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Rose Lowder: una introducción

Alta Tecnología Andina, en colaboración con el Festival Lima Independiente y con el apoyo de la Embajada De Francia En Peru, la Alianza Francesa de Lima y la Dirección del Audiovisual, la Fonografía y los Nuevos Medios del Ministerio de Cultura del Perú, presentan un foco sobre la obra de Rose Lowder por primera vez en el Perú, Además, Rose dará una masterclass y será parte del Staff de jurados de la Competencia Fronteras Destruidas.

Sobre Rose Lowder
Rose Lowder ocupa un lugar central en la historia del cine experimental, no sólo por su importante (e ininterrumpida) producción desde los años 1970, sino también por su labor como académica y gestora. Nacida en Lima en 1941, Lowder se interesa por diversas formas de expresión artística, a las que se inicia en los talleres de artistas peruanos y que luego continúa en universidades europeas. Lo que más resalta en su extensa filmografía (que cuenta con aproximadamente 40 films) es la atención prestada al entorno natural y los mecanismos de creación de la imagen en movimiento. Las obras, por lo general breves, han sido hechas, casi en su totalidad, en film de 16mm, mediante delicados y precisos métodos de montaje en cámara. Los films de Lowder pertenecen a colecciones como las del Museo de Arte Moderno de París, Art Gallery de Ontario y el MoMA; y se han presentado en festivales alrededor del mundo, siendo objeto de retrospectivas en espacios como el Art Institute de Chicago, California Institute of the Arts, Tate Modern y la Cinemateca Francesa.

Sobre su obra
Para algunos autores la obra de Rose Lowder presenta distintas etapas. En A filmic exploration by means of botanical imagery. Notes on Rose Lowder, Enrico Camporesi (2013) sostiene que la primera corresponde a una investigación artística estructural del medio cinematográfico, a partir del trabajo sin cámara del soporte fílmico. En este primer periodo, la cineasta trabajó con tiras de película de 16 mm transparentes, las cuales agujereó, para luego rastrear las líneas entre los agujeros con un marcador de tinta.

En palabras de la propia artista: “mientras que la tradición cinematográfica se ha construido sobre dos tipos de movimientos -el de la cámara y el de la realidad filmada- es en la preocupación por el mero mecanismo del aparato fílmico que se manifiestan las posibilidades inherentes en la organización de los cuadros individuales y el movimiento del soporte fílmico” (Lowder: 147). Dicho interés por la exploración del aparato fílmico, es una constante en su obra hasta la actualidad.

Una segunda etapa de su obra, se plantea a partir del uso de la cámara de 16 mm para componer una serie de films que revelan aspectos del mecanismo de proyección, y también del mecanismo de la percepción visual. La artista en una entrevista comenta: “(…) tú puedes construir una imagen en la pantalla con pedazos de diferentes cuadros. Puedes cambiar ligeramente partes de los cuadros o de varios cuadros – cambiar el color, el grosor de las líneas, lo que sea, y sucede una cosa totalmente diferente.” (Mcdonald: 219). Esta preocupación por el trabajo con la unidad mínima del cine, el cuadro, persistirá en sus películas de elementos urbanos, paisajistas, y sobretodo botánicos.

Método y proceso creativo
El método de trabajo de Rose Lowder, se lleva a cabo en el proceso de grabación, gracias al uso de una cámara de 16 mm que le permite fotografiar en dos tandas diferentes, primero los cuadros pares y luego los impares. Las composiciones de sus películas resultan en complejos esquemas, que implican un estudio del lugar, y los elementos a aparecer, tomando en cuenta elementos esenciales como la luz, movimiento, y color.  Tara Merenda (2015) compara al método científico con el método creativo de Rose Lowder, por el proceso de inducción que este implica. La cineasta dibuja a mano sus esquemas luego de filmar sus películas, como registro del proceso y como ilustración de la estructura resultante de estas. En la actualidad se pueden encontrar 800 páginas de información visual de 450 rollos de película aproximadamente, en un total de 5 cuadernos. Este trabajo minucioso y detallista resulta en un efecto de flicker, que recrea gentiles collages estroboscópicos, con un ritmo ligero y fluido.

Anat Pick en un artículo del Tate Museum (2014), menciona que en la obra de Rose Lowder convergen vida y arte. La cineasta crea una relación personal con los paisajes que retrata, para darle un lugar especial a la naturaleza que la rodea. En este sentido, para Pick el cine de Rose Lowder también funciona como medio de reflexión ecologista, al invitar al espectador a crear una nueva relación perceptual y personal con los elementos de la naturaleza.

Referencias
-Camporesi, Enrico. A Filmic exploration by means of botanical imagery. Notes on Rose Lowder. Amsterdam: Amsterdam Press. 2013, vol. 2, no. 1, Green.
-Lowder, R. Le Film expérimental en tant qu’instrument de recherche visuelle. Contribution des cinéastes expérimentaux à une demarche exploratoire. PhD dissertation, Université Paris X Nanterre, 1987.
-MacDonald, S. A critical cinema 3: Interviews with independent Filmmakers. Berkeley-Los Angeles: University of California Press, 1998.
-Mendelson, Tara. Scientific Creativity: The Notebooks of Rose Lowder. Afterimage online. Junio 2015.  <http://vsw.org/afterimage/2015/06/25/essay-scientific-creativity-the-notebooks-of-rose-lowder/>
-Pick, Ana. Rose Lowder Filming frame by frame. Tate Museum. Febrero 2014. <http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/rose-lowder-filmmaking-frame-by-frame>

 

Dinh Q Lê – The Colony

En el 2015, el artista vietnamita viajó a Perú para la realización del proyecto The Colony, en cuya producción colaboró ATA. Dinh Q Lê grabó las islas guaneras de Chincha, ricas en el fertilizante cuya comercialización trajo grandes ganancias. Estableciendo un paralelo entre la ocupación china de islas del territorio vientnamita, Lê recuerda la existencia del “Guano Act”, acta firmada en 1856, por la que los Estados Unidos podía apoderarse de una centena de islas y atolones “deshabitados” del Pacífico. Asimismo, Lê muestra los restos de lo que fue una industria próspera y como esta sigue operando casi de la misma manera como lo hizo en el siglo antepasado. El registro de estos espacios es intervenido con técnicas de animación que le permiten al artista darle la intimidad propia de un relato. Así, los trabajadores contemporáneos y los trabajadores chinos animados confluyen en un mismo espacio que parece haberse detenido en el tiempo.

Teaser del proyecto

Entrevista a Dinh Q Lê

Links del proyecto en prensa:

https://www.theguardian.com/artanddesign/2016/feb/02/dinh-q-le-the-colony-review-rich-messy-melange-history-technology

https://thespaces.com/2016/08/25/artist-dinh-q-le-roams-the-guano-islands-for-his-film-the-colony/https://ikon-gallery.org/event/dinh-q-le/

Toti-Cronología

Toti-Cronología

1924: 24 de junio. Nace Gianni Toti en Roma, en via della Scrofa 39, en épocas del infausto ventenio fascista.

Durante sus años en el liceo clásico Ennio Quirino en Roma, de seis a ocho de la mañana, estudio El Capital de Karl Marx.

1943: Se inscribe en la facultad de derecho pero sigue también lecciones de letras, en particular el curso de literatura rusa.

1943-1945: Participa de la resistencia partisana romana entre los Gapistas, su nombre de batalla era Vania.

1944: 21 de enero. En un tiroteo es herido en la pierna y capturado por los alemanes pero logra liberarse.

1946 – 1968: En Milán es contratado como redactor del periódico L’’Unità.

1948: Empieza a militar en el Partido Comunista Italiano.

En un encuentro mundial de la juventud comunista en Hungría conoce a su futura esposa, Marinka Dallos.

1952-1958: Asume la dirección del semanario sindical Lavoro de la Confederación General Italiana del Trabajo (CGIL) etapa en que este medio se destacó por su gráfica moderna y la amplitud de temas tratados: desde la literatura, el cine, la fotografía hasta el tiempo libre.

1958-1969: Como enviado de guerra y enviado especial de Vie Nuove, viaja por el mundo, desde Vietnam hasta Cuba, y desarrolla una vocación planetaria en sus versos y escritos.

1961: Publica un libro de sociología, Il tempo libero (El tiempo libre), traducido a varias lenguas.

1965: Primera colección de poesía titulada L’uomo escrito (Hombre escrito). Empieza a colaborar en varias revistas literarias y culturales.

1967: Funda y co-dirige Carte Segrete, reconocida revista trimestral de literatura y arte.

1968: Escribe, fotografía, recoge literatura autóctona para traducir y produce los cinenoticiarios libres con Cesare Zavattini y Jean-Luc Godard.

1970: Junto a Joaquin Jordá realiza el documental Lenin Vivo.

1973: Realiza el largometraje E di Shaúl e dei sicari vie da Damasco (Y Saúl y los asesinos de las calles de Damasco)

1980: Realiza La Vita Cuotidiana durante la Prima Guerra Mondiale, como parte del Programa de Investigación y Experimentación de la RAI (radiotelevisión italiana).

1981: Realiza Per una videopoesia, obra que inicia el nuevo género de la video poesía.

Realiza el cortometraje publicitario Alice nel paese delle cartaviglie (Alicia en el país de cartavillas).

1983 – 1984: A partir de 2 minutos y 40 segundos de película original del célebre poeta ruso Vladimir Maiakovski realiza tres video creaciones compiladas en La trilogia majakovskijana.

1986: Realiza la serie de videopoemas científicos L’immaginario scientifico (El Imaginario Científico) para La Villete de París.

1988: Realiza SqueeZangeZaúm, dedicada al escritor y poeta futurista ruso Velimir Khlebnikov, que recibió el Premio Laser de Pro en el Festival de Locarno.

1992: Realiza Tenez Tennis, video-ballet en homenaje a la tenista Suzanne Lenglen con música concreta de John Cage.

1993: Lanza con la editorial Fahrenheit 451 la serie I Taschinabili di Gianni Toti, libros de bolsillo-móviles.

1994: Produce Planetopolis en el Centro Internacional de Creación de Video (CICV) Pierre Schaeffer, el mítico “Castillo Electrónico” ubicado en Montbéliard-Belfort.

Realiza también L’origInédite, su primer synthéo-poéme, o poema con imágenes sintéticas (virtuales) que interroga el universo binario hecho de ceros y unos.

1996: 25 de octubre. Se funda la sala de exhibiciones Espace Gianni Toti de la ciudad de Herimoncourt.

1997-2001: Produce la trilogía Tupac Amauta en el CICV en Montbéliard-Belfort, en colaboración con José-Carlos Mariátegui, José Javier Castro, Sandra Lischi y Elisa Zurlo.

1998: Realiza Acá nada, video poesía sobre la historia de las tierras que hoy llamamos Canadá.

2004: Publica su última colección de poemas I penultimi madrigali dedicado a su segunda esposa, Pia Abelli.

2007: 8 de enero. Muere en Roma.

2009: 15 de mayo. Se inaugura La Casa Totiana, en vía Ofanto 18, Roma.

Totiano, el lenguaje de Gianni Toti

Gianni Toti siempre buscó transgredir el lenguaje formal y darle nuevos significados. Como parte de su proceso intelectual creó conjugaciones de palabras para formular desde nuevos significados hasta géneros artísticos y audiovisuales. El Totiano es una mezcla heterogénea de lenguajes, expresiones idiomáticas, relaciones semánticas y etimológicas que componen el núcleo lingïstico verbal de su obra.

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Pantallas del Video Arte Peruano

TRES PANTALLAS – CFT
A la memoria de Miguel Zegarra

Resumen
Esta selección resume tres etapas claramente distintivas de la historia del video arte y el video experimental en el Perú.  La primer comprende sus inicios, los primeros festivales de video de los años 70 y su esporádico uso artístico en los años 80.  La segunda etapa se inicia en la década del 90 y llega a su difusión mayor con el Festival Internacional de Video Arte que promovió la aparición de un nuevo grupo de artistas audiovisuales.  La tercera etapa se inicia en la primera década del siglo XXI, está concentrada en la consolidación del video como parte de las exhibiciones de arte contemporáneo y la reconfiguración del consumo medial generado por el Internet.

Los Primeros Años
En el Perú, la televisión llegó alrededor de 1959 y el video tape en 1963, las primeras experimentaciones locales con video y soportes electróicos corresponden a la década posterior.  Pero ya en 1967, Rafael Hastings se encontraba en Francia y se interesa por experimentar en video; le siguieron Mario Acha en video documental y Teresa Burga con proyectos de instalaciones también iniciaron su exploración en el medio. Los primeros eventos dedicados a video arte aparecen a fines de la década del 70.  En 1976 el Museo de Arte Italiano en Lima (Galería del Instituto Nacional de Cultura) presenta “Video Art USA”, curada por Suzanne Delehanty y Jack Boulton donde participan 32 artistas internacionales.  En 1977 Alfonso Castrillón, y Jorge Glusberg organizan el VIII Festival Internacional de Video Arte en la Sala de Exposiciones del Banco Continental, donde participan: Nam June Paik, Valie Export, Wolf Vostell, Hervé Fischer, Martha Rosler, Marta Minujín, Vítor Grippo y Rafael Hastings.  En la década de los 80’s se detuvo casi por completo su uso, aunque predominó el trabajo en video como registro de acciones y algunas producciones alternativas como las de Juan Javier Salazar y algunos colectivos locales.

La explosión del Video
Una promisoria segunda etapa se inició a mediados de los años 90 gracias a una serie de eventos aislados pero que con cierta persistencia dan lugar a una nueva generación de artistas locales comprometidos con el medio electrónico. A inicios de los años 90 Arias & Aragón empiezan a explorar el medio. Eduardo Villanes, en 1995, presenta “Gloria Evaporada” en la Galería de Arte de la Facultad de Letras y Ciencias Humanas de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos.  El 2do Festival Internacional de Video Arte es organizado por ATA y la Galería de Artes Visuales de la Universidad Ricardo Palma.  Así es como aparece un nuevo grupo de artistas peruanos como: Roger Atasi, Rafael Besaccia, Iván Esquivel, Angie Bonino, Diego Lama y Álvaro Zavala, artistas jóvenes y que fueron incorporándose en el campo de arte.  Este grupo fue también activo internacionalmente, mediante participaciones en festivales y exhibiciones, principalmente en Europa. 

Primera década del siglo XXI: consolidación global
A mediados del siglo XXI, como parte de un proceso global, el video peruano se desplazó de un circuito alternativo a configurarse como parte de las exhibiciones de arte contemporáneo.  Es notable el número de trabajos en video en exhibiciones y bienales internacionales.  Carlos Runcie-Tanaka, presenta video instalaciones en la 8a. Bienal de Cuenca donde logra Mención Honrosa y en la 26a. Bienal de Sao Paulo.  La obra “Muro” de Luz María Bedoya, conformado de un libro de fotografías y un video es el envío peruano a la 51a. Bienal de Venecia bajo la curaduría de Jorge Villacorta.  “Vía Satélite”, muestra curada por Miguel Zegarra y José-Carlos Mariátegui itineró por 5 países de América Latina presentando de 14 artistas de video. A fines de la primera década del siglo XXI algunos artistas peruanos radicados en el extranjero han producido obras de nivel internacional como David Zink Yi en video, instalación y sonido; Gabriel Acevedo en video y animación; y, Antonio Gonzáles Paucar en performance y video.  Estos artistas participan del competitivo mercado internacional, donde la nacionalidad no existe más.  Hoy se hace difícil hablar de artistas en video; el Internet ha reconfigurado nuestro consumo del medio.  Es así que “Atipanakuy” de Álvaro Zavala se vuelve la obra de video arte peruano más vista en el mundo, gracias a YouTube, con más de 51,500 vistas; aunque aun dista del video “Nuevo atardecer” de la Tigresa del Oriente con cerca de 2 millones de vistas.