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Rose Lowder: retrospectiva + masterclass

Partituras de rodaje

El Festival Lima Independiente y Alta Tecnología Andina con el apoyo de la Alianza Francesa, la Embajada de Francia y el Ministerio de Cultura, presentan dos programas dedicados a la filmografía de Rose Lowder, reconocida cineasta experimental nacida en Lima en 1941. Los diecisiete films que componen los programas buscan dar cuenta de una trayectoria de más de tres décadas, en la que Lowder ha desarrollado un método de trabajo consistente, una reflexión teórica sobre su práctica —y sobre el cine experimental de manera general—, así como una importante labor de gestión en favor de este tipo de práctica cinematográfica.

Cada programa encapsula los diversos métodos y temas recurrentes en la obra de Lowder: la experimentación en el desfile de imágenes, el paso del tiempo en la naturaleza, la reflexión sobre la percepción visual, el ritmo de los objetos mecánicos y los fragmentos de viaje. En el primer programa el acento está puesto en la exploración de los espacios. En algunos casos, esta exploración del espacio se hace a través del método de trabajo de Lowder, que consiste en grabar únicamente los cuadros necesarios, intercalando la presencia de imágenes con vacíos. Gracias a la manipulación que permite la cámara Bolex, Lowder filmará en los espacios vacíos, creando una imagen parpadeante donde dos situaciones espacio-temporales distintas parecen superponerse. En otros casos, los films obedecen a la lógica del carnet de viaje, de los apuntes en movimiento, capaces de capturar la atmósfera de una ciudad, de una época.

El segundo programa se enfoca en la experiencia vital que se ve reflejada en las películas de Lowder. Films como Sources o Fleur de sel son pequeños homenajes a espacios e individuos cuya forma de vida Lowder valora. Lowder no busca que los humanos que habitan en sus películas representen algo en particular (la potencia del trabajo manual o por el contrario la explotación), existen como parte del paisaje. Los campesinos de la agricultura biológica, los habitantes de las granjas de productos orgánicos son parte de una comunidad repartida en pequeñas zonas en espacios rurales en Francia (en Europa de manera general); una comunidad a la que Rose Lowder también pertenece.

Al revisar la filmografía de Lowder uno no puede sino notar un hecho paradojal: el distanciamiento que la directora impone con respecto a la realidad mediante el uso de un programa de rodaje establecido no hace sino acercar al espectador al universo natural de la realizadora que disfruta rodearse. El espectador queda atrapado en el a veces frenético ritmo al que van los detalles y las texturas de este entorno. En los fotogramas de Lowder no hay espacio para la idealización bucólica y la contemplación de la flora y fauna se hace bajo condiciones específicas, que le quitan a la naturaleza su temporalidad “real” para componer una nueva, vibrante, heteróclita.

La premisa de “filmar la realidad de manera distinta a como la verías si estuvieras ahí” viene quizás de los primeros experimentos de Lowder con el desfile de la cinta cinematográfica y sus estudios sobre la percepción, que le permitieron tener una comprensión profunda de cómo se forman las imágenes. Al principio de desfile de imágenes vendrían a sumarse otras variables, que Lowder explora con la misma atención: la luz, cómo los objetos la reflejan o la captura, el foco, la textura, el grano, etc. Ambos programas se abren con los primeros ejercicios de Lowder en esta línea, heredera del cine estructural, y se cierran con obras que han sido pensadas para dos proyectores.

Programa 1: Fusiones espaciales
Miércoles 6 de junio de 2018
Auditorio de la Alianza Francesa de Miraflores
Av. Arequipa 4595, Miraflores
7pm

Boucles [Bucles]
1976-1997 / 16mm / color / silente / 6′ 00
Cine sin cámara: una exploración de las variaciones de sencillas formas en el tiempo y una reflexión sobre la capacidad transformadora del dispositivo de proyección.

Voiliers et coquelicots [Veleros y amapolas]
2001 / 16mm / color / silente / 2′ 00
Veleros desplazándose entre flores o flores agitándose en el mar, la alternancia acelerada de paisajes es uno de los sellos distintivos de la obra de Lowder.

Beijing 1988
1988-2011 / 16mm / color / sonoro / 12′ 17
Movimientos pausados del cotidiano de la ciudad en sus detalles, un año antes de la revuelta de Tia’nanmen. Beijing 1988 es una suerte de cuaderno de viaje, otra de las formas recurrentes en su práctica.

Scènes de la vie française : Paris [Escenas de la vida francesa (París)]
1986 / 16mm / color / silente / 26′ 00
La lúdica transformación de vistas de París, donde se alternan a gran velocidad imágenes captadas momentos del año.

Quiproquo
1992 / 16mm / color / sonoro / 13′ 00
Quiproquo: malentendido por el cual se toma una cosa por otra. Un film sobre dos realidades que existen en paralelo: la naturaleza y el desarrollo técnico. Musicalizado por Katie O’Looney.

Champ provençal [Campo de Provenza]
1979 / 16mm / color / silente / 9′ 00
Una plantación de melocotones es el espacio en el que Lowder experimenta con las posibilidades del enfoque.

Rien d’extraordinaire [Nada extraordinario]
2010 / 16mm / color / sonoro / 2′ 00
Registro de una coreografía improvisada en una pensión en medio de las montañas.

Les tournesols + les tournesols colorés [Los girasoles + Los girasoles colorizados]
1982-1983 / 16mm / color / silente / 6′ 00
Exploración de la alteración del color, proyectado lado a lado con el registro original.

Retour d’un repère [Regreso de un punto de referencia]
1979 / 16mm / color / silente / 2E / 19′ 00
El interés de Lowder por el ritmo trasciende aquel que puede lograr manipulando la cámara. Así, el estudio de distintas tradiciones poéticas es el punto de partida para este film, donde Lowder calca la estructura del “pantun”, forma poética de Malasia. La versión que se presentará

Programa 2: Hábitats
Jueves 7 de junio de 2018
Auditorio de la Alianza Francesa de Miraflores
Av. Arequipa 4595, Miraflores
7pm

Parcelle [Parcela]
1979 / 16mm / color / silente / 3′ 00
Este film temprano fue compuesto fotograma por fotograma, buscando la alternancia de pequeñas formas y colores en un fondo negro, que a su vez se intercalan con fotogramas en blanco o coloreados.

Bouquets 21-30. Bouquets écologiques [Bouquets 21-30. Bouquets ecológicos]
2001-2005 / 16mm / color / silente / 14′ 00
Recolectar imágenes con un programa establecido, el de grabar cuadro por cuadro, dejando uno “vacío” para luego llenarlo con capturas de otro espacio y tiempo. Bouquets que, como afirma Lowder, contienen también “malas hierbas”. Esta serie, en particular, revela el interés de Lowder por temas socioambientales, pues estos Bouquets fueron grabados en espacios dedicados al cultivo responsable. En ese sentido, esta serie de Bouquets deja entrever el cotidiano de quienes ahí trabajan.

Impromptu
1989 / 16mm / color / sonoro / 8′ 00
Como su nombre lo indica, se trata de una pieza hecha de imprevistos: “distribución no planificada, pista de sonido provista accidentalmente por el laboratorio, actores inesperados, títulos finales producidos fortuitamente”, describe Lowder.

Fleur de sel [Flor de sal]
2010 / 16mm / color / sonoro / 32′ 00
A diferencia de otros films, lo que dicta el ritmo de Fleur de sel es la actividad de los “habitantes” de las salinas de Guérande; no sólo de las aves que se desplazan sobre las superficies cristalinas sino la de los trabajadores que recolectan artesanalmente la sal.

Habitat – batracien [Hábitat – batracio]
2006 / 16mm / color / silente / 8′ 31
A diferencia de Fleur de sel donde los “personajes” que habitan las salinas se multiplican, en Habitat-batracien, Lowder se detiene a observar las ranas de un estanque. Son ellas quienes dirigen el momento del registro, pues la intención de Lowder era la de penetrar en la dimensión temporal de este espacio y sus habitantes.

Sources [Fuentes]
2012 / 16mm / color / sonoro / 5′ 22
En los films de Rose la actividad productiva humana no está disociada de la naturaleza. La realizadora busca (o encuentra) personas que se dedican a extraer de ella lo necesario para vivir. Este film, en particular, tiene un personaje principal: Thomas, quien celebra 30

Roulement, rouerie, aubage [Rotación, astucia, álabe]
1978 / 16mm / color-n&b / silente / 15′ 00
Tres cortos films puestos uno tras otro que toman como punto de partida el movimiento de una turbina de paletas planas. Las tres partes llevan nombres que remiten al foco de interés del film. Roulement (Rotación) = “movimiento de la rueda que remite a los mecanismos de la cámara”. Rouerie (Astucia) = se remite a una manera de filmar, donde hay un juego con el foco. Aubage = una palabra inventada por Lowder que remite a las serenatas cantadas al alba, como el que entona la máquina filmada.

Certaines observations [Algunas observaciones]
1979 / 16mm / n&b / silencieux / 14′ 00
Un film temprano donde dos imágenes superpuestas —provenientes de dos proyectores sincronizados— evocan el movimiento y la iluminación propia de las fiestas nacionales, grabadas en blanco y negro y proyectadas una en positivo y otra en negativo.

Masterclass: la creación en film y la distribución del cine experimental
Viernes 8 de junio de 2018
Auditorio de la Alianza Francesa de Miraflores
Av. Arequipa 4595, Miraflores
11am

En esta clase maestra, Rose Lowder abordará dos aspectos de su carrera: el de la creación en film y el de la distribución de cine experimental.

A manera de introducción, Lowder explicará el contexto -dentro del campo del cine experimental- en el que se inscribe su cine. Describirá las características de este tipo de películas en distintos países y la manera como estas obras son distribuidas y exhibidas en el cine o en otros espacios culturales, como museos o salas de exposición. En su rol de gestora, Lowder ha escrito numerosos artículos sobre los circuitos de circulación del cine experimental europeo. Junto a Alain-Alcide Sudre, fundó los Archivos del film experimental de Avignon, institución fundada hace más de treinta años con el objetivo de dar a conocer películas que para la época eran inaccesibles en Francia. La colección cuenta con casi 200 films y una importante cantidad de documentos en papel que pueden ser consultados en la distribuidora Light Cone.

En una segunda parte, Lowder explicará  las razones que la llevaron a elaborar el particular método con el que trabaja, que consiste en hacer el montaje en cámara, exponiendo la película dos veces de forma a intercalar imágenes en distintos espacios y momentos. Para ello, Lowder tomará como referencia hitos de la historia del arte y la cinematografía y completará la explicación con el visionado de  fragmentos de sus films, proyectados en 16mm.

La masterclass de Lowder es no solo una oportunidad para adentrarse en el trabajo de una artista sino un espacio para redescubrir el potencial creativo del film, sus fundamentos mecánicos y fotoquímicos y cómo estos pueden ponerse al servicio de una investigación más amplia sobre el ritmo, la percepción y la naturaleza.

POETRÓNICO: Gianni Toti y los orígenes de la video poesía

Información sobre el Ciclo de conferencias y proyecciones

En el contexto de la celebración de los 20 años de la labor de ATA, estamos preparando una exposición retrospectiva de la obra de Gianni Toti, uno de los padres de la video poesía y del video experimental. Si bien ya hemos presentado obra de Toti anteriormente, esta muestra sería la primera en presentar una selección prácticamente completa en Latinoamérica, además de ser la obra con la cual ATA empezó su labor cultural, cuando Gianni Toti visitó Lima en 1995.

La muestra estará en la Sala 1 del Museo de Arte Contemporáneo (MAC), desde el viernes 23 de octubre de 2015, al martes 12 de enero de 2016.

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¿Quien es Gianni Toti?
Gianni Toti (1924-2007) es considerado el padre de la video poesía y unos de los más importantes autores de video arte a nivel internacional. Su rica biografía, como poeta, escritor, autor de películas y piezas teatrales, dibuja el perfil de un intelectual orgánico que confronta infatigablemente la profundidad teórica y la actividad cultural con iniciativas editoriales y con intervención militante a partir de su actividad en la resistencia romana y luego como periodista y enviado especial del diario L’Unitá.

Cronología de Gianni Toti

POETRÓNICO. Gianni Toti y los orígenes de la video poesía
La importancia de Gianni Toti
La voluntad de experimentar lenguajes nuevos y su vocación al desmontaje lógico-sintáctico de la palabra, que marca su poesía, le hace descubrir el video, empujando a límites extremos la poesía de la imagen electrónica como suma de todas las artes, la concretización del sueño de un arte total. Toti realiza algunas videopoesías en el sector de la investigación y experimentación de la RAI (Radiotelevisione italiana), inaugurando una carrera en la que habría de realizar (más en el exterior que en Italia) 13 obras, mejor definidas como VideoPoemOperas, dada la síntesis de lenguajes musicales, imaginativos y poéticos que las caracterizan. Del analógico al digital, retornan los temas de toda la trayectoria totiana: la investigación sobre la palabra, sobre la base de muchos poetas experimentales –entre los cuales figuran Mayakovski y Chlebnikov, Hölderling y Mallarmé–. Pero Toti no solo trabajó en el campo de la síntesis del lenguaje: para la Cité des Sciences et de l’Industrie de París realizó en 1986 siete VideoPoemas dedicados al imaginario científico.

Toti en América Latina y el Perú: el legado y el contexto peruano
El vínculo de Toti con América Latina se inicia en Cuba, con una aparición en la película “Memorias del subdesarrollo” de Tomás Gutiérrez Alea donde participa de una escena en una mesa redonda sobre la situación cubana de la que participa Gianni Toti junto con René Depestre, David Viñas y Edmundo Desnoes. Durante los años 80 y 90 participó activamente en Festivales y manifestaciones de video en América Latina. En el Centro Internacional de Creación de Video (Montbéliard, Francia), el mítico Centro Pierre Schaeffer, Toti realizó sus más grandes y últimas creaciones, como “Planetopolis” un ensayo poético sobre la utopía negativa de la ciudad planetaria ininterrumpida y “TupacAmauta” que llevó por primera vez la figura de dos de los más grandes pensadores del siglo XX: José Carlos Mariátegui y Antonio Gramsci. De esta forma Toti lleva el pensamiento latinoamericano al dominio metafórico y alegórico del lenguaje electrónico pasando del área semántica de la literatura y cinematografía a la fusión de todas las artes con la perspectiva de obra de arte total y de syntheatrónica.

Ver la web con el homenaje que le hicimos a Toti en el año 2007.

Sabes qué es el Totiano?  descúbrelo aquí.

 

 Dialogo digitale del corpo umano1 Incatenata alla pellicola-1 L'arnia cosmica L'ordine, il caos, il phaos Per una videopoesia-1 Tenez Tennis-1 Terminale Intelligenza-2


SELECCIÓN

Planetopolis
126 min
1994

Primera creación audiovisual que Toti definió como “VideoPoemOpera” y que intenta llevar el video al límite de sus capacidades visuales y técnicas. Trata sobre la distopía (utopía negativa) de la ciudad ininterrumpida que cubre el planeta y es regulada por la pesadilla humana y la poética del “homo electronicus”. Planetopolis es una obra de altísima complejidad visual y sonora, donde se sintetizan en forma heterogénea material de archivo, imágenes fílmicas de Lang, Eisenstein, Marker, Pennebaker, Lanoli, efectos especiales y animación, que aluden a una transforamción planetarial dentro de un confín de video. A nivel sonoro se está configurada por un lenguaje compuesto por diez idiomas e incorpora música procesada a partir de cincuenta canciones de compositores clásicos y modernos.

 

Experimentos en Video Poesía

Toti es considerado el padre de la video poesía pues usó el video como un medio de experimentación que le permitió expandir el campo metafórico y alegórico del lenguaje para vincularlo con la literatura, cinematografía, lingüística y otras disciplinas con la perspectiva de elaborar una obra de arte total. En sus inicios fueron un conjunto de video poemas breves, con músicas elaboradas al revés y en diferentes intervalos, pero con el pasar de los años estos video poemas incorporaron imágenes digitales y virtuales que también cuestionaban visualmente la realidad que nos provee la tecnología.

  • Per una videopoesía (50 min, 1980)
  • Tennez Tenis (15 min, 1992)
  • Aca Nada (27 min, 1998)
  • L’Originedite (18 min, 1994)
  • Monteveritazione (17 min, 1991)

 

Trilogía Maiakosvkiana

Es la historia de Sakavannaia filmoi, la película escrita en 1918 por el  célebre poeta ruso Vladimir Maiakovski e interpretada por él y Lili Brik. Se basa en 2 minutos y 40 segundos de película original que fue salvada de un incendio y que Lili Brik obsequia a Gianni Toti. Resulta significativo el ingenio de Toti y la utilización de los nuevos lenguajes del arte electrónico en el campo de la post-producción para producir casi 3 horas de obra original a partir de un pequeño fragmento de film. Como nota curiosa, Toti acusó a Woody Allen de haberse “inspirado” en exceso en su trilogía, o en Maiakovski, para realizar su película La rosa púrpura del Cairo.

  • Valeriascopia (26 min, 1983)
  • Incatenatta alla pellicola (60 min, 1983)
  • Cuor di Telema (83 min, 1984)

 

El Imaginario Científico

Toti produjo en el año 1986, con el apoyo de la sociedad de música informática y la ciudad de las ciencias y la industria de Paris (La Villette) una serie de video creaciones que versan desde la relación de teorías cósmicas, la estructura final del universo, geometría fractal, atractores extraños, antimateria y ciencia médica para el estudio del cuerpo humano. Las imágenes del hombre y la máquina dialogan de forma armoniosa en estos trabajos. Muchas de estas obras fueron trabajadas a partir de discusiones que Toti sostuvo con reconocidos científicos, insumo que le permitió producir imágenes técnicas de alto nivel de sofisticación.

  • Dialogue Digital du Corps Humain (27 min, 1986)
  • l’arma cosmica (8 min, 1986)
  • L’ordine, il caos, il phaos (24 min, 1986)
  • A la Recherche de L’Anti-queue Imaginée (17 min, 1986)
  • I raggi cosmici e l’odoscopio (5 min, 1986)

 

Tupac Amauta

Esta trilogía, compuesta de un canto y dos gritos, es un homenaje a Latinoamérica, a José Carlos Mariátegui y a Antonio Gramsci, donde el área semántica de la literatura y cinematografía histórica se fusionan con las imágenes electrónicas creadas de novo para plasmar la palabra en movimiento. En el segundo grito, Toti nos ofrece las Sonatas en Rojo Mayor, junto con las imágenes del Monumento a la Tercera Internacional así como mitos indígenas como la Serpiente Emplumada de Quetzalcóatl. El tercer grito hace alusión a los triunfos de la ignorancia y la muerte, hoy día representada por el capitalismo.

  • Tupac Amauta (53 min, 1997)
  • Gramsciategui ou les poesimistes  (55 min, 1999)
  • Il trionfo della morte materiale di lavorazione (23 min, 2003)

 

PlaneToti-Notes
31 min
1997

La investigadora en nuevos medios Sandra Lischi realizó este video retrato sobre Gianni Toti con un corte de documental experimental, donde presenta su peculiar universo intelectual y personal así como etapas de su proceso creativo.

Click aquí para descargar la nota de prensa

Rasheed Araeen en Lima

Mira el mini documental completo:


Watch the English version of the short documentary here

Rasheed Araeen (1935) es un reconocido artista conceptual pakistaní radicado en Londres. Es una de las voces más importantes en el mundo del arte en tratar el tema de la identidad de los artistas del Tercer Mundo. Es, además, fundador de la revista Tercer Texto (Third Text), publicación pionera en la que se expande la perspectiva sobre la visión del arte y la cultura en zonas poco representadas del mundo.

En el mes de octubre de 2013, Araeen visitó el Perú para presentar su trabajo Zero to Infinity (Del Cero al Infinito) obra conceptual que se realiza con la participación de la comunidad. La obra muestra que es posible enfrentar y desafiar la visión establecida de las cosas o el status quo, y desafía las estructuras jerárquicas de la sociedad sin tener que recurrir a representaciones de la realidad. Es parte de la colección de la TATE Modern y recorrerá distintos puntos de Lima en el mes de octubre.

La primera presentación se llevará a cabo el día viernes 4 de octubre en el hall principal del Museo de Arte de Lima (MALI), a las 6:00pm. La obra permanecerá en el museo hasta el domingo 6 de octubre, y el 8 de octubre comenzará su recorrido hacia los Parques Zonales “Huáscar” (Villa El Salvador), “Huiracocha” (San Juan de Lurigancho) y “Cápac Yupanqui” (Rímac).  La presentación en el parque zonal “Huascar” contará con presencia del artista, y será a las 11:00 am. El proyecto comenzará con una charla/taller en el que Araeen explicará el marco conceptual/histórico de la obra. El artista participará en todo el proceso, a veces como el iniciador o conductor y a veces como espectador. También se involucrará a la audiencia en un debate oral y una discusión a lo largo del período la acción.

Rasheed Araeen además ofrecerá una charla en la que desarrollará los puntos principales de su investigación académica “El Arte de la Resistencia: Hacia un concepto de Nominalismo” el día lunes 7 de octubre en la Galería de Artes Visuales de la Universidad Ricardo Palma, en el Centro Cultural Ccori Wasi. La charla condensa buena parte del trabajo de investigación que ha venido realizando sobre poscolonialismo y nominalismo en el arte contemporáneo, principalmente asociado a las creación en zonas poco representadas y su relación con los sistemas de poder global.

Escuchar el audio de la conferencia aqui.

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Textos Básicos (traducidos al español)

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Este evento ha sido posible gracias a la gestión de Alta Tecnología Andina (ATA), el auspicio de FfAI y la colaboración del Museo de Arte de Lima (MALI), la Universidad Ricardo Palma, la Municipalidad Metropolitana de Lima y el Servicio de Parques de Lima (SERPAR).

AGENDA
Viernes 4 de octubre, 6:00pm: MALI – Presentación de Zero to Infinity.
– Lunes 7 de octubre, 7:00pm: Centro Cultural Ccori Wasi (Galería de Artes Visuales de la Universidad Ricardo Palma, Av. Arequipa Nº 5198, Miraflores) – Charla “El Arte de la Resistencia: Hacia un concepto de Nominalismo”.
Martes 8 de octubre, 11:00am: Parque Zonal Huáscar – Villa El Salvador – Presentación de Zero to Infinity.

TODAS LAS ACTIVIDADES SON DE INGRESO LIBRE.

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Más fotos aquí
Nota de prensa
aquí

 

Este proyecto fue posible gracias al apoyo de   FfAI-logo-web

 

Alta Tecnología Andina en la 9º Bienal de Mercosur: Jorge Villacorta y Rodrigo Derteano en conversación

La 9ª Bienal do Mercosul, en Porto Alegre es una exposición de arte contemporáneo que ocurre en diversas partes de la ciudad en las que se presenta una diversidad de proyectos en simultáneo y a la vez se realizan eventos de carácter cultural.

El título de esta edición de la Bienal es, en portugués, Se o clima for favorável; en español, Si el tiempo lo permite; en inglés, Weather Permitting. Estos títulos son una invitación a la reflexión al cuándo y al cómo, al por quién y al porqué, ciertos valores, ideas y obras de arte obtienen o carecen de visibilidad en un dado momento.

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En esta edición Alta Tecnología Andina estrá participando con el proyecto Ciudad Nazca, que será representado por Rodrigo Derteano (realizador) y Jorge Villacorta (ATA).

 

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Página oficial de la bienal aquí
Dossier de Ciudad Nazca aquí

STELARC GIRA LATINOAMERICANA LIMA Y BUENOS AIRES 2001

STELARC GIRA LATINOAMERICANA LIMA Y BUENOS AIRES 2001

ZOMBIES Y CYBORGS
CUERPOS OBSOLETOS, INVOLUNTARIOS Y AUTOMATIZADOS

Sala Luis Miró Quesada Garland, 11 al 14 de octubre

ESCUCHANDO A STELARC
Jueves 11 y Viernes 12, 8 pm

CON EL AUSPICIO DE BELLSOUTH

Puedes acceder aquí a la Publicación

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Entre los días 11 al 14 de octubre, se presentó el artista australiano Stelarc en la Sala Luis Miró-Quesada Garland y el Salón de Actos de la Municipalidad de Miraflores.

Stelarc es considerado como el ‘padre’ del cyber – performance, que incluye música, movimientos corporales y teatro electrónico.  Para ello ha utilizado desde sistemas de realidad virtual, robots y la Internet hasta prótesis e instrumentos médicos.  Así ha explorado una gama extraordinaria de interfases de relación hombre-maquina. Como parte importante de la presentación Stelarc, utilizó su TERCERA MANO e hizo una demostración con cuatro voluntarios del público de un sistema que permite experimentar el movimiento involuntario de las extremidades.

Podría ser considerado como el artista más importante que ha venido al Perú en el año 2001.

Escuchando a Stelarc (Jueves 11 y Viernes 12, 8 pm) fue una presentación multimedia que ilustra el trabajo del artista mediante proyección de videos, diapositivas y CD-ROMs. Stelarc discutió temas relacionados al cuerpo y tecnología.  En ambos días el público asistente a las presentaciones superó las expectativas y la capacidad del Salón de Actos de la Municipalidad.

¿Quién es Stelarc?

Stelarc es un artista australiano, cuyo trabajo abarca las relaciones entre el arte del cuerpo y las nuevas tecnologías; entre la robótica y la naturaleza de la comunicación y el  futuro de nuestra especie.

Ha desarrollado performances  tales como la Tercera Mano, el Brazo Virtual, el Cuerpo Virtual y la Escultura Del Estomago.  Ha presentado de manera acústica y visual las ondas amplificadas del cerebro, los fluidos sanguíneos y de esta forma ha realizado filmaciones de sus pulmones, estómago y colon.  Entre sus performances más famosos se cuentan 25 suspensiones corpóreas mediante la inserción de ganchos en la piel, en diferente posiciones, variando situaciones y lugares.

Para su proyecto Carne Fractal (Fractal Flesh) desarrolló una pantalla sensible al tacto (interfase) conectada a un Sistema de Simulación Muscular, permitiendo de esta forma el acceso a distancia para el accionado y coreografía del cuerpo.  Performances como Ping Body y Parasito (Parasite) utilizan las nociones de la telemática, mediante el uso del Internet, extendiendo sistemas nerviosos virtuales para el cuerpo.

Recientemente para Kampnagel, completó el proyecto Exoesqueleto (Exoskeleton), una máquina neumática que se moviliza mediante una interfase siguiendo los movimientos de los brazos.  Algunos de sus proyectos actuales incluyen: Oreja Extra (Extra Ear), una oreja adicional construida quirúrgicamente que mediante el uso de un computador portátil emite sonidos provenientes del ciberespacio.  Movatar, un ‘avatar’ inteligente que participa del mundo real ‘poseyendo’ un cuerpo físico.  También desarrolla actualmente el Brazo Extendido, sistema que ‘extiende’ el brazo humano a proporciones del brazo de un primate y Protesis de Movimiento (Motion Prosthesis), un mecanismo inteligente para desarrollar performances repetitivas, precisas y de rápida programación.

En 1995 Stelarc recibió una beca del Visual Arts / Craft Board del Consejo Australiano. En 1997 fue nombrado Profesor Honorario de Arte y Robótica del Carnegie Mellon University (EEUU). Actualmente es Artista en Residencia en la ciudad de Hamburgo (Alemania). En 1999 fue nombrado Senior Research Scholar de la Facultad de Arte y Diseño de la Nottingham Trent University (Reino Unido).

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Arte y Ciencia: Centenario de M. C. Escher

Alta Tecnología Andina, en coordinación con la Universidad Peruana Cayetano Heredia organizaron en julio de 1998 un ciclo de conferencias y exposiciones en conmemoración del Centenario del artista gráfico holandés M. C. Escher. El evento tuvo por objeto desarrollar en el Perú un mayor conocimiento en torno a las relaciones entre el arte y la ciencia.

Presentación del Programa

Ciclo de Conferencias (6 al 8 de julio, 1998, auditorio de la Casa Honorio Delgado de la Universidad Peruana Cayetano Heredia)

¿Quién fue M.C. Escher?

Maurits Cornelis Escher es considerado por muchos el artista gráfico más popular de nuestro siglo.  Sin embargo, la popularidad de sus obras no se deben tanto a su belleza gráfica, sino, a su expresión artísitica que requiere una manera de pensar que no se encuentra comúnmente. Sorprendentemente sus trabajos han sido muy apreciados.  De lúcida y singular manera, hizo ver a su público algo sobre ellos mismos, algo que los tocaba profundamente.  Escher no buscaba la belleza estética; su obra gráfica no fue creada con la inteción de gustar (lo bello), por esto casi siempre se sentía de alguna manera fuera de lugar entre sus colegas artistas: ellos buscaban principalmente lo “bello”.  Escher aspiraba a capturar lo interesante, induciendo un sentimiento de interés en su audiencia. Es por ello que se definía asimismo como un artista gráfico con “corazón y alma”.

Comité Organizador del Centenario de M.C. Escher

Raúl Loayza (Coordinador), José-Carlos Mariátegui (ATA), Jaime García Sócola (UPCH), Pedro Pablo Alayza (Museo de Arte de Lima), Jorge Villacorta y Adolfo Castillo.

Gianni Toti: retrospectiva electrónica

Gianni Toti: retrospectiva electrónica

Museo de la Nación, Lima, 20 y 21 de agosto, 1995

Películas

Orden Chaos y Phaos (27 min)
Videopoema sobre las relaciones entre los movimientos caóticos y el órden cósmico: rayos cósmicos, fractalidades, cuerdas cósmicas, atractores extraños, huecos y otras fenomenologías del ser.

SqueeZangeZaùm (100 min)
VideoPoemOpera dedicada a la epopeya poemática de Velimir Chlebnicov, de los futurianos rusos de comienzos de siglo y a las contradicciones históricas entre revoluciones y contrarevoluciones estéticas y sociales, las utopías tatlianas y las teatraciones sin cuerpos y con personjes-ideas.

Planetopolis (126 min)
El destino de la especie amenazada por las conurbaciones salvajes, la confusión planetaria y el desorden de los humanos, ultimos -sauros.  La intern(et)acionalización de los lenguajes y la última mutación de la percepción del mundo.  Considerada como una de las más importantes creaciones del video digital de los últimos años.

L’OrigInédite (17 min)
Imágenes de síntesis numéricas, sobre las transformaciones históricas de los lenguajes, de las escrituras y de las nuevas maneras del pensamiento binario.

Gianni Toti
Poeta, escritor, autor de películas y piezas teatrales. Gianni Toti es uno de los más importantes autores de video a nivel internacional.  Su rica biografía dibuja el perfil de un intelectual orgánico que confronta infatigablemente la profundidad teórica y la actividad cultural, con iniciativas editoriales (recientemente la Serie “I Taschinabili”, en el pasado fue director de la revista “Carte Segrete”).  Tuvo intervención militante a partir de la actividad en la resistencia romana y luego como periodista y enviado especial del diario L’Unitá.  La voluntad de experimentar lenguajes nuevos para pensamientos nuevos le hace encontrar al inicio de los años 80 el video.

Desde entonces es un “poetrónico”, un artista que empuja a los extremos límites la poesía de la imagen electrónica como suma de todas las artes, concretización del sueño de un arte total.  Desde entonces ha realizado muchas obras (también por la breve estación de la búsqueda y esperimentación, programas de la RAI); la primera “VideoPoesía” y tres “VideoPoemettis”, seguidos por la “Trilogía Majakovskiana”: ‘Incadenata alla pellicola’, ‘Valeriascopia’, ‘Cuor di Telema’ entre 1982 y 1983).  La confrontación con las tecnologías más adelantadas prosigue con la realización de siete VideoPoemas dedicados a L’Imaginaire Scientifique en 1986, para la Cité des Sciences et de l’Industrie de París.  La busqueda prosigue con “SqueeZangeZaúm” (1988), videopoema dedicado al poeta ‘futuriano’ Chlébnikov retratando una época y sus inolvidables ‘olvidadas’ utopias.   “Terminale Intelligenza” Poema sobre el saber y sobre la libertad del pensamiento, realizado para la Universidad de Pisa.  “Tenez-Tennis” (1992) es una meditación en danza y música (preparada por John Cage).

En los videos de Toti la voz del autor se hace poesía y resonancia entrelazándose con las imágenes que en video que se hacen permanentes metamorfosis de formas y colores, composiciones electrónicas de todo lo que ha sido hecho en el pasado.  Pero el cine como la poesía es una de las referencias constantes de este autor que voluntariamente cita y re-elabora la regeneración electrónica de las imágenes de la historia. Como artista residente en el Laboratorio “Brouillard-Précis” de Marsella Toti se ha aproximado a las imágenes de síntesis’ con su primera obra realizada en computadores Silicon Graphics “L’OriginEdite”.  En su biografía es imposible olvidar sus incómodas tomas de posición en defensa de la poesía y el arte en contra de la razones del mercado y el aplastamiento cultural.  Es a menudo invitado en todo el mundo para homenajes, retrospectivas, presentaciones de nuevas obras, seminarios, simposiums, coloquios, etc.  Toti no cesa de oponer intransigencia y rigor a la aluvional mediocridad y a la deriva de los ideales.

En el Centro Internacional de Creación de Video de Montbéliard realizó su más grande y reciente creación “Planetopolis” un ensayo poético sobre la utopia negativa de la ciudad planetaria ininterrumpida.  Está proyectando una gran VideoPoemOpera sobre la figura de José Carlos Mariátegui, el Gramsci de la América Latina, titulada Túpac Amauta.