiento latinoamericano al dominio metafórico y alegórico del lenguaje electrónico pasando del área semántica de la literatura y cinematografía a la fusión de todas las artes con la perspectiva de obra de arte total y de syntheatrónica.

Ver la web con el homenaje que le hicimos a Toti en el año 2007.

Sabes qué es el Totiano?  descúbrelo aquí.

 

 Dialogo digitale del corpo umano1 Incatenata alla pellicola-1 L'arnia cosmica L'ordine, il caos, il phaos Per una videopoesia-1 Tenez Tennis-1 Terminale Intelligenza-2


SELECCIÓN

Planetopolis
126 min
1994

Primera creación audiovisual que Toti definió como “VideoPoemOpera” y que intenta llevar el video al límite de sus capacidades visuales y técnicas. Trata sobre la distopía (utopía negativa) de la ciudad ininterrumpida que cubre el planeta y es regulada por la pesadilla humana y la poética del “homo electronicus”. Planetopolis es una obra de altísima complejidad visual y sonora, donde se sintetizan en forma heterogénea material de archivo, imágenes fílmicas de Lang, Eisenstein, Marker, Pennebaker, Lanoli, efectos especiales y animación, que aluden a una transforamción planetarial dentro de un confín de video. A nivel sonoro se está configurada por un lenguaje compuesto por diez idiomas e incorpora música procesada a partir de cincuenta canciones de compositores clásicos y modernos.

 

Experimentos en Video Poesía

Toti es considerado el padre de la video poesía pues usó el video como un medio de experimentación que le permitió expandir el campo metafórico y alegórico del lenguaje para vincularlo con la literatura, cinematografía, lingüística y otras disciplinas con la perspectiva de elaborar una obra de arte total. En sus inicios fueron un conjunto de video poemas breves, con músicas elaboradas al revés y en diferentes intervalos, pero con el pasar de los años estos video poemas incorporaron imágenes digitales y virtuales que también cuestionaban visualmente la realidad que nos provee la tecnología.

  • Per una videopoesía (50 min, 1980)
  • Tennez Tenis (15 min, 1992)
  • Aca Nada (27 min, 1998)
  • L’Originedite (18 min, 1994)
  • Monteveritazione (17 min, 1991)

 

Trilogía Maiakosvkiana

Es la historia de Sakavannaia filmoi, la película escrita en 1918 por el  célebre poeta ruso Vladimir Maiakovski e interpretada por él y Lili Brik. Se basa en 2 minutos y 40 segundos de película original que fue salvada de un incendio y que Lili Brik obsequia a Gianni Toti. Resulta significativo el ingenio de Toti y la utilización de los nuevos lenguajes del arte electrónico en el campo de la post-producción para producir casi 3 horas de obra original a partir de un pequeño fragmento de film. Como nota curiosa, Toti acusó a Woody Allen de haberse “inspirado” en exceso en su trilogía, o en Maiakovski, para realizar su película La rosa púrpura del Cairo.

  • Valeriascopia (26 min, 1983)
  • Incatenatta alla pellicola (60 min, 1983)
  • Cuor di Telema (83 min, 1984)

 

El Imaginario Científico

Toti produjo en el año 1986, con el apoyo de la sociedad de música informática y la ciudad de las ciencias y la industria de Paris (La Villette) una serie de video creaciones que versan desde la relación de teorías cósmicas, la estructura final del universo, geometría fractal, atractores extraños, antimateria y ciencia médica para el estudio del cuerpo humano. Las imágenes del hombre y la máquina dialogan de forma armoniosa en estos trabajos. Muchas de estas obras fueron trabajadas a partir de discusiones que Toti sostuvo con reconocidos científicos, insumo que le permitió producir imágenes técnicas de alto nivel de sofisticación.

  • Dialogue Digital du Corps Humain (27 min, 1986)
  • l’arma cosmica (8 min, 1986)
  • L’ordine, il caos, il phaos (24 min, 1986)
  • A la Recherche de L’Anti-queue Imaginée (17 min, 1986)
  • I raggi cosmici e l’odoscopio (5 min, 1986)

 

Tupac Amauta

Esta trilogía, compuesta de un canto y dos gritos, es un homenaje a Latinoamérica, a José Carlos Mariátegui y a Antonio Gramsci, donde el área semántica de la literatura y cinematografía histórica se fusionan con las imágenes electrónicas creadas de novo para plasmar la palabra en movimiento. En el segundo grito, Toti nos ofrece las Sonatas en Rojo Mayor, junto con las imágenes del Monumento a la Tercera Internacional así como mitos indígenas como la Serpiente Emplumada de Quetzalcóatl. El tercer grito hace alusión a los triunfos de la ignorancia y la muerte, hoy día representada por el capitalismo.

  • Tupac Amauta (53 min, 1997)
  • Gramsciategui ou les poesimistes  (55 min, 1999)
  • Il trionfo della morte materiale di lavorazione (23 min, 2003)

 

PlaneToti-Notes
31 min
1997

La investigadora en nuevos medios Sandra Lischi realizó este video retrato sobre Gianni Toti con un corte de documental experimental, donde presenta su peculiar universo intelectual y personal así como etapas de su proceso creativo.

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Marcel Odenbach en el MALI

Stille Bewegungen / Tranquil Motions / Movimientos quietos

Esta exhibición producida por el Instituto de Relaciones Institucionales con el Extranjero del gobierno alemán —y gestionada en el Perú por el Instituto Goethe— presenta una selección representativa de la obra de Marcel Odenbach (Colonia, 1953), uno de los video artistas alemanes más conocidos en el mundo. Movimientos quietos, exhibición curada por Matthías Mühling, ilustra la sutileza y variedad formal con la que Odenbach escenifica la imagen en movimiento y su acompañamiento acústico ofreciendo al público una mirada muy particular sobre el lugar del ser humano en las sociedades globalizadas.

Se trata de una exhibición monográfica que recoge obras realizadas por el artista en video y papel, a lo largo de los últimos 30 años. Las obras incluidas conforman narrativas complejas que el artista crea a través de una técnica única de collage a partir de imágenes recopiladas del cine, la televisión y material de archivo.