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Rose Lowder: retrospectiva + masterclass

Partituras de rodaje

El Festival Lima Independiente y Alta Tecnología Andina con el apoyo de la Alianza Francesa, la Embajada de Francia y el Ministerio de Cultura, presentan dos programas dedicados a la filmografía de Rose Lowder, reconocida cineasta experimental nacida en Lima en 1941. Los diecisiete films que componen los programas buscan dar cuenta de una trayectoria de más de tres décadas, en la que Lowder ha desarrollado un método de trabajo consistente, una reflexión teórica sobre su práctica —y sobre el cine experimental de manera general—, así como una importante labor de gestión en favor de este tipo de práctica cinematográfica.

Cada programa encapsula los diversos métodos y temas recurrentes en la obra de Lowder: la experimentación en el desfile de imágenes, el paso del tiempo en la naturaleza, la reflexión sobre la percepción visual, el ritmo de los objetos mecánicos y los fragmentos de viaje. En el primer programa el acento está puesto en la exploración de los espacios. En algunos casos, esta exploración del espacio se hace a través del método de trabajo de Lowder, que consiste en grabar únicamente los cuadros necesarios, intercalando la presencia de imágenes con vacíos. Gracias a la manipulación que permite la cámara Bolex, Lowder filmará en los espacios vacíos, creando una imagen parpadeante donde dos situaciones espacio-temporales distintas parecen superponerse. En otros casos, los films obedecen a la lógica del carnet de viaje, de los apuntes en movimiento, capaces de capturar la atmósfera de una ciudad, de una época.

El segundo programa se enfoca en la experiencia vital que se ve reflejada en las películas de Lowder. Films como Sources o Fleur de sel son pequeños homenajes a espacios e individuos cuya forma de vida Lowder valora. Lowder no busca que los humanos que habitan en sus películas representen algo en particular (la potencia del trabajo manual o por el contrario la explotación), existen como parte del paisaje. Los campesinos de la agricultura biológica, los habitantes de las granjas de productos orgánicos son parte de una comunidad repartida en pequeñas zonas en espacios rurales en Francia (en Europa de manera general); una comunidad a la que Rose Lowder también pertenece.

Al revisar la filmografía de Lowder uno no puede sino notar un hecho paradojal: el distanciamiento que la directora impone con respecto a la realidad mediante el uso de un programa de rodaje establecido no hace sino acercar al espectador al universo natural de la realizadora que disfruta rodearse. El espectador queda atrapado en el a veces frenético ritmo al que van los detalles y las texturas de este entorno. En los fotogramas de Lowder no hay espacio para la idealización bucólica y la contemplación de la flora y fauna se hace bajo condiciones específicas, que le quitan a la naturaleza su temporalidad “real” para componer una nueva, vibrante, heteróclita.

La premisa de “filmar la realidad de manera distinta a como la verías si estuvieras ahí” viene quizás de los primeros experimentos de Lowder con el desfile de la cinta cinematográfica y sus estudios sobre la percepción, que le permitieron tener una comprensión profunda de cómo se forman las imágenes. Al principio de desfile de imágenes vendrían a sumarse otras variables, que Lowder explora con la misma atención: la luz, cómo los objetos la reflejan o la captura, el foco, la textura, el grano, etc. Ambos programas se abren con los primeros ejercicios de Lowder en esta línea, heredera del cine estructural, y se cierran con obras que han sido pensadas para dos proyectores.

Para leer: Rose Lowder: una introducción

Programa 1: Fusiones espaciales
Miércoles 6 de junio de 2018
Auditorio de la Alianza Francesa de Miraflores
Av. Arequipa 4595, Miraflores
7pm

 

 

Boucles [Bucles]
1976-1997 / 16mm / color / silente / 6′ 00
Cine sin cámara: una exploración de las variaciones de sencillas formas en el tiempo y una reflexión sobre la capacidad transformadora del dispositivo de proyección.

 

 

 

 

 

 

 

 

Voiliers et coquelicots [Veleros y amapolas]
2001 / 16mm / color / silente / 2′ 00
Veleros desplazándose entre flores o flores agitándose en el mar, la alternancia acelerada de paisajes es uno de los sellos distintivos de la obra de Lowder.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Beijing 1988
1988-2011 / 16mm / color / sonoro / 12′ 17
Movimientos pausados del cotidiano de la ciudad en sus detalles, un año antes de la revuelta de Tia’nanmen. Beijing 1988 es una suerte de cuaderno de viaje, otra de las formas recurrentes en su práctica.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Scènes de la vie française : Paris [Escenas de la vida francesa: París]
1986 / 16mm / color / silente / 26′ 00
La lúdica transformación de vistas de París, donde se alternan a gran velocidad imágenes captadas momentos del año.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Quiproquo
1992 / 16mm / color / sonoro / 13′ 00
Quiproquo: malentendido por el cual se toma una cosa por otra. Un film sobre dos realidades que existen en paralelo: la naturaleza y el desarrollo técnico. Musicalizado por Katie O’Looney.

 

 

 

 

 

 

 

Champ provençal [Campo de Provenza]
1979 / 16mm / color / silente / 9′ 00
Una plantación de melocotones es el espacio en el que Lowder experimenta con las posibilidades del enfoque.

 

 

 

 

 

Rien d’extraordinaire [Nada extraordinario]
2010 / 16mm / color / sonoro / 2′ 00
Registro de una coreografía improvisada en una pensión en medio de las montañas.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Les tournesols + les tournesols colorés [Los girasoles + Los girasoles colorizados]
1982-1983 / 16mm / color / silente / 6′ 00
Exploración de la alteración del color, proyectado lado a lado con el registro original.

 

 

 

 

 

 

 

 

Retour d’un repère [Regreso de un punto de referencia]
1979 / 16mm / color / silente / 2E / 19′ 00
El interés de Lowder por el ritmo trasciende aquel que puede lograr manipulando la cámara. Así, el estudio de distintas tradiciones poéticas es el punto de partida para este film, donde Lowder calca la estructura del “pantun”, forma poética de Malasia. La versión que se presentará

 

 

 

Programa 2: Hábitats
Jueves 7 de junio de 2018
Auditorio de la Alianza Francesa de Miraflores
Av. Arequipa 4595, Miraflores
7pm

 

Parcelle [Parcela]
1979 / 16mm / color / silente / 3′ 00
Este film temprano fue compuesto fotograma por fotograma, buscando la alternancia de pequeñas formas y colores en un fondo negro, que a su vez se intercalan con fotogramas en blanco o coloreados.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Bouquets 21-30. Bouquets écologiques [Bouquets 21-30. Bouquets ecológicos]
2001-2005 / 16mm / color / silente / 14′ 00
Recolectar imágenes con un programa establecido, el de grabar cuadro por cuadro, dejando uno “vacío” para luego llenarlo con capturas de otro espacio y tiempo. Bouquets que, como afirma Lowder, contienen también “malas hierbas”. Esta serie, en particular, revela el interés de Lowder por temas socioambientales, pues estos Bouquets fueron grabados en espacios dedicados al cultivo responsable. En ese sentido, esta serie de Bouquets deja entrever el cotidiano de quienes ahí trabajan.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Impromptu
1989 / 16mm / color / sonoro / 8′ 00
Como su nombre lo indica, se trata de una pieza hecha de imprevistos: “distribución no planificada, pista de sonido provista accidentalmente por el laboratorio, actores inesperados, títulos finales producidos fortuitamente”, describe Lowder.

 

 


Fleur de sel [Flor de sal]

2010 / 16mm / color / sonoro / 32′ 00
A diferencia de otros films, lo que dicta el ritmo de Fleur de sel es la actividad de los “habitantes” de las salinas de Guérande; no sólo de las aves que se desplazan sobre las superficies cristalinas sino la de los trabajadores que recolectan artesanalmente la sal.

 

 

 

Habitat – batracien [Hábitat – batracio]
2006 / 16mm / color / silente / 8′ 31
A diferencia de Fleur de sel donde los “personajes” que habitan las salinas se multiplican, en Habitat-batracien, Lowder se detiene a observar las ranas de un estanque. Son ellas quienes dirigen el momento del registro, pues la intención de Lowder era la de penetrar en la dimensión temporal de este espacio y sus habitantes.

 

 

 

Sources [Fuentes]
2012 / 16mm / color / sonoro / 5′ 22
En los films de Rose la actividad productiva humana no está disociada de la naturaleza. La realizadora busca (o encuentra) personas que se dedican a extraer de ella lo necesario para vivir.

 

 

Roulement, rouerie, aubage [Rotación, astucia, álabe]
1978 / 16mm / color-n&b / silente / 15′ 00
Tres cortos films puestos uno tras otro que toman como punto de partida el movimiento de una turbina de paletas planas. Las tres partes llevan nombres que remiten al foco de interés del film. Roulement (Rotación) = “movimiento de la rueda que remite a los mecanismos de la cámara”. Rouerie (Astucia) = se remite a una manera de filmar, donde hay un juego con el foco. Aubage = una palabra inventada por Lowder que remite a las serenatas cantadas al alba, como el que entona la máquina filmada.

Certaines observations [Algunas observaciones]
1979 / 16mm / n&b / silencieux / 14′ 00
Un film temprano donde dos imágenes superpuestas —provenientes de dos proyectores sincronizados— evocan el movimiento y la iluminación propia de las fiestas nacionales, grabadas en blanco y negro y proyectadas una en positivo y otra en negativo.

Masterclass: la creación en film y la distribución del cine experimental
Viernes 8 de junio de 2018
Auditorio de la Alianza Francesa de Miraflores
Av. Arequipa 4595, Miraflores
11am

En esta clase maestra, Rose Lowder abordará dos aspectos de su carrera: el de la creación en film y el de la distribución de cine experimental.

A manera de introducción, Lowder explicará el contexto -dentro del campo del cine experimental- en el que se inscribe su cine. Describirá las características de este tipo de películas en distintos países y la manera como estas obras son distribuidas y exhibidas en el cine o en otros espacios culturales, como museos o salas de exposición. En su rol de gestora, Lowder ha escrito numerosos artículos sobre los circuitos de circulación del cine experimental europeo. Junto a Alain-Alcide Sudre, fundó los Archivos del film experimental de Avignon, institución fundada hace más de treinta años con el objetivo de dar a conocer películas que para la época eran inaccesibles en Francia. La colección cuenta con casi 200 films y una importante cantidad de documentos en papel que pueden ser consultados en la distribuidora Light Cone.

En una segunda parte, Lowder explicará  las razones que la llevaron a elaborar el particular método con el que trabaja, que consiste en hacer el montaje en cámara, exponiendo la película dos veces de forma a intercalar imágenes en distintos espacios y momentos. Para ello, Lowder tomará como referencia hitos de la historia del arte y la cinematografía y completará la explicación con el visionado de  fragmentos de sus films, proyectados en 16mm.

La masterclass de Lowder es no solo una oportunidad para adentrarse en el trabajo de una artista sino un espacio para redescubrir el potencial creativo del film, sus fundamentos mecánicos y fotoquímicos y cómo estos pueden ponerse al servicio de una investigación más amplia sobre el ritmo, la percepción y la naturaleza.

Rose Lowder: una introducción

Alta Tecnología Andina, en colaboración con el Festival Lima Independiente y con el apoyo de la Embajada De Francia En Peru, la Alianza Francesa de Lima y la Dirección del Audiovisual, la Fonografía y los Nuevos Medios del Ministerio de Cultura del Perú, presentan un foco sobre la obra de Rose Lowder por primera vez en el Perú, Además, Rose dará una masterclass y será parte del Staff de jurados de la Competencia Fronteras Destruidas.

Sobre Rose Lowder
Rose Lowder ocupa un lugar central en la historia del cine experimental, no sólo por su importante (e ininterrumpida) producción desde los años 1970, sino también por su labor como académica y gestora. Nacida en Lima en 1941, Lowder se interesa por diversas formas de expresión artística, a las que se inicia en los talleres de artistas peruanos y que luego continúa en universidades europeas. Lo que más resalta en su extensa filmografía (que cuenta con aproximadamente 40 films) es la atención prestada al entorno natural y los mecanismos de creación de la imagen en movimiento. Las obras, por lo general breves, han sido hechas, casi en su totalidad, en film de 16mm, mediante delicados y precisos métodos de montaje en cámara. Los films de Lowder pertenecen a colecciones como las del Museo de Arte Moderno de París, Art Gallery de Ontario y el MoMA; y se han presentado en festivales alrededor del mundo, siendo objeto de retrospectivas en espacios como el Art Institute de Chicago, California Institute of the Arts, Tate Modern y la Cinemateca Francesa.

Sobre su obra
Para algunos autores la obra de Rose Lowder presenta distintas etapas. En A filmic exploration by means of botanical imagery. Notes on Rose Lowder, Enrico Camporesi (2013) sostiene que la primera corresponde a una investigación artística estructural del medio cinematográfico, a partir del trabajo sin cámara del soporte fílmico. En este primer periodo, la cineasta trabajó con tiras de película de 16 mm transparentes, las cuales agujereó, para luego rastrear las líneas entre los agujeros con un marcador de tinta.

En palabras de la propia artista: “mientras que la tradición cinematográfica se ha construido sobre dos tipos de movimientos -el de la cámara y el de la realidad filmada- es en la preocupación por el mero mecanismo del aparato fílmico que se manifiestan las posibilidades inherentes en la organización de los cuadros individuales y el movimiento del soporte fílmico” (Lowder: 147). Dicho interés por la exploración del aparato fílmico, es una constante en su obra hasta la actualidad.

Una segunda etapa de su obra, se plantea a partir del uso de la cámara de 16 mm para componer una serie de films que revelan aspectos del mecanismo de proyección, y también del mecanismo de la percepción visual. La artista en una entrevista comenta: “(…) tú puedes construir una imagen en la pantalla con pedazos de diferentes cuadros. Puedes cambiar ligeramente partes de los cuadros o de varios cuadros – cambiar el color, el grosor de las líneas, lo que sea, y sucede una cosa totalmente diferente.” (Mcdonald: 219). Esta preocupación por el trabajo con la unidad mínima del cine, el cuadro, persistirá en sus películas de elementos urbanos, paisajistas, y sobretodo botánicos.

Método y proceso creativo
El método de trabajo de Rose Lowder, se lleva a cabo en el proceso de grabación, gracias al uso de una cámara de 16 mm que le permite fotografiar en dos tandas diferentes, primero los cuadros pares y luego los impares. Las composiciones de sus películas resultan en complejos esquemas, que implican un estudio del lugar, y los elementos a aparecer, tomando en cuenta elementos esenciales como la luz, movimiento, y color.  Tara Merenda (2015) compara al método científico con el método creativo de Rose Lowder, por el proceso de inducción que este implica. La cineasta dibuja a mano sus esquemas luego de filmar sus películas, como registro del proceso y como ilustración de la estructura resultante de estas. En la actualidad se pueden encontrar 800 páginas de información visual de 450 rollos de película aproximadamente, en un total de 5 cuadernos. Este trabajo minucioso y detallista resulta en un efecto de flicker, que recrea gentiles collages estroboscópicos, con un ritmo ligero y fluido.

Anat Pick en un artículo del Tate Museum (2014), menciona que en la obra de Rose Lowder convergen vida y arte. La cineasta crea una relación personal con los paisajes que retrata, para darle un lugar especial a la naturaleza que la rodea. En este sentido, para Pick el cine de Rose Lowder también funciona como medio de reflexión ecologista, al invitar al espectador a crear una nueva relación perceptual y personal con los elementos de la naturaleza.

Referencias
-Camporesi, Enrico. A Filmic exploration by means of botanical imagery. Notes on Rose Lowder. Amsterdam: Amsterdam Press. 2013, vol. 2, no. 1, Green.
-Lowder, R. Le Film expérimental en tant qu’instrument de recherche visuelle. Contribution des cinéastes expérimentaux à une demarche exploratoire. PhD dissertation, Université Paris X Nanterre, 1987.
-MacDonald, S. A critical cinema 3: Interviews with independent Filmmakers. Berkeley-Los Angeles: University of California Press, 1998.
-Mendelson, Tara. Scientific Creativity: The Notebooks of Rose Lowder. Afterimage online. Junio 2015.  <http://vsw.org/afterimage/2015/06/25/essay-scientific-creativity-the-notebooks-of-rose-lowder/>
-Pick, Ana. Rose Lowder Filming frame by frame. Tate Museum. Febrero 2014. <http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/rose-lowder-filmmaking-frame-by-frame>

 

50 aniversario de la revista Leonardo y homenaje a Francesco Mariotti

Miércoles 11 de abril, 11 am, Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes, Lima, Perú Jr. Ancash 681, Cercado de Lima

Como parte de una serie de eventos organizados alrededor del mundo para celebrar los 50 años de la revista Leonardo, Alta Tecnología Andina – ATA, la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lima y Proyecto Amil rendirán homenaje al artista suizo-peruano Francesco Mariotti, cuya obra pionera “Cubo Luminoso – Proyecto Geldmacher-Mariotti” (1968), también cumple 50 años desde su presentación en el Documenta 4 en Kassel.

Proyecto Geldmacher-Mariotti 1968

En 1968, Francesco Mariotti, con tan solo 26 años, junto con su colega Klaus Geldmacher, fueron seleccionados para presentar un trabajo para la Documenta 4 en Kassel, Alemania. La propuesta incluyó el despliegue de una gran estructura metálica en forma de cubo compuesta por 9,000 bombillas, 100 lámparas fluorescentes, un ventilador monumental y varios altavoces.

La instalación generó un “entorno foto-acústico”, creando una experiencia inmersiva para los visitantes. La instalación, ubicada en la Orangerie, junto con otro notable proyecto presentado por Christo, fue considerada por los medios de comunicación de la época como una de las principales atracciones durante la famosa exhibición de arte contemporáneo.

Este doble 50 aniversario coincide con el centenario de la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lima, donde 1976 Mariotti diseñó y dictó el primer curso de arte y comunicación que se impartió en una escuela de arte en Perú (el documento está disponible en: https: //books.openedition.org/ifea/8121?lang=en).

La celebración en Lima “50 años de Leonardo / 50 años de ‘Projekt Geldmacher Mariotti’ 1968” también incluirá la entrega del “Premio Pioneer LEONARDO” a Francesco Mariotti, con motivo de conmemorar el 50 aniversario de una de sus obras más representativas, así como sus esfuerzos artísticos, centrados en conectan a América Latina y Europa en diálogos distintivos relacionados con los procesos sociales, los fenómenos naturales y la tecnología. Toda la comunidad se encuentra cordialmente invitada.


Programa
11:00 am – 1:00 pm

1. Bienvenida
Carlos Valdez Espinoza
Director General de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú

2. Introducción a la obra de Francesco Mariotti
José Carlos Mariátegui
Alta Tecnología Andina

3. Palabras de Francesco Mariotti
Francesco Mariotti

4. Panel de comentaristas
Gustavo Buntinx
Miguel López
Lizet Díaz
Preguntas del público asistente

5. Reconocimiento a Francesco Mariotti
Carlos Valdez Espinoza
Director General de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú

Nina Czegledy
Revista Leonardo

6. Reconocimiento a revista Leonardo
Carlos Valdez Espinoza
Director General de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú

7. Palabras finales
Nina Czegledy
Revista Leonardo


Link a la web dedicada a la celebración del 50 aniversario de Leonardo:
https://www.leonardo.info/civicrm/event/info?reset=1&id=164

 

Escher Hoy

Escher Hoy

por Raúl Loayza y José-Carlos Maríategui

Hace menos de un año nos reunimos un grupo de personas para pensar en el homenaje a uno de los artistas del que hemos visto sus obras en los libros de matemáticas, pero del que posiblemente nadie conocía su nombre.  M. C. Escher, uno de los artistas gráficos más geniales de nuestro siglo es también uno de los creadores más radicales.  En un siglo de vanguardias, postmodernismos y revoluciones científicas, Escher nos ha enseñado la importancia y sentimiento que puede mostrar un artesano de la vida, un hombre que solo busca mostrar a su público diversos sentimientos muy internos que se encuentran en nuestra naturaleza.

La obra de Escher es justamente la que nos llega muy adentro, es la matemática de lo bello sin serlo.  Hay suficiente información humana en su obra que sería difícil incluirlo dentro de alguna de las corrientes del arte de nuestro siglo.  Como buen artesano, conoce del arte y oficio de mostrar lo que siente, y podriamos más bien incluirlo dentro de un tipo especial de artista, el que ama igual al arte como a la ciencia.

Justamente fue en la época de Escher en que el arte y la ciencia se distanciaron mas, cuando al principio habían sido UNO.  Gracias a las nuevas tecnologías el arte y la ciencia se están empezando a unir de nuevo.  Escher hizo de la bidimensionalidad muerta del papel una tridimensionalidad única, aparente, compleja, re-creo los orígenes del caos con sus imágenes infinitas, y no será el primero, pero sí el más evidente.

Los escherianos como Bruno Ernst, Oscar Reutersvard, Roger Penrose, Sandro del Prete o Jos de Mey, han utilizado a Escher como inspiración, tanto en el aspecto artístico como científico.  Ciertamente el futuro esta dado en como podemos unir estas dos areas, y formarlas otra vez como un UNO.

Lo increíble es lo que hace pensar en muchas de las cosas más complejas de los sistemas vitales.

Lo increíble no es una forma de organización, es una forma de actuar.  En la vida no se sabe que es lo bueno y que es lo malo.  Volar y crecer, volverán los días en que la evolución no mate a los más débiles.  Razonar para pensar, o pensar para reflexionar, o mas que nunca el filosofar no es una condición del ser sino del crear.  Quienes se preocupan por la actualidad, desvían su mirada a los desarrollos de la cognición, computación, economía, biología, matemática y las neurociencias.  Abiertamente el futuro está en la búsqueda del entender cómo estas nuevas formas que aun no se ven reales sino como modelos teóricos complejos servirán para un mejor desarrollo humano.

El comité organizador de este evento quiere agradecer muy especialmente a Bruno Ernst, amigo de M.C. Escher quien nos alentó desde un principio en esta idea.  También al Chairman de la Fundación M.C. Escher, Willem Velhuysen, quien nos autorizó a reproducir las imágenes de Escher y con quien esperamos organizar para 1999 una exposición de obras originales de M. C. Escher en Lima.  A nuestros conferencistas Alberto Cordero y Leopoldo Chiappo, así como a nuestros comentaristas Francisco Miro-Quesada Cantuarias, Fernando de Szyszlo, Jorge Villacorta y Jorge Arévalo.   También a nuestro distinguido invitado internacional, el Dr. Nadrian Seeman, del Departamento de Química de la Universidad de New York.  Por último al excelentísimo Señor Embajador de la Real Embajada de los países bajos en el Perú, Steven Ramondt, y al servicio diplomático de ese país en Lima y Buenos Aires.  Este evento inicia en Lima los homenajes a Escher por sus 100 años.

Gianni Toti retrospectiva electrónica

Museo de la Nación, Lima, 20 y 21 de agosto, 1995

Películas
Orden Chaos y Phaos (27 min)
Videopoema sobre las relaciones entre los movimientos caóticos y el orden cósmico: rayos cósmicos, fractalidades, cuerdas cósmicas, atractores extraños, huecos y otras fenomenologías del ser.

SqueeZangeZaùm (100 min)
VideoPoemOpera dedicada a la epopeya poemática de Velimir Chlebnicov, de los futurianos rusos de comienzos de siglo y a las contradicciones históricas entre revoluciones y contrarevoluciones estéticas y sociales, las utopías tatlianas y las teatraciones sin cuerpos y con personjes-ideas.

Planetopolis (126 min)
El destino de la especie amenazada por las conurbaciones salvajes, la confusión planetaria y el desorden de los humanos, ultimos -sauros.  La intern(et)acionalización de los lenguajes y la última mutación de la percepción del mundo.  Considerada como una de las más importantes creaciones del video digital de los últimos años.

L’OrigInédite (17 min)
Imágenes de síntesis numéricas, sobre las transformaciones históricas de los lenguajes, de las escrituras y de las nuevas maneras del pensamiento binario.

 

Gianni Toti

Poeta, escritor, autor de películas y piezas teatrales. Gianni Toti es uno de los más importantes autores de video a nivel internacional.  Su rica biografía dibuja el perfil de un intelectual orgánico que confronta infatigablemente la profundidad teórica y la actividad cultural, con iniciativas editoriales (recientemente la Serie “I Taschinabili”, en el pasado fue director de la revista “Carte Segrete”).  Tuvo intervención militante a partir de la actividad en la resistencia romana y luego como periodista y enviado especial del diario L’Unitá.  La voluntad de experimentar lenguajes nuevos para pensamientos nuevos le hace encontrar al inicio de los años 80 el video.

Desde entonces es un “poetrónico”, un artista que empuja a los extremos límites la poesía de la imagen electrónica como suma de todas las artes, concretización del sueño de un arte total.  Desde entonces ha realizado muchas obras (también por la breve estación de la búsqueda y esperimentación, programas de la RAI); la primera “VideoPoesía” y tres “VideoPoemettis”, seguidos por la “Trilogía Majakovskiana”: ‘Incadenata alla pellicola’, ‘Valeriascopia’, ‘Cuor di Telema’ entre 1982 y 1983).  La confrontación con las tecnologías más adelantadas prosigue con la realización de siete VideoPoemas dedicados a L’Imaginaire Scientifique en 1986, para la Cité des Sciences et de l’Industrie de París.  La busqueda prosigue con “SqueeZangeZaúm” (1988), videopoema dedicado al poeta ‘futuriano’ Chlébnikov retratando una época y sus inolvidables ‘olvidadas’ utopias.   “Terminale Intelligenza” Poema sobre el saber y sobre la libertad del pensamiento, realizado para la Universidad de Pisa.  “Tenez-Tennis” (1992) es una meditación en danza y música (preparada por John Cage).

En los videos de Toti la voz del autor se hace poesía y resonancia entrelazándose con las imágenes que en video que se hacen permanentes metamorfosis de formas y colores, composiciones electrónicas de todo lo que ha sido hecho en el pasado.  Pero el cine como la poesía es una de las referencias constantes de este autor que voluntariamente cita y re-elabora la regeneración electrónica de las imágenes de la historia. Como artista residente en el Laboratorio “Brouillard-Précis” de Marsella Toti se ha aproximado a las imágenes de síntesis’ con su primera obra realizada en computadores Silicon Graphics “L’OriginEdite”.  En su biografía es imposible olvidar sus incómodas tomas de posición en defensa de la poesía y el arte en contra de la razones del mercado y el aplastamiento cultural.  Es a menudo invitado en todo el mundo para homenajes, retrospectivas, presentaciones de nuevas obras, seminarios, simposiums, coloquios, etc.  Toti no cesa de oponer intransigencia y rigor a la aluvional mediocridad y a la deriva de los ideales.

En el Centro Internacional de Creación de Video de Montbéliard realizó su más grande y reciente creación “Planetopolis” un ensayo poético sobre la utopia negativa de la ciudad planetaria ininterrumpida.  Está proyectando una gran VideoPoemOpera sobre la figura de José Carlos Mariátegui, el Gramsci de la América Latina, titulada Túpac Amauta.