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Rose Lowder: retrospectiva + masterclass

Partituras de rodaje

El Festival Lima Independiente y Alta Tecnología Andina con el apoyo de la Alianza Francesa, la Embajada de Francia y el Ministerio de Cultura, presentan dos programas dedicados a la filmografía de Rose Lowder, reconocida cineasta experimental nacida en Lima en 1941. Los diecisiete films que componen los programas buscan dar cuenta de una trayectoria de más de tres décadas, en la que Lowder ha desarrollado un método de trabajo consistente, una reflexión teórica sobre su práctica —y sobre el cine experimental de manera general—, así como una importante labor de gestión en favor de este tipo de práctica cinematográfica.

Cada programa encapsula los diversos métodos y temas recurrentes en la obra de Lowder: la experimentación en el desfile de imágenes, el paso del tiempo en la naturaleza, la reflexión sobre la percepción visual, el ritmo de los objetos mecánicos y los fragmentos de viaje. En el primer programa el acento está puesto en la exploración de los espacios. En algunos casos, esta exploración del espacio se hace a través del método de trabajo de Lowder, que consiste en grabar únicamente los cuadros necesarios, intercalando la presencia de imágenes con vacíos. Gracias a la manipulación que permite la cámara Bolex, Lowder filmará en los espacios vacíos, creando una imagen parpadeante donde dos situaciones espacio-temporales distintas parecen superponerse. En otros casos, los films obedecen a la lógica del carnet de viaje, de los apuntes en movimiento, capaces de capturar la atmósfera de una ciudad, de una época.

El segundo programa se enfoca en la experiencia vital que se ve reflejada en las películas de Lowder. Films como Sources o Fleur de sel son pequeños homenajes a espacios e individuos cuya forma de vida Lowder valora. Lowder no busca que los humanos que habitan en sus películas representen algo en particular (la potencia del trabajo manual o por el contrario la explotación), existen como parte del paisaje. Los campesinos de la agricultura biológica, los habitantes de las granjas de productos orgánicos son parte de una comunidad repartida en pequeñas zonas en espacios rurales en Francia (en Europa de manera general); una comunidad a la que Rose Lowder también pertenece.

Al revisar la filmografía de Lowder uno no puede sino notar un hecho paradojal: el distanciamiento que la directora impone con respecto a la realidad mediante el uso de un programa de rodaje establecido no hace sino acercar al espectador al universo natural de la realizadora que disfruta rodearse. El espectador queda atrapado en el a veces frenético ritmo al que van los detalles y las texturas de este entorno. En los fotogramas de Lowder no hay espacio para la idealización bucólica y la contemplación de la flora y fauna se hace bajo condiciones específicas, que le quitan a la naturaleza su temporalidad “real” para componer una nueva, vibrante, heteróclita.

La premisa de “filmar la realidad de manera distinta a como la verías si estuvieras ahí” viene quizás de los primeros experimentos de Lowder con el desfile de la cinta cinematográfica y sus estudios sobre la percepción, que le permitieron tener una comprensión profunda de cómo se forman las imágenes. Al principio de desfile de imágenes vendrían a sumarse otras variables, que Lowder explora con la misma atención: la luz, cómo los objetos la reflejan o la captura, el foco, la textura, el grano, etc. Ambos programas se abren con los primeros ejercicios de Lowder en esta línea, heredera del cine estructural, y se cierran con obras que han sido pensadas para dos proyectores.

Para leer: Rose Lowder: una introducción

Programa 1: Fusiones espaciales
Miércoles 6 de junio de 2018
Auditorio de la Alianza Francesa de Miraflores
Av. Arequipa 4595, Miraflores
7pm

 

 

Boucles [Bucles]
1976-1997 / 16mm / color / silente / 6′ 00
Cine sin cámara: una exploración de las variaciones de sencillas formas en el tiempo y una reflexión sobre la capacidad transformadora del dispositivo de proyección.

 

 

 

 

 

 

 

 

Voiliers et coquelicots [Veleros y amapolas]
2001 / 16mm / color / silente / 2′ 00
Veleros desplazándose entre flores o flores agitándose en el mar, la alternancia acelerada de paisajes es uno de los sellos distintivos de la obra de Lowder.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Beijing 1988
1988-2011 / 16mm / color / sonoro / 12′ 17
Movimientos pausados del cotidiano de la ciudad en sus detalles, un año antes de la revuelta de Tia’nanmen. Beijing 1988 es una suerte de cuaderno de viaje, otra de las formas recurrentes en su práctica.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Scènes de la vie française : Paris [Escenas de la vida francesa: París]
1986 / 16mm / color / silente / 26′ 00
La lúdica transformación de vistas de París, donde se alternan a gran velocidad imágenes captadas momentos del año.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Quiproquo
1992 / 16mm / color / sonoro / 13′ 00
Quiproquo: malentendido por el cual se toma una cosa por otra. Un film sobre dos realidades que existen en paralelo: la naturaleza y el desarrollo técnico. Musicalizado por Katie O’Looney.

 

 

 

 

 

 

 

Champ provençal [Campo de Provenza]
1979 / 16mm / color / silente / 9′ 00
Una plantación de melocotones es el espacio en el que Lowder experimenta con las posibilidades del enfoque.

 

 

 

 

 

Rien d’extraordinaire [Nada extraordinario]
2010 / 16mm / color / sonoro / 2′ 00
Registro de una coreografía improvisada en una pensión en medio de las montañas.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Les tournesols + les tournesols colorés [Los girasoles + Los girasoles colorizados]
1982-1983 / 16mm / color / silente / 6′ 00
Exploración de la alteración del color, proyectado lado a lado con el registro original.

 

 

 

 

 

 

 

 

Retour d’un repère [Regreso de un punto de referencia]
1979 / 16mm / color / silente / 2E / 19′ 00
El interés de Lowder por el ritmo trasciende aquel que puede lograr manipulando la cámara. Así, el estudio de distintas tradiciones poéticas es el punto de partida para este film, donde Lowder calca la estructura del “pantun”, forma poética de Malasia. La versión que se presentará

 

 

 

Programa 2: Hábitats
Jueves 7 de junio de 2018
Auditorio de la Alianza Francesa de Miraflores
Av. Arequipa 4595, Miraflores
7pm

 

Parcelle [Parcela]
1979 / 16mm / color / silente / 3′ 00
Este film temprano fue compuesto fotograma por fotograma, buscando la alternancia de pequeñas formas y colores en un fondo negro, que a su vez se intercalan con fotogramas en blanco o coloreados.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Bouquets 21-30. Bouquets écologiques [Bouquets 21-30. Bouquets ecológicos]
2001-2005 / 16mm / color / silente / 14′ 00
Recolectar imágenes con un programa establecido, el de grabar cuadro por cuadro, dejando uno “vacío” para luego llenarlo con capturas de otro espacio y tiempo. Bouquets que, como afirma Lowder, contienen también “malas hierbas”. Esta serie, en particular, revela el interés de Lowder por temas socioambientales, pues estos Bouquets fueron grabados en espacios dedicados al cultivo responsable. En ese sentido, esta serie de Bouquets deja entrever el cotidiano de quienes ahí trabajan.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Impromptu
1989 / 16mm / color / sonoro / 8′ 00
Como su nombre lo indica, se trata de una pieza hecha de imprevistos: “distribución no planificada, pista de sonido provista accidentalmente por el laboratorio, actores inesperados, títulos finales producidos fortuitamente”, describe Lowder.

 

 


Fleur de sel [Flor de sal]

2010 / 16mm / color / sonoro / 32′ 00
A diferencia de otros films, lo que dicta el ritmo de Fleur de sel es la actividad de los “habitantes” de las salinas de Guérande; no sólo de las aves que se desplazan sobre las superficies cristalinas sino la de los trabajadores que recolectan artesanalmente la sal.

 

 

 

Habitat – batracien [Hábitat – batracio]
2006 / 16mm / color / silente / 8′ 31
A diferencia de Fleur de sel donde los “personajes” que habitan las salinas se multiplican, en Habitat-batracien, Lowder se detiene a observar las ranas de un estanque. Son ellas quienes dirigen el momento del registro, pues la intención de Lowder era la de penetrar en la dimensión temporal de este espacio y sus habitantes.

 

 

 

Sources [Fuentes]
2012 / 16mm / color / sonoro / 5′ 22
En los films de Rose la actividad productiva humana no está disociada de la naturaleza. La realizadora busca (o encuentra) personas que se dedican a extraer de ella lo necesario para vivir.

 

 

Roulement, rouerie, aubage [Rotación, astucia, álabe]
1978 / 16mm / color-n&b / silente / 15′ 00
Tres cortos films puestos uno tras otro que toman como punto de partida el movimiento de una turbina de paletas planas. Las tres partes llevan nombres que remiten al foco de interés del film. Roulement (Rotación) = “movimiento de la rueda que remite a los mecanismos de la cámara”. Rouerie (Astucia) = se remite a una manera de filmar, donde hay un juego con el foco. Aubage = una palabra inventada por Lowder que remite a las serenatas cantadas al alba, como el que entona la máquina filmada.

Certaines observations [Algunas observaciones]
1979 / 16mm / n&b / silencieux / 14′ 00
Un film temprano donde dos imágenes superpuestas —provenientes de dos proyectores sincronizados— evocan el movimiento y la iluminación propia de las fiestas nacionales, grabadas en blanco y negro y proyectadas una en positivo y otra en negativo.

Masterclass: la creación en film y la distribución del cine experimental
Viernes 8 de junio de 2018
Auditorio de la Alianza Francesa de Miraflores
Av. Arequipa 4595, Miraflores
11am

En esta clase maestra, Rose Lowder abordará dos aspectos de su carrera: el de la creación en film y el de la distribución de cine experimental.

A manera de introducción, Lowder explicará el contexto -dentro del campo del cine experimental- en el que se inscribe su cine. Describirá las características de este tipo de películas en distintos países y la manera como estas obras son distribuidas y exhibidas en el cine o en otros espacios culturales, como museos o salas de exposición. En su rol de gestora, Lowder ha escrito numerosos artículos sobre los circuitos de circulación del cine experimental europeo. Junto a Alain-Alcide Sudre, fundó los Archivos del film experimental de Avignon, institución fundada hace más de treinta años con el objetivo de dar a conocer películas que para la época eran inaccesibles en Francia. La colección cuenta con casi 200 films y una importante cantidad de documentos en papel que pueden ser consultados en la distribuidora Light Cone.

En una segunda parte, Lowder explicará  las razones que la llevaron a elaborar el particular método con el que trabaja, que consiste en hacer el montaje en cámara, exponiendo la película dos veces de forma a intercalar imágenes en distintos espacios y momentos. Para ello, Lowder tomará como referencia hitos de la historia del arte y la cinematografía y completará la explicación con el visionado de  fragmentos de sus films, proyectados en 16mm.

La masterclass de Lowder es no solo una oportunidad para adentrarse en el trabajo de una artista sino un espacio para redescubrir el potencial creativo del film, sus fundamentos mecánicos y fotoquímicos y cómo estos pueden ponerse al servicio de una investigación más amplia sobre el ritmo, la percepción y la naturaleza.

PlaneToti. Conferencia de Sandra Lischi

Como cierre de la muestra POETRÓNICO. Gianni Toti y los orígenes de la video poesía, Sandra Lischi, autora de PlaneToti-Notes vendrá a Lima a dar una conferencia sobre el imaginario de Gianni Toti.

PlaneToti. Conferencia de Sandra Lischi

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PlaneToti: el imaginario de Gianni Toti
La conferencia propone dar algunos elementos para comprender el rico y creativo mundo de Gianni Toti, poeta, cineasta, periodista, video-artista, escritor de cualquier tipo de escritos. Sus imágenes comienzan a partir de las palabras y hace palabras en forma de imágenes, y crea una página pantalla, o una pantalla página para nuevas formas, de acuerdo con su neologismo “Poetrónico”. El vídeo parece cumplir su voluntad para crear imágenes y sonidos para nuevas formas de pensar nuestro mundo y su complejidad. La literatura y la poesía, el patrimonio cinematográfico, la música (desde el clásico hasta la electrónica, pero también la popular y de la calle), el teatro, encuentran nuevas formas en la obra de Toti a través del encuentro con video-tecnologías, descubiertas en sus idiomas inesperados. Pero el “imaginario” de Toti encuentra su inspiración en su extraordinaria biografía y en la historia también: revoluciones, utopías, grandes expectativas y sueños, así como la tragedia de las guerras y colonizaciones.

SANDRA LISCHI
Biografía
Sandra Lischi (Pisa, 1951). Profesora titular en “Cine, Fotografía y Televisión”, en la Universidad de Pisa y el presidenta de los cursos de “Arte Performático y Comunicación”. Ella realiza en Pisa, desde 1985, el festival de vídeo y evento cultural “Ondavideo”, y en Milano co-dirige “Invideo”, festival de vídeo internacional existente desde 1990. Crítica de video arte e investigadora, escribió muchos textos, artículos, libros sobre vídeo arte, video experimental y cine; ha dado conferencias en muchos centros importantes, universidades e instituciones culturales en Europa, Japón, ex URSS, América del Norte y del Sur, África del Norte. Realizó un video-retrato del artista italiano Gianni Toti, PlaneToti – Notes (Italia-Francia, 1998, 30 ‘), en coproducción con la CICV-Pierre Schaeffer, Francia, durante algunas residencias relativas a una colaboración con el poeta y video-artista italiano Gianni Toti por sus videopoemas Planetopolis y TupacAmauta, y para La morte del trionfo della fine. Como productora, para la “Associazione Culturale Ondavideo produjo la serie “Portaits of cities”, videos sobre Pisa. Algunos de sus libros: Metamorfosi della visione. Saggi di pensiero elettronico (con Rosanna Albertini), 1988, segunda edición de 2000; Il Respiro del tempo. Cine y vídeos di Robert Cahen (1992, nueva edición con DVD, 2009- Inglés y ediciones francesas también); Cine ma vídeo, 1996; Visioni elettroniche. L’oltre del cinema e l’arte del video, de 2001; Un video al castello, 2002; Il linguaggio del vídeo, de 2005. En 2012, ella y Silvia Moretti editaron el libro de Gianni Toti, o della poetronica. Colabora estrictamente con “La Casa Totiana” en Roma. 

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via dei giornalisti - Roma

POETRÓNICO: Gianni Toti y los orígenes de la video poesía

Información sobre el Ciclo de conferencias y proyecciones

En el contexto de la celebración de los 20 años de la labor de ATA, estamos preparando una exposición retrospectiva de la obra de Gianni Toti, uno de los padres de la video poesía y del video experimental. Si bien ya hemos presentado obra de Toti anteriormente, esta muestra sería la primera en presentar una selección prácticamente completa en Latinoamérica, además de ser la obra con la cual ATA empezó su labor cultural, cuando Gianni Toti visitó Lima en 1995.

La muestra estará en la Sala 1 del Museo de Arte Contemporáneo (MAC), desde el viernes 23 de octubre de 2015, al martes 12 de enero de 2016.

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¿Quien es Gianni Toti?
Gianni Toti (1924-2007) es considerado el padre de la video poesía y unos de los más importantes autores de video arte a nivel internacional. Su rica biografía, como poeta, escritor, autor de películas y piezas teatrales, dibuja el perfil de un intelectual orgánico que confronta infatigablemente la profundidad teórica y la actividad cultural con iniciativas editoriales y con intervención militante a partir de su actividad en la resistencia romana y luego como periodista y enviado especial del diario L’Unitá.

Cronología de Gianni Toti

POETRÓNICO. Gianni Toti y los orígenes de la video poesía
La importancia de Gianni Toti
La voluntad de experimentar lenguajes nuevos y su vocación al desmontaje lógico-sintáctico de la palabra, que marca su poesía, le hace descubrir el video, empujando a límites extremos la poesía de la imagen electrónica como suma de todas las artes, la concretización del sueño de un arte total. Toti realiza algunas videopoesías en el sector de la investigación y experimentación de la RAI (Radiotelevisione italiana), inaugurando una carrera en la que habría de realizar (más en el exterior que en Italia) 13 obras, mejor definidas como VideoPoemOperas, dada la síntesis de lenguajes musicales, imaginativos y poéticos que las caracterizan. Del analógico al digital, retornan los temas de toda la trayectoria totiana: la investigación sobre la palabra, sobre la base de muchos poetas experimentales –entre los cuales figuran Mayakovski y Chlebnikov, Hölderling y Mallarmé–. Pero Toti no solo trabajó en el campo de la síntesis del lenguaje: para la Cité des Sciences et de l’Industrie de París realizó en 1986 siete VideoPoemas dedicados al imaginario científico.

Toti en América Latina y el Perú: el legado y el contexto peruano
El vínculo de Toti con América Latina se inicia en Cuba, con una aparición en la película “Memorias del subdesarrollo” de Tomás Gutiérrez Alea donde participa de una escena en una mesa redonda sobre la situación cubana de la que participa Gianni Toti junto con René Depestre, David Viñas y Edmundo Desnoes. Durante los años 80 y 90 participó activamente en Festivales y manifestaciones de video en América Latina. En el Centro Internacional de Creación de Video (Montbéliard, Francia), el mítico Centro Pierre Schaeffer, Toti realizó sus más grandes y últimas creaciones, como “Planetopolis” un ensayo poético sobre la utopía negativa de la ciudad planetaria ininterrumpida y “TupacAmauta” que llevó por primera vez la figura de dos de los más grandes pensadores del siglo XX: José Carlos Mariátegui y Antonio Gramsci. De esta forma Toti lleva el pensamiento latinoamericano al dominio metafórico y alegórico del lenguaje electrónico pasando del área semántica de la literatura y cinematografía a la fusión de todas las artes con la perspectiva de obra de arte total y de syntheatrónica.

Ver la web con el homenaje que le hicimos a Toti en el año 2007.

Sabes qué es el Totiano?  descúbrelo aquí.

 

 Dialogo digitale del corpo umano1 Incatenata alla pellicola-1 L'arnia cosmica L'ordine, il caos, il phaos Per una videopoesia-1 Tenez Tennis-1 Terminale Intelligenza-2


SELECCIÓN

Planetopolis
126 min
1994

Primera creación audiovisual que Toti definió como “VideoPoemOpera” y que intenta llevar el video al límite de sus capacidades visuales y técnicas. Trata sobre la distopía (utopía negativa) de la ciudad ininterrumpida que cubre el planeta y es regulada por la pesadilla humana y la poética del “homo electronicus”. Planetopolis es una obra de altísima complejidad visual y sonora, donde se sintetizan en forma heterogénea material de archivo, imágenes fílmicas de Lang, Eisenstein, Marker, Pennebaker, Lanoli, efectos especiales y animación, que aluden a una transforamción planetarial dentro de un confín de video. A nivel sonoro se está configurada por un lenguaje compuesto por diez idiomas e incorpora música procesada a partir de cincuenta canciones de compositores clásicos y modernos.

 

Experimentos en Video Poesía

Toti es considerado el padre de la video poesía pues usó el video como un medio de experimentación que le permitió expandir el campo metafórico y alegórico del lenguaje para vincularlo con la literatura, cinematografía, lingüística y otras disciplinas con la perspectiva de elaborar una obra de arte total. En sus inicios fueron un conjunto de video poemas breves, con músicas elaboradas al revés y en diferentes intervalos, pero con el pasar de los años estos video poemas incorporaron imágenes digitales y virtuales que también cuestionaban visualmente la realidad que nos provee la tecnología.

  • Per una videopoesía (50 min, 1980)
  • Tennez Tenis (15 min, 1992)
  • Aca Nada (27 min, 1998)
  • L’Originedite (18 min, 1994)
  • Monteveritazione (17 min, 1991)

 

Trilogía Maiakosvkiana

Es la historia de Sakavannaia filmoi, la película escrita en 1918 por el  célebre poeta ruso Vladimir Maiakovski e interpretada por él y Lili Brik. Se basa en 2 minutos y 40 segundos de película original que fue salvada de un incendio y que Lili Brik obsequia a Gianni Toti. Resulta significativo el ingenio de Toti y la utilización de los nuevos lenguajes del arte electrónico en el campo de la post-producción para producir casi 3 horas de obra original a partir de un pequeño fragmento de film. Como nota curiosa, Toti acusó a Woody Allen de haberse “inspirado” en exceso en su trilogía, o en Maiakovski, para realizar su película La rosa púrpura del Cairo.

  • Valeriascopia (26 min, 1983)
  • Incatenatta alla pellicola (60 min, 1983)
  • Cuor di Telema (83 min, 1984)

 

El Imaginario Científico

Toti produjo en el año 1986, con el apoyo de la sociedad de música informática y la ciudad de las ciencias y la industria de Paris (La Villette) una serie de video creaciones que versan desde la relación de teorías cósmicas, la estructura final del universo, geometría fractal, atractores extraños, antimateria y ciencia médica para el estudio del cuerpo humano. Las imágenes del hombre y la máquina dialogan de forma armoniosa en estos trabajos. Muchas de estas obras fueron trabajadas a partir de discusiones que Toti sostuvo con reconocidos científicos, insumo que le permitió producir imágenes técnicas de alto nivel de sofisticación.

  • Dialogue Digital du Corps Humain (27 min, 1986)
  • l’arma cosmica (8 min, 1986)
  • L’ordine, il caos, il phaos (24 min, 1986)
  • A la Recherche de L’Anti-queue Imaginée (17 min, 1986)
  • I raggi cosmici e l’odoscopio (5 min, 1986)

 

Tupac Amauta

Esta trilogía, compuesta de un canto y dos gritos, es un homenaje a Latinoamérica, a José Carlos Mariátegui y a Antonio Gramsci, donde el área semántica de la literatura y cinematografía histórica se fusionan con las imágenes electrónicas creadas de novo para plasmar la palabra en movimiento. En el segundo grito, Toti nos ofrece las Sonatas en Rojo Mayor, junto con las imágenes del Monumento a la Tercera Internacional así como mitos indígenas como la Serpiente Emplumada de Quetzalcóatl. El tercer grito hace alusión a los triunfos de la ignorancia y la muerte, hoy día representada por el capitalismo.

  • Tupac Amauta (53 min, 1997)
  • Gramsciategui ou les poesimistes  (55 min, 1999)
  • Il trionfo della morte materiale di lavorazione (23 min, 2003)

 

PlaneToti-Notes
31 min
1997

La investigadora en nuevos medios Sandra Lischi realizó este video retrato sobre Gianni Toti con un corte de documental experimental, donde presenta su peculiar universo intelectual y personal así como etapas de su proceso creativo.

Click aquí para descargar la nota de prensa

Laboratorio del riesgo

LABORA

Emiliano Rodriguez Nuesch es director de Pacífico (www.pacifico.la), compañía de innovación que trabaja en el campo de desastres, emergencias y ciudades inteligentes. Junto con el Espacio Fundación Telefónica Lima hemos organizado un ciclo de actividades bajo el título “Laboratorio del riesgo” en las que se explorarán las invenciones extremas que nacen como respuesta a fenómenos extremos como desastres, emergencias y ciber amenazas. Todas las actividades se realizarán en el Espacio Fundación Telefónica (Av. Arequipa 1155, 28004 Lima, Peru).

CONFERENCIA

Conferencia: Laboratorio del riesgo
Miércoles 23 de setiembre | 7:00 p.m.
Ingreso libre

En esta charla, Emiliano presentará el Laboratorio del Riesgo y expondrá casos de innovación de Pacífico: uso de celulares para detectar terremotos, devices de supervivencia y plataformas inusuales como el turismo tóxico. Exploraremos formas de usar la creatividad, la innovación y el diseño para fortalecernos en un mundo inseguro y donde aprenderemos sobre datamotos, amuletos high tech, algoritmos y robots que salvan vidas, ayuda humanitaria digital, ciber-defensa personal, turismo tóxico, webs anónimas, webs transparentes y otras ideas geniales para momentos terribles.

Riesgo'-resiliencia

Conversatorio: “Riesgo: resiliencia y participación ciudadana” 
Jueves 24 de septiembre | 7:00 p.m
Ingreso libre

Un panel compuesto por innovadores de diversas disciplinas en el que conversaremos sobre formas de usar la creatividad y las nuevas tecnologías para fomentar la participación ciudadana y fortalecernos frente a amenazas. Trataremos temas como resiliencia urbana, sensores comunitarios, ciber seguridad ciudadana y riesgo multi-sistémico.

Taller: Laboratorio del riesgo
Sábado 26 de septiembre | 11:00 a.m.
Inscripción web

Una experiencia en la que aprenderemos a construir herramientas digitales para fortalecernos frente a amenazas. Aprenderemos a construir un sismógrafo conectado a Twitter y un sensor de bajo costo para detectar contaminación. Cupos limitados.

 

Ciclo de conferencias ‘Marcel Odenbach. Movimientos Quietos’

Con motivo de la exposición “Marcel Odenbach. Movimientos Quietos” que se compone de una selección de obras de Marcel Odenbach, hemos invitado a dos destacados investigadores en el campo de los nuevos medios y el video en América Latina, Solange Farkas (Brasil) y Jorge La Ferla (Argentina). Farkas y La Ferla discutirán acerca del trabajo de Odenbach y su relación con el contexto de producción en América Latina.

SOLANGE

Conferencia: Solange Farkas “Una lectura desde América Latina a la obra político-cultural de Marcel Odenbach”
Presentación y participación en el debate a cargo de Jorge Villacorta
21 julio de 2015 a las 19:00
Auditorio del Goethe Institut

Un componente importante en la obra de Odenbach es su interés en los procesos sociales, políticos y culturales. Esto le permitió no solo presentar una imagen crítica de Occidente, sino que también le permitió dar una mirada a la realidad no-occidental, mediante sus investigaciones en regiones poco representadas, principalmente en África. Los ensayos visuales de Odenbach logran una potencia y complejidad, que requiere de un involucramiento con la obra para poder entender sus diferentes dimensiones. Desde ese ángulo, Solange Farkas indagará sobre el trabajo de Odenbach desde la perspectiva crítica político-cultural, tanto en las obras alemanas como en su trabajo recientes en zonas no-occidentales, y cómo este tipo de trabajo tiene puntos en común y contrastes con algunos tipos de producción contemporánea en América Latina. Esta discusión nos plantea analizar el video como un elemento subversivo y a su vez liberador en las prácticas culturales y artísticas contemporáneas.

Solange Farkas
Solange Farkas es la curadora y directora de la Asociación Cultural Videobrasil. Es la creadora y curadora en jefe del Festival Internacional de Arte Contemporáneo SESC_Videobrasil, que ha surgido como el evento líder en la producción de arte desde el Sur geopolítico del mundo. De esta forma ha introducido a Brasil la obra de reconocidos artistas internacionales como Bill Viola, Gary Hill, Marina Abramovic, Olafur Eliasson, William Kentridge y Peter Greenaway. También ha sido Directora del Museo de Arte Moderno de Bahía (2007 – 2010).

JLF

Conferencia: Jorge La Ferla: “El video como dispositivo, técnica y forma. Su impacto en la producción histórica audiovisual: un contraste entre Europa y América Latina”
Presentación y participación en el debate a cargo de José-Carlos Mariátegui
22 julio de 2015 a las 19:00
Auditorio del Goethe Institut

Un componente importante en la obra de Odenbach es la elección del video como medio artístico, que en los años setenta era visto como una opción radical, alejada del mercado del arte. Odenbach usa la técnica del video para explorar la profundidad de la imagen electrónica. En ese sentido, utiliza las técnicas de edición, post-producción y ambientación en el espacio para generar un trabajo complejo y de diferentes lecturas, muy similar a los procedimientos que emplea con sus collages. Es así que su trabajo ha transcurrido entre el video registro de performance, el video mono-canal y la video instalación (en forma de grandes proyecciones, video esculturas y circuito cerrado). La presentación de Jorge La Ferla indagará sobre el uso del video como medio y lo relacionará con las prácticas artísticas de los últimos 40 años en Occidente (tomando como referencia la obra de Marcel Odenbach y sus contemporáneos) y particularmente en América Latina, considerando el impacto que ha tenido el paso de las técnicas analógicas de la imagen electrónica al digital.

Jorge La Ferla
Es profesor e investigador en medios audiovisuales, realizador de TV y multimedia y miembro fundador del movimiento de videoarte en Argentina. Ha sido director y fundador de las muestras EuroAmericanas de Cine, Video y Arte Digital organizadas por la Universidad de Buenos Aires entre 1995 y 2002. Ha editado treinta libros sobre el campo audiovisual, publicado más de sesenta textos en Argentina y en el exterior sobre cine, video, TV y multimedia y ha obtenido becas y premios para desarrollar su trabajo artístico y académico en Alemania, Argentina, Estados Unidos, España y Suiza.

 

 

ATA y Escuelab participan del HASTAC 2014

ATA y Escuelab participaron activamente en el HASTAC 2014, organizado por HASTAC (Humanities, Arts, Science, and Technology Alliance and Collaboratory), una alianza de más de 13,000 humanistas, artistas, científicos sociales, científicos y tecnólogos que trabajan juntos para transformar el futuro de la educación.

La Sexta Conferencia Internacional del Colaboratorio y Alianza para las Humanidades, las Artes, la Ciencia y la Tecnología (HASTAC 2014) se celebró en el Ministerio de Cultura del Perú, en Lima, del 24 al 27 de abril de 2014, bajo el tema: Senderos Hemisféricos: Pensadores críticos en redes internacionales. Fue la primera Conferencia de HASTAC a realizarse fuera de Norte América.

The Escuelab Zone, fue un espacio activo de discusión y presentación de los proyectos que viene desarrollando Escuelab bajo el tema “Democratizing access to technology for the youth of Peru”.

De la misma forma, el día viernes 25 de abril en el Auditorio Los Incas, José-Carlos Mariátegui, fundador y vice-presidente de ATA ofreció una conferencia magistral titulada “Disruptive, Expandable and Planetarian: Technology in Arts and Culture in Latin America“.

UNA MAYORÍA EN EL MUNDO: Imágenes de Shahidul Alam

Shahidul Alam, fotógrafo y escritor de Bangladesh, estableció el galardonado Drik Picture Library, Instituto Fotográfico de Bangladesh; Pathshala, Instituto Sur Asiático de la Fotografía; la agencia de fotografía DrikNews; y Banglarights, el portal de los Derechos Humanos de Bangladesh. Su obra ha sido expuesta en museos líderes, incluyendo el MOMA de Nueva York, el Museo de Arte Contemporáneo de Teherán, el Royal Albert Hall de Londres y el Centro Georges Pompidou de París.

Es la única persona no occidental que presidió el prestigioso jurado internacional de la World Press Photo, considerada las Naciones Unidas de la fotografía. Ha recibido numerosos premios internacionales y fue el primer asiático en recibir el prestigioso Premio Internacional Mother Jones de fotografía documental. Además es fundador de la agencia global de fotografía Majority World, el más importante acervo de trabajos de fotógrafos de Asia, África, América Latina y el Medio Oriente.

Shahidul Alam self portrait on Dhanmondi rooftop 6838
UNA MAYORÍA EN EL MUNDO: Imágenes de Shahidul Alam se presenta como parte de las actividades de la II Bienal de Fotografía de Lima

La retrospectiva de Shahidul Alam ha sido curada por José-Carlos Mariátegui y Jorge Villacorta y se exhibirá desde el 21 de abril hasta el 18 de mayo, en el tercer piso de Casa Rímac (Jr. Junín 323, Centro Histórico de Lima), de martes a domingo de 10:00am a 8:00pm. La apertura se llevará a cabo en presencia del artista, el día lunes 21 de abril a las 8:00pm

Asimismo, el reconocido fotoperiodista realizará las siguientes actividades en el Centro de la Imagen:

  • Conferencia: Fotoperiodismo en el s. XXI

Martes 22 – 8:00pm / Ingreso libre

  • Conferencia: Sobre la obra de Shahidul Alam

Miércoles 23 – 7:00pm / Ingreso libre

  • Taller: Fotoperiodismo en el s.XXI

Martes 22 – 8:00am / Las inscripciones están abiertas en el Centro de la Imagen, en informes@centrodelaimagen.edu.pe o en el 444-6999.

Blog de Shahidul Alam
Nota de prensa

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Fishermen in Dal Lake 9223 2008
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Blind boy in Gafurgaon

Rasheed Araeen en Lima

Mira el mini documental completo:


Watch the English version of the short documentary here

Rasheed Araeen (1935) es un reconocido artista conceptual pakistaní radicado en Londres. Es una de las voces más importantes en el mundo del arte en tratar el tema de la identidad de los artistas del Tercer Mundo. Es, además, fundador de la revista Tercer Texto (Third Text), publicación pionera en la que se expande la perspectiva sobre la visión del arte y la cultura en zonas poco representadas del mundo.

En el mes de octubre de 2013, Araeen visitó el Perú para presentar su trabajo Zero to Infinity (Del Cero al Infinito) obra conceptual que se realiza con la participación de la comunidad. La obra muestra que es posible enfrentar y desafiar la visión establecida de las cosas o el status quo, y desafía las estructuras jerárquicas de la sociedad sin tener que recurrir a representaciones de la realidad. Es parte de la colección de la TATE Modern y recorrerá distintos puntos de Lima en el mes de octubre.

La primera presentación se llevará a cabo el día viernes 4 de octubre en el hall principal del Museo de Arte de Lima (MALI), a las 6:00pm. La obra permanecerá en el museo hasta el domingo 6 de octubre, y el 8 de octubre comenzará su recorrido hacia los Parques Zonales “Huáscar” (Villa El Salvador), “Huiracocha” (San Juan de Lurigancho) y “Cápac Yupanqui” (Rímac).  La presentación en el parque zonal “Huascar” contará con presencia del artista, y será a las 11:00 am. El proyecto comenzará con una charla/taller en el que Araeen explicará el marco conceptual/histórico de la obra. El artista participará en todo el proceso, a veces como el iniciador o conductor y a veces como espectador. También se involucrará a la audiencia en un debate oral y una discusión a lo largo del período la acción.

Rasheed Araeen además ofrecerá una charla en la que desarrollará los puntos principales de su investigación académica “El Arte de la Resistencia: Hacia un concepto de Nominalismo” el día lunes 7 de octubre en la Galería de Artes Visuales de la Universidad Ricardo Palma, en el Centro Cultural Ccori Wasi. La charla condensa buena parte del trabajo de investigación que ha venido realizando sobre poscolonialismo y nominalismo en el arte contemporáneo, principalmente asociado a las creación en zonas poco representadas y su relación con los sistemas de poder global.

Escuchar el audio de la conferencia aqui.

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Textos Básicos (traducidos al español)

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Este evento ha sido posible gracias a la gestión de Alta Tecnología Andina (ATA), el auspicio de FfAI y la colaboración del Museo de Arte de Lima (MALI), la Universidad Ricardo Palma, la Municipalidad Metropolitana de Lima y el Servicio de Parques de Lima (SERPAR).

AGENDA
Viernes 4 de octubre, 6:00pm: MALI – Presentación de Zero to Infinity.
– Lunes 7 de octubre, 7:00pm: Centro Cultural Ccori Wasi (Galería de Artes Visuales de la Universidad Ricardo Palma, Av. Arequipa Nº 5198, Miraflores) – Charla “El Arte de la Resistencia: Hacia un concepto de Nominalismo”.
Martes 8 de octubre, 11:00am: Parque Zonal Huáscar – Villa El Salvador – Presentación de Zero to Infinity.

TODAS LAS ACTIVIDADES SON DE INGRESO LIBRE.

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Más fotos aquí
Nota de prensa
aquí

 

Este proyecto fue posible gracias al apoyo de   FfAI-logo-web

 

Alta Tecnología Andina en la 9º Bienal de Mercosur: Jorge Villacorta y Rodrigo Derteano en conversación

La 9ª Bienal do Mercosul, en Porto Alegre es una exposición de arte contemporáneo que ocurre en diversas partes de la ciudad en las que se presenta una diversidad de proyectos en simultáneo y a la vez se realizan eventos de carácter cultural.

El título de esta edición de la Bienal es, en portugués, Se o clima for favorável; en español, Si el tiempo lo permite; en inglés, Weather Permitting. Estos títulos son una invitación a la reflexión al cuándo y al cómo, al por quién y al porqué, ciertos valores, ideas y obras de arte obtienen o carecen de visibilidad en un dado momento.

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En esta edición Alta Tecnología Andina estrá participando con el proyecto Ciudad Nazca, que será representado por Rodrigo Derteano (realizador) y Jorge Villacorta (ATA).

 

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Página oficial de la bienal aquí
Dossier de Ciudad Nazca aquí

Antoni Muntadas en Lima

Considerado uno de los pioneros del media art y del arte conceptual en España, Antoni Muntadas (Barcelona, 1942) regresa al Perú después de 13 años gracias a Alta Tecnología Andina (ATA) para presentar, en el Auditorio AFP Integra del MALI, un recorrido por los últimos diez años en su producción artística, así como para compartir los detalles de sus últimos proyectos.

Antoni Muntadas (Barcelona, 1942)
La obra de Muntadas aborda temas sociales, políticos y de comunicación, así como la relación entre el espacio público y privado dentro de determinados marcos sociales analizando los canales de información y la forma en que éstos son utilizados para la diseminación de ideas o para la censura. Los proyectos de Muntadas asumen distintos medios y formatos como la fotografía, el vídeo, el internet, la instalación, la intervención en el espacio urbano o las publicaciones. Ha impartido y dirigido seminarios en diversas instituciones de Europa y Estados Unidos.

Su obra ha sido exhibida y es parte de las colecciones permanentes de importantes museos como: Museo Guggenheim y MOMA. Ha participado en la Bienal de Venecia (incluyendo el Pabellón de España), París, São Paulo , Lyon, así como en la documenta de Kassel. También han exhibido su obra el museo del Jeu de Paume de París, el Berkeley Art Museum de California, el Musée Contemporain de Montreal, el MACBA de Buenos Aires y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

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